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20 de Abril

Tan lejos, tan cerca: La palabra - David García Casado

Warbler.jpgMe gusta ocultar mis sentimientos a los ojos de mis congéneres, sin que, no obstante, me esfuerce aprensivamente en hacerlo, lo que consideraría un gran defecto y una gran tontería.

Robert Walser. El paseo.

Mi convicción es la de que el artista, siendo el enemigo de la sociedad, por su propio bien debe de permanecer tan invisible como sea posible y ciertamente indistinguible del resto de la multitud.

Paul Bowles. Without Stopping.

Qué poco dicen a veces los hombres, que apenas dejan entrever restos de experiencias en sus cuerpos o en sus ropas. En especial los escritores, casi siempre camuflados, vestidos de un modo neutro, “indistinguibles del resto de la multitud”, y a los que solo un tipo de presencia singular nos hace reconocer que están ahí, en un cierto abismo existencial, colgados de la experiencia de los hombres.

Pero también hay individuos capaces de decir tanto en su forma de mirar, de vestir, de moverse… No necesitan escribir una palabra pero están haciendo literatura viva, quizá pidiendo a gritos entrar en el imaginario colectivo, que alguien los inmortalice en alguna historia, que los retrate de un modo más o menos perfecto. En cualquier caso ellos son los verdaderos autores de su ficción, del modo en que hacen la experiencia algo visible, y leíble (aunque no necesariamente legible).

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13 de Abril

La furia de la materia (Una lectura de Catálogo de formas*) - J.S. De Montfort

gorman_casa_02.jpgEn una plaquette publicada en 2009, dejaba dicho el escritor y crítico, además de editor de la revista mexicana La tempestad, Nicolás Cabral (Córdoba, Argentina, 1975), que un ejercicio de vanguardia “rastrea, en el hiato entre el rostro y la máscara, el momento de verdad” [1]. Y es precisamente en esta disyuntiva donde se ha de buscar la significación última del propio título de su primera novela, Catálogo de formas, que acaba de publicar la editorial Periférica.

Son esas formas variaciones posibles de lo evidente y sabido; esto es, visiones normalmente vedadas o, mejor dicho, que no suelen estar presentes (razón por la cual no son aprehendidas por lo sentidos). Para que se entienda mejor la cosa hemos de pensar en el cubismo sintético. Y en su descomposición de planos: en su despliegue hacia el frente y hacia los lados de todos los planos posibles de una figura. Aquí, claro está, esta simultaneidad en la que se nos presentan planos auto-excluyentes, se habrá de referir a las visiones lingüísticas de un mismo asunto (o sea: puntos de vista, pero también en lo que respecta al estilo literario), y a la incorporación de símbolos (que funcionan al modo inverso de la inscripción en la pintura; esto es, aquí tienen una función icónica o figurativa). Y es que alienta a esta nouvelle de Cabral una idea neovanguardista: la de ser reanimación del cubismo. Y digo bien: no plasmación o nostalgia primitivista, sino intento de tonificar un proceder de avanzadilla que, a lo que parece (y aunque hayan pasado más de cien años [2]), no ha dicho todavía su última palabra.

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5 de Abril

Arte, política exterior y la Marca España desde 1950 - Ernesto Castro

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¿QUÉ HARÍA FRANCO EN SU LUGAR?

La Fundación Francisco Franco (FFF en adelante) lleva a un segundo round judicial a Eugenio Merino, un artista cuyas provocaciones escultóricas deberían resultar indiferentes para cualquier mandatario de una monarquía constitucional como la nuestra, siendo esta forma de Estado la reina y señora del laissez faire en términos culturales, confiando desde comienzos del siglo XIX en la inocuidad del compromiso artístico, él mismo muchas veces enfrentado con la genuina participación ciudadana, y cuyo epítome serían los románticos franceses convertidos -chaqueta aquí, chaqueta allá- en perritos falderos de Luis Felipe I, el delfín de los liberales; pero parece que la sociedad borbónica española tolera menos que otras el recuerdo de su pasado, pues basta con hablar en alto de la herencia fascista recibida (eso sí resulta inquietante, y no lo de ZP) para que la peña se santigüe y saque el DNI: «A mi no me vengas con ponencias de geriátrico, socio, que yo nací después de 1975.» Para la desmemoriada generación de los millenials (y para los franquistas que amanecieron demócratas en 1978) la dictadura debe estar entre Abell 1835 y A1689-zD1, galaxias primitivas a millones de años luz de distancia desde la Tierra, situada en un pasado atávico -junto con las Guerras Carlistas y el material de los ensayos de Fernando Sánchez Dragó- que nada tiene que ver con nosotros.

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30 de Marzo

Escribir en otro mundo: una revolución literaria* - Carlos Vidal

lisp.jpgMARIA GABRIELA LLANSOL y CLARICE LISPECTOR

Las obras de Clarice Lispector y de Maria Gabriela Llansol se sitúan más allá de los sentidos, del mero “sensismo” y del correspondiente “fluxismo” sensorial (de Deleuze, por ejemplo). Proponen un meta-arte, o un arte sin arte como se decía de Caravaggio (Bellori). El “pintor realista”, y Llansol y Lispector, hacen un arte sin arte, Llansol y Lispector hacen una literatura sin literatura, sin cánones ni mercancía noble y de lujo, un arte sin interpretación, sin narrativa. Extrañamente (sobre todo porque no se trata de un “arte visual”), el sentido de la vista (que es el sentido de la razón) es el que las autoras proyectan más lejos de sí, apartándolo definitivamente. Desarrollemos esta idea.

De Descartes a la Ilustración la vista es, obviamente, el sentido más valorado; ésta sentó las bases o ha servido de base a todas las formas humanas de producción de saberes y de conocimiento (se decía que el hombre de conocimiento era como un pintor equipado con una cámara oscura). Sin embargo, nunca ha dejado de haber en nosotros y en nuestra historia un resquicio de sospecha ocular. A pesar de los tiempos en los que ver era saber, o saber era percibir con claridad, nuestra fidelidad a la vista nunca ha sido incondicional.

Todavía hoy, sobre todo hoy, tras el siglo XX en el que gran parte de la filosofía (de Bergson a Sartre y Derrida) levantó un muro de dudas alrededor de esta cuestión, la sospecha ocular puede, algunas veces, adoptar la forma de una necesidad de interacción de los sentidos; otras veces, es otro sentido el que se superpone a la vista. En el Romanticismo, por ejemplo, podemos considerar que esta superposición se dio a través de la primacía de la audición (de modo explícito en Herder) y de la música. En cierto modo, las escrituras de Lispector y de Gabriela Llansol son inicialmente escrituras de la sospecha que luego reinventan la propia escritura y se sitúan fuera de esa sospecha (aun reconociendo su razón de ser). En estos términos iniciales, igual que Heidegger pretendía reescribir la historia de la metafísica volviendo a su inicio (levantando ese velo que oculta el “ser para la muerte”), volviendo al principio del olvido de la facticidad, Llansol y Lispector pretenden regresar a una especie de tiempo anterior a la literatura y al pensamiento.

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23 de Marzo

Speech! Speech! ¿Quién habla? – Carlos Bueno Vera

piper_68.gifEl caso de Inquieto* en la obra de Kenneth Goldsmith

[...] you don’t feel your mouth any more, no need of a mouth, the words are everywhere, inside me, outside me, well well, a minute ago I had no thickness, I hear them, no need to hear them, no need of a head, impossible to stop them, impossible to stop, I’m in words, made of words, others’ words, what others, the place too, the air, the walls, the floor, the ceiling, all words, the whole world is here with me [...]# Samuel Beckett, The Unnamable

I used to be an artist; then I became a poet; then a writer. Now asked, I simply refer to myself as a word processor. Kenneth Goldsmith, “Postlude: I Love Speech” en The Sound of Poetry/The Poetry of Sound

Que hable.

En una reciente entrevista en el suplemento cultural de El País (Babelia, 15 de febrero) con motivo de la publicación en castellano de Inquieto, Kenneth Goldsmith señalaba que “hoy no escribiría nada así. Inquieto responde a una idea de literatura que aún cree en valores como la originalidad. Es un libro muy original y muy poético” en oposición a la literatura que el autor ha venido desarrollando después, escrita bajo el cuño de lo que él denomina escritura “no-creativa”. Tal vez, lo que no señala esta entrevista, es que Inquieto (Fidget, 2000) es algo más que una pieza fundacional de la obra de Goldsmith [1], es una pieza fundamental en la obra del autor tanto por su proceder como por el lugar desde el que trabaja ese proceder.

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16 de Marzo

Las herramientas del maestro - Sarah Raymundo

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(Notas sobre cinismo, fuerza de trabajo, capital financiero y la industria del arte)

La actual crisis del capitalismo global se agrava a tal velocidad que hasta sus más astutos y falaces gestores económicos son incapaces de ponerle freno. No obstante, sus gestores culturales, diseminados por instituciones clave, todavía se refieren al sistema existente como el resultado de una ordenación divina. Para ellos, el presente solo puede juzgarse como la consumación de una progresión histórica que ha alcanzado su cénit. De este modo, cualquier visión alternativa sólo puede constituir una amenaza para la civilización.

De gurús progresistas

Hoy en día, el pseudo-progresista se erige como aquella figura crítica con el dolor y la humillación a la que están sometidos quienes viven en la pobreza. ¿Y la culpa de esta miseria? Los actuales mecanismos de exclusión que exponen a los pobres a todo tipo de riesgos a los que sólo se pueden adaptar o ajustar. En la mente del pseudo-progresista, no existe nada esencialmente erróneo en el sistema capitalista. El problema es de naturaleza administrativa y, por lo tanto, la cuestión se reduce a gestionar las sensibilidades de aquellos que “no están situados al mismo nivel”, tan sencillo como eso. Los gurús culturales arremeten contra el sistema capitalista, no a causa de la explotación que perpetúa sino por la exclusión que provoca, como si se hubiese producido una ruptura con la apropiación de la plusvalía en algún momento desconocido tanto para capitalistas como para trabajadores.

Admiten que el sistema capitalista genera riesgos y propicia una fuerza de trabajo vulnerable a todo tipo de abusos. Pero nunca dirán que éste es un sistema basado en riesgos y erigido sobre la explotación, que aquellos económicamente vulnerables están siendo en realidad explotados; y que conforman una clase que aún lucha por un sistema económico diferente. Nunca retratan a los pobres como a una clase combativa; y, sospechosamente, suelen referirse a los beneficiarios de este sistema explotador como a los no pobres (the non-poor).

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9 de Marzo

EL TABURETE DE LEOPOLDO - Armando Montesinos

madrid_bp.jpgMadre, esos besos que en la tumba
aún me das
son despertar, son nuevo frío;
estuve vivo, ya lo supe

ahora

déjame olvidar.(*)

Agosto se ensañaba con Madrid. Salí del horno tórrido del metro, donde los poros de los viajeros generaban ese vapor pringoso que se pega a la piel húmeda. El asfalto hervía sin metáforas y el aire pesaba, sucio, inmóvil. Tenía que andar diez minutos hasta mi destino bajo un sol demoledor a la hora de mayor asfixia. Ni un alma en las calles. Cualquier atisbo de sombra no podía ser sino un espejismo, y a mitad de mi camino fui a refugiarme, deshidratado, en el único bar abierto de la zona. Aunque ya sabía que no tenía aire acondicionado, se ofrecía como el único respiro momentáneo al agobiante exterior.

El local ocupaba un estrecho rectángulo en una esquina, con una puerta a cada calle. Entré en el mismo momento en el que un hombre se levantaba de una banqueta y se dirigía hacia la otra salida, dejando una lata de refresco de té en la barra. Era Leopoldo María Panero, a quien algún otro día había visto saliendo del hospital cercano, seguramente de recoger sus medicinas.

Me acerqué a la banqueta que había dejado libre con la prevención inconsciente de quien espera el calor recocido del plástico negro del asiento. Sentí ese vértigo de caída súbita que a veces precede al dormir: el taburete estaba completamente frío; allí Nadie había estado sentado.


(*) Leopoldo María PANERO (1948-2014), El que no ve. Las Ediciones de la Banda de Moebius, S.A., Madrid, 1980, pág. 39.


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2 de Marzo

Maldiciones del artista moderno - David García Casado

main168.jpgEn los acordes mudos, los silencios de ese soniquete repetitivo de origen africano de la canción de Robert Petway, "Catfish blues", se cuelan la resonancias ancestrales de una maldición.

What if I were a catfish? Swimmin’ deep down in, deep blue sea Have these gals Settin’ out hooks for me
Y si yo fuera un siluro? Nadando en un mar azul y profundo Y tuviera a todas estas mujeres tratando de echarme el gancho

La maldición del músico que canta su canción con la mirada enfocada al infinito. Solo allí encuentra paz, en el desenfoque perpetuo, una ceguera auto provocada para escapar del conjuro de todas las amantes que no han podido olvidarlo y sus pensamientos que lo acechan día y noche a través de imágenes, signos y sueños.

Un texto sobre maldiciones. Sí, lo reconozco, la idea me la dio True detective, la historia televisiva de un detective maldito, vaciado de cualquier esperanza de redención lo que lo hace capaz de llegar hasta el fin, no tiene nada que perder. Su compañero policía lo menciona en un momento determinado: “La maldición del detective es tener la evidencia en frente de sus propias narices y pasarla por alto”.

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25 de Febrero

La falsedad del misterio* - J. S. de Montfort

seurat.jpgPíxel vs. Pincelada

Dice el joven ensayista Germán Huici (Madrid, 1981) en su libro Entre miradas (Elba, 2013) que la felicidad que nos produce la contemplación de las imágenes es, a la vez, una frustración, aunque consentida. Ya que, como espectadores, pactamos ese no saber a ciencia cierta cuál es el misterio último que encierran esas imágenes que nos atraen con el irresistible “suspense de su dialéctica”. Pero cuidado, que no habla Huici de las imágenes contemporáneas (del píxel), ni del afán actual por primar lo textual en las artes visuales, sino de la pintura, la buena pintura, la mejor pintura, la que “no aspira a ser verdad”, sino más bien un “espacio lejano, inhabitable, que esa a la vez maravilloso y siniestro”.

Porque la fascinación imaginaria es inherente a nuestra condición, nos dice Huici, y lo que debería demandar el espectador que busca un arte bueno es “la honestidad de la virtualidad pura, sin ápice de realidad”. Una cierta falsedad, pues. Que se nos hable desde “la insignificancia de la intimidad”, no desde “la grandilocuencia del discurso”. Nuestra época es difusa y, en ella, realidad y virtualidad (arte y vida, pues), se confunden en el ámbito de las realidades virtuales, razón por la cual es tan difícil definir lo que es arte hoy.

La clave, en cualquier caso, de la diferente contemplación de las imágenes y, por lo tanto, de su diferente naturaleza, pero también de la decadencia misma de la pintura, es que los sujetos del pasado (de un mundo menos estimulado visualmente) le dedicaban más tiempo a la contemplación de una imagen. Y nosotros, en nuestra era de la “multiplicidad superlativa de imágenes”, apenas tenemos tiempo para ellas.

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23 de Febrero

¿ALTERNATIVAS A ARCO? - Ernesto Castro

large.jpg No las busquen en ARTMAD; el salón de los rechazados que parecía apuntar maneras hace años y figuraba en todas las porras como eterno opositor a la corona feriante y mercantil se ha vuelto en esta edición pasto de las excursiones de instituto que van a confirmar a los chavales los prejuicios asentados sobre el arte actual, que según dicen murió con Antoni Tàpies o se sobrevivió a si mismo y sigue zombi como Miquel Barceló. ¿Algún pintor fuera de la edad de jubilación, por favor? Haberlos haylos, pero son tan malos que merecen sufrir el formato expositivo de moda en ARTMAD, que consiste en acumular movidas hasta la claraboya, no menos de cinco piezas por metro cuadrado, como si aquello fuera una Wunderkammer y sus clientes, nobles que compran obra al peso.

En algo aciertan los expositores, algunos de los cuales tienen la cortesía de colaborar con Intermon Oxfam; en general todos los ONE PROYECT, que simplifican trayendo un solo artista, o bien aciertan con nuevas apuestas (no es mi rollo, pero hay que reconocer la solvencia de Anna Taratiel y sus trabajo abstracto-espacial; entrar en el espacio CiS Art es como hallar un oasis de seriedad galerística en mitad de aquello), o bien arman una sala del terror para niños a mitad de camino entre L’Oceanogràfic y una disco cuando encienden las luces (peores bichos he visto yo nell mezzo del cammin di nostra vita, pero nunca peor escultura que la que tienen montada en Fontanar: Océano Plástico, una reflexión sobre los desechos marinos donde Javier Ayarza aspira a Ben Clark del circuito escultórico y se queda en Charles Bukowski, poeta de lo patético).

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16 de Febrero

El arte contemporáneo “degoyado” por el propio IAC - María Virginia Jaua

arte degoyado.jpg Hay una anécdota del mundo de la literatura que quizás tenga algún sentido recordar estos días. Cuando Edgar Allan Poe dirigía una de las varias revistas que editó, un señor le envió unos poemas desafortunados para que los publicara. Poe los rechazó amablemente, pero el señor se enfadó e insistió en la validez de sus textos. Poe dijo entonces: “fulano de tal nos ha enviado unos versos, los cuales hemos declinado publicar por su propio bien, pero si sigue insistiendo los vamos a publicar.”

Esta pequeña anécdota editorial ilustra a la perfección el hecho de que a veces es mejor no empeñarse en el desatino: por el propio bien de uno, pero aún más por el del colectivo, cuando se es el representante de uno. El problema no es errar, sino insistir en ello no una sino mil veces hasta consumar el desastre y arrastrar a los otros.

La insistencia y tozudez del presidente del IAC, puede a la larga ser mucho más costosa que la propia gala deslucida y sin sentido, que se llevó a cabo el pasado 14 de febrero: copia mala de la copia mala de la copia mala…

Para empezar ese empeño de poner al arte en el escaparate y bajo los reflectores o como les gusta decir: en el photocall -que ya no sabemos si hay una confusión en la vocación- no solo no conseguirá la supuesta y anheladísima “visibilidad” del arte contemporáneo español en donde es y debe ser “visible”, sino que tampoco conseguirá realmente nada de las cosas importantes para el arte, e incluso, diría, que por su vulgaridad lo aleja cada vez más de conseguir aquello de lo que realmente está urgido: la legitimidad que solo da el trabajo serio.

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10 de Febrero

La vida de Adèle y las formas del erotismo - Aymara Arreaza R.

blue-is.jpg Late el deseo incluso después de que acaba la relación. Los motivos de la ruptura amorosa no pasan por el aburrimiento de acariciar el mismo cuerpo. No atisban sus razones en la falta de satisfacción del gozo sexual. La relación se acaba por razones que están fuera de la órbita de los amantes. Satisfacer y satisfacerse, por encima de cualquier actividad que tenga otro fin, es el leitmotiv de esta pareja. Prevalecen los primeros planos de las relaciones sexuales entre dos mujeres que convierten el goce amoroso y erótico en protagonista. No hay roles que cumplir y se rompe a pedazos la idea obsoleta de que la actividad sexual simple se practica con el fin “natural” de reproducirse. Así es La vida de Adèle, una jovencita que pasa por varios escenarios en los que se confronta con la exploración. Se ensimisma y se interroga: ¿cómo vive sus primeras experiencias sexuales?, ¿cómo siente la atracción que despierta en los hombres y las que avivan en ella algunas mujeres? Desde la tensión con la que se manifiesta el deseo hasta la morbidez de la mirada, Adèle presenta una belleza visceral y espontánea.

Exhibir en la pantalla un mosaico de gestos abrasadores en los que las protagonistas son dos mujeres no tendría nada de excepcional si este tipo de relaciones no hubiera estado vetada e invisibilizada desde que se empezó a hablar de la historia de la sexualidad reglada. Estéticamente la entrada impetuosa de la desnudez en esta película es imprescindible e instruye sobre el deseo, obligando a abrir los ojos, a atender a los estímulos del erotismo, a participar de la orgía del sexo y la comida, como si los espectadores fuésemos también los árbitros de esa contienda. Los cuerpos que casi flotan en la proyección revelan porosidades y fluidos que no atienden a la lógica de la razón normativa, la que procura imponerse en los patios de colegio. Aquí la pauta es otra y conecta con Georges Bataille y su modo de abordar las relaciones eróticas: “Lo que está en juego en el erotismo es siempre una disolución de las formas constituidas”. Disolución que en la propuesta del director Abdellatif Kechiche se logra a través de planos muy cortos que parecen minuciosos estudios de labios, cuerpos desaforados y fragmentos de pechos o nalgas que asumen su papel de excitadores de carnes convulsas.

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2 de Febrero

ASÍ NAUFRAGA EL ARTE TÉCNICAMENTE PUNTERO - Ernesto Castro

BARCO HUNDIENDOSE 2.pngEl triste caso del Polizone

Hay barcos que solo valen para estar en tierra. Es el caso del Vasa, el buque de guerra mandado fabricar entre 1621 y 1625 por órdenes de Gustavo II Adolfo de Suecia, quien buscaba añadir en su flota el mayor galeón jamás hecho, armado con 64 cañones y una dotación de 30 marineros y 300 soldados, siendo su triste destino escorarse y hundirse durante su bautismo a escasos metros del puerto de Estocolmo. ¿El motivo? Llevaba demasiada carga. Los ingenieros calcularon adecuadamente las magnitudes para un puente de cañones; Gustavo tuvo que pedir doble ración para enviar esta mala bestia a pique. Si hoy quieres verlo en acción, procede ir a revisar Piratas del Caribe II (el Holandés Errante que lleva el mitad hombre, mitad pulpo es igualito) antes de volar hasta el Vasamuseet; un museo de barcos es un crimen en el altar del savoir faire.

Lo mismo podría decirse de Polizone, la instalación interactiva con que culmina la iniciativa Huesped, propuesta por INTACT Project y alojada en Medialab-Prado, cuyo objetivo consiste en utilizar la tecnología para simular una travesía marítima. Los creadores advirtieron a la concurrencia que asistieran listos para contribuir activamente en una experiencia metacreativa que involucraba la participación semipresencial del Matralab (Montreal, Quebec) y del Arteleku (Donostia, Euskal Herria). Según Roberta Bosco y Stefano Caldana, teníamos ante nosotros «una apuesta muy atrevida y quizás la obra basada en técnicas de telepresencia más compleja que nunca se haya realizado». Fui a ver con mis ojos aquello tomando por bandera el espíritu del naufragio con espectador según cuenta Lucrecio:

Es suave mirar cuánto trabajan otros desde tierra cuánto les sacude el viento la superficie del mar; no porque la agitación ajena dé contento y alegría, sino aún más suave discernir los males que no tienes.

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26 de Enero

Neoliberalismo y autonomía del arte - Irmgard Emmelhainz

Calderon_No_More_Weapons.jpgEl neoliberalismo se define como un sistema regido por la economía del libre mercado, la privatización del estado de bienestar y una buena parte de los servicios gubernamentales (educación, salud, energía), subcontratar al sector privado y cambios en las leyes laborales y en los derechos de los trabajadores al igual que una división trasnacional del trabajo. En cuanto al sistema de control, el neoliberalismo combina un régimen policial militarizado con tolerancia represiva: gobernando con soberanía diferenciada –unos como “ciudadanos” y otros como “no-ciudadanos” o excluidos –, implica una lógica de securitización y el afianzar la libertad de expresión y la ‘”calidad de vida”. Las figuras políticas moldeadas y gobernadas por el régimen neoliberal son: el homo oeconomicus (o el emprendedor, responsable de su propio bienestar y el administrador de su propio capital humano) y el sujeto de derechos (en el sentido que el Estado se encarga de garantizar que los derechos humanos de los ciudadanos sean respetados). Aparte de ser un sistema económico y político, podríamos plantear al neoliberalismo como una manera de relacionarse con el mundo, la naturaleza, las cosas y los seres, presuponiendo el crecimiento y desarrollo ilimitados. También es una manera de vivir y trabajar: ya que la distinción entre tiempo de vida y tiempo de trabajo ha sido borrada bajo este sistema, los seres humanos han sido puestos a trabajar más allá de sus capacidades mentales y físicas.

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19 de Enero

Universo Gambardella - David García Casado

La-Grande-Belleza.jpg
¡Qué dulce es quedarse largamente ante el objeto de ese deseo, manteniéndonos en vida en el deseo, en lugar de morir yendo hasta el extremo, cediendo al exceso de violencia del deseo!

Georges Bataille

Suena The Beatitudes de The Kronos Quartet. Melancólica pero esperanzadora, nos lo hace ver todo desde ese punto maravilloso donde la madurez encuentra a la adolescencia y nos da una apariencia de continuidad. Un trampolín para volver a empezar otra vez pero esta vez conociendo cuales serán nuestros errores, para no cometerlos. Si somos sabios sabremos aguantar la violencia del deseo, no perder el tiempo en lo que no queremos hacer. Por eso lo viejo es mejor que lo nuevo, por eso Jep Gambardella es el puto amo.

Jep Gambardella escribe su libro, su segundo libro, se llama La Grande Belleza, lo escribe a traves de la mente de Paolo Sorrentino, que es el creador del Universo Gambardella, con la ayuda de las grúas y los travellings de Luca Bigazzi.

El coliseo de Roma es origen de ese Universo, el círculo que prueba la coninuidad de la existencia. Jep representa los últimos días de lo mundano, del cual él es el Rey. Roma aparece semivacía, despojada del bullicio de las películas de Pasolini. Las calles son de Jep, esta Roma es su ciudad, tan imaginaria como su viaje al fin de la vida, ahí radica su fuerza.

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