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5 de Enero
Olvido digital vs. memoria digital - Vicente Luis Mora
Originalmente en Vicente Luis Mora. Diario de Lecturas
La memoria robada. Los sistemas digitales y la destrucción de la cultura del recuerdo. Breve historia del olvido
Manfred Osten
Siruela, Madrid, 2008.
En este ensayo, breve a pesar del largo título, Osten desarrolla varios temas que se van cruzando: la aceleración histórica, las consecuencias que la misma tiene en cuanto a la progresiva dificultad de conservar la memoria, los problemas histórico-sociales-culturales del olvido, y los sistemas de archivo digital. Esta cuadrangulación es interesante y tiene una obvia lógica relacional, que no ha pasado desapercibida ni al autor ni a los pensadores en que se apoya. Porque, digámoslo ya, Osten no es un gran pensador. No es un filósofo al uso, ni siquiera un fino ensayista, sino una persona inteligente que sabe leer libros y artículos de manera cruzada, tejiendo un texto a partir de las referencias de otros. No estamos defendiendo una absurda actitud de no citar a nadie, sino criticando la extendida costumbre de que las citas de los demás sean la parte más importante del texto, no por cantidad sino cualitativamente, obliterando aquella otra donde se exponen –o debieran exponerse– las hipótesis propias. La aportación de Osten es minúscula, y en realidad son otros pensadores alemanes (Harald Weinrich, Odo Marquard, Wolfgang Früwald, Wolf Singer, Wolfgang Hagen) los que sostienen el libro. Con todo, precisamente por la inteligencia lectora de Osten, el ensayo es muy interesante, por lo que tiene de clarificador en el planteamiento de los temas y por su labor difusora de los pensadores alemanes. Y enfatizo pensadores alemanes porque, en un gesto de cierto chovinismo alemán –por ser piadosos en la descripción– Osten escribe como si ningún pensador francés, norteamericano, español, chino o inglés hubiera escrito jamás sobre estos temas. Y si comenzar con unos rudimentos sobre filosofía de la historia puede hacerse, sin severos problemas, apoyándose exclusivamente en el pensamiento germano, conforme nos acercamos a la exposición de los sistemas digitales de archivo de datos, ciertas ausencias (Maldonado, Castells, Manovich) convierten al libro en un acercamiento muy limitado al tema de la consolidación de la memoria mundial. Osten parece ser uno más entre los numerosos pensadores que se acercan a los temas digitales sin saber lo que es una base de datos, un sistema operativo o una memoria en red.
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Cuando el arte ataca - Claudio Iglesias
Originalmente en Página 12
Entrevistas > Del Di Tella a Tupamaros: Luis Camnitzer y el arte latinoamericano en los ’60
A mediados de los años ’60, un movimiento artístico recorrió América latina como una revolución. El conceptualismo se adaptó a cada lugar: el Di Tella en Argentina, los Grupos en México, el CADA en Chile, etc. Pero la revolución no era sólo estética: en él convergieron el arte, la educación, la poesía y la política. Ese mapa es el que traza el artista, docente y curador Luis Camnitzer en su reciente Didáctica de la Liberación: el de un movimiento que, más allá de fronteras formales, buscó los modos de “empoderar” al público como herramienta de cambio.
Luis Camnitzer no necesita demasiada presentación: el prominente artista, docente y curador nacido en Montevideo en 1937 (actualmente residente en Nueva York) es bien conocido en la escena artística regional por el trabajo que ha llevado adelante a lo largo de cinco décadas, desde su inicial participación en el movimiento conceptual, tanto en Uruguay como en Estados Unidos, hasta proyectos curatoriales e intervenciones críticas muy relevantes para el arte de los últimos quince años. Camnitzer pasó por Buenos Aires para presentar su último libro, Didáctica de la Liberación, un multifacético ensayo sobre el conceptualismo latinoamericano.
A lo largo de quinientas y tantas páginas, el libro cumple con el ambicioso proyecto de ofrecer una lectura cultural (en sentido amplio) del movimiento artístico que, promediando los ‘60, atravesó el subcontinente como una ráfaga de innovación estética y proyección política. Un movimiento muy glosado en cada contexto nacional (el Di Tella en Argentina, los Grupos en México, el CADA en Chile, etc.) pero pocas veces leído como un conjunto dinámico de prácticas, cargado de los intercambios complejos con cada idiosincrasia cultural.
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4 de Enero
La lección del maestro - Pablo Gianera
Originalmente en adn*cultura
En su nuevo libro, el pianista y director argentino-israelí reúne artículos en que analiza la relación entre música y política o evoca a pares como Pierre Boulez y Wilhelm Furtwängler, convencido de que el talento también acarrea responsabilidades artísticas y sociales
El sonido es vida. El poder de la música
Daniel Barenboim
Norma
Trad: Dolores Udina
En un pasaje de alguno de sus libros (que fueron en realidad un único libro incesante, El mundo como voluntad y representación ), el filósofo Arthur Schopenhauer llegó a la ilusoria conclusión de que si se acertara con una explicación cabal, perfecta y plena de la música en palabras, se arribaría a una explicación completa del mundo. Aunque suele declarar más bien su deuda con el pensamiento de Baruch Spinoza, Daniel Barenboim parece hacerle justicia, sin entonaciones metafísicas, a la ocurrencia de Schopenhauer. Naturalmente, Barenboim no se limita a describir la música con palabras -en ese caso, como él mismo no ignora, la música se volvería innecesaria- sino que toma el discurso musical como metáfora mayor: no supone que su condición inefable se confunda con el sinsentido y lee el mundo a partir de la organización de los sonidos.
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3 de Enero
Beckett emocionante - ENRIQUE VILA-MATAS
Originalmente en Babelia
"Gotas de silencio a través del silencio": le gustaban las palabras, le producían alegría. El fracaso del lenguaje mismo y la necesidad, sin embargo, de seguir diciendo recorren la obra del autor de Molloy, un escritor esencialmente detectivesco...
Como a Molloy, a Beckett siempre le vemos alejarse, dominado "por una inquietud que no es necesariamente suya, pero de la cual participa en cierto modo". Quién sabe, quizás es su propia inquietud la que le invade. Pero, ¿cuál es su verdadera identidad? ¿Y desde dónde escribe? Le gustaban las investigaciones de este tipo; Beckett es esencialmente detectivesco. "Y, en todo caso, ¿qué hacía yo allí? Bueno, precisamente es esto lo que trataremos de averiguar" (Molloy). Le gustaban las palabras. Es más, le producían alegría, lo que está dicho bien pronto. ¡Al sombrío Beckett le alegraban las palabras! Cuenta Cioran que un día se lo encontró por la calle y en vista de su mutismo se lanzó a contarle cosas personales y le dijo que había perdido el gusto del trabajo y que escribir se había convertido en un suplicio. Beckett le miró muy alarmado. Y le dijo -musitó más bien- algo sobre las palabras y la alegría. Años después, Cioran lo seguía recordando muy bien: le había hablado de alegría.
En realidad algo no tan extraño, porque las palabras fueron siempre su única compañía y soporte. Quienes le conocieron aseguran que se sentía sólido en medio de ellas. Precisamente sus pasajeros accesos de desaliento debían coincidir con los momentos en que dejaba de creer en las palabras, con los momentos en que se imaginaba que le traicionaban, que huían de él.
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La santidad de Genet - JUAN GOYTISOLO
Originalmente en Babelia
Diario del ladrón
Jean Genet
Traducción de María Teresa Gallego e Isabel Reverte
Seix Barral. Barcelona, 1994.
1932. España estaba cubierta entonces de vagabundos: sus mendigos iban de pueblo en pueblo, por Andalucía en razón de su buen clima; por Cataluña, de su riqueza, pero todo el país nos era favorable. Fui así un piojo con la conciencia de serlo. En Barcelona, frecuentábamos sobre todo la calle Mediodía y la del Carmen. Nos acostábamos a veces seis en un jergón sin sábanas y, al amanecer, íbamos a pordiosear por los mercados. Salíamos en banda del Barrio Chino y nos dispersábamos con un capacho bajo el brazo, pues las amas de casa nos daban más bien un puerro o un nabo que unos céntimos. A mediodía regresábamos y nos hacíamos la sopa con lo recaudado. Lo que voy a describir son los hábitos de la canalla.
Caído en la abyección, Genet decidirá asumirla y convertirla en virtud suprema. La escala de valores de la sociedad biempensante no será la suya sino dándole la vuelta: lo vil se transmutará en noble y lo noble en vil. El proceso de subversión íntima iniciado en el antiguo Barrio Chino barcelonés será largo y accidentado, y se plasmará en la siguiente década en sus primeras obras poéticas y narrativas escritas en la cárcel parisiense de la Santé. El joven inclusero, mísero e indocumentado se consagrará al robo, la prostitución y la mendicidad en su anhelo de alcanzar la dureza empedernida del criminal con la misma entrega de quien se inicia en los arcanos de una creencia mística y de su áspero camino de perfección espiritual.
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30 de Diciembre
Cultura y crisis económica (¡Tú la llevas!) - Rubén Martínez
Originalmente en Blogs & Docs
Actualmente son muchas y de diferente origen las relaciones que se dan entre economía y cultura en un paradigma en el que la economía intangible y el “trabajo creativo” parecen haber ganado terreno (1). En ciudades que viven procesos avanzados de terciarización, se requieren activos que se pueden extraer de la esfera cultural a través de estrategias que hacen un uso muy instrumental de la cultura. Por otro lado, en un momento en el que las empresas perpetran políticas de management y de comunicación no tan dedicadas a los derechos de sus trabajadores o a la promoción de las prestaciones de sus productos como a la oferta de puestos de trabajo creativos y la producción de modos de vivir, el sector privado parece haber tomado nota de dinámicas y modos de hacer propios del campo cultural. En plena crisis económica, las dinámicas hasta ahora desarrolladas en esos contextos y el tipo de procesos que se pueden acelerar o rediseñar son sin duda complejos y difíciles de prever. Las nuevas derivaciones que se pueden dar entre economía y cultura durante el actual periodo de crisis son un campo interesante de investigación que, más allá de las consecuencias inmediatas y más previsibles como recortes de presupuestos públicos dedicados a cultura o cierre de infraestructuras públicas (2), todavía tienen que mostrar sus desenlaces más sofisticados y oscuros.
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29 de Diciembre
De artistas a comisarios - Juan Antonio Álvarez Reyes
Originalmente en abc.es | ABCD
Hay exposiciones que sorprenden favorablemente por la rara inteligencia con la que son concebidas -y luego levantadas- mediante un dispositivo que alcanza un alto grado de efectividad. No son muchas, es verdad; pero cuando se consigue visitar una de ellas, enseguida llega la reconciliación con un género claramente inflacionario. Ciertamente, la burbuja expositiva aún no ha pinchado como efecto de la crisis económica, pero no deja de ser una evidencia la necesidad de un cierto grado de deflación. O puede que la cosa no sea para tanto, es decir, que con invertir los papeles y cambiar a los actores se logre salvar -por el momento y hasta nuevo aviso- la representación. En París han empezado por trastocar el rol entre comisario y artista.
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Elliott Carter x 100: Cumplir años componiendo - Luciano Marra de la Fuente
Originalmente en tiempo de música
Un día después del centenario de Messiaen, el 11 de diciembre de 2008 cumplió cien años Elliott Carter, quien lo festejó en el Carnegie Hall con Daniel Barenboim y la Orquesta Sinfónica de Boston dirigida por James Levine. Un siglo de un compositor que exploró diferentes estéticas y lo sigue haciendo.
Debe ser la primera vez en la historia de la música que una orquesta le rinde un homenaje a un compositor por el centenario de su nacimiento y que el mismo compositor esté presente para escucharlo. Esto pasó el 11 de diciembre pasado cuando el estadounidense Elliott Carter festejó su cumpleaños en el Carnegie Hall de Nueva York con un concierto de la Orquesta Sinfónica de Boston dirigida por James Levine, junto al pianista Daniel Barenboim como solista.
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28 de Diciembre
Godard y Curtis Fuller en clave Murakami - Pedro B. Rey
Originalmente en adn*cultura
Alpha 60: Do you know what illuminates the night?
Lemmy: Poetry.
Alpha 60: What is your religion?
Lemmy: I believe in the inspirations of conscience.
Alpha 60: Do you make any distinction between the mysterious principles of knowledge and those of love?
Lemmy: In my opinion, in love there is no mystery.
Las ficciones de Haruki Murakami (Kioto, 1949) acopian hasta el abuso referencias a los productos de la cultura occidental. Esas alusiones funcionan por lo general como contraseña generacional y, en otras oportunidades, como principio de construcción. En su nueva novela, un tema de Curtis Fuller ("Five Spots After Dark") es la coartada para ponerle música cool a una trama que se despliega en una única noche, aunque una película ( Alphaville, 1965) funciona en realidad como clave de bóveda.
En la cinta de Jean-Luc Godard, la historia transcurría en una ciudad futurista donde, al estilo de Orwell, palabras como "amor" o "llorar" estaban prohibidas y a las emociones se las castigaba con la muerte. "Alphaville" se llama aquí el love-ho (hotel por horas) en el que se concentra buena parte de la acción, la técnica narrativa mima los movimientos de una cámara de la Nouvelle vague y el paisaje urbano, en su perfección contemporánea, no se priva de remitir a la urbe demencial por la que deambulaba Lemmy Caution.
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27 de Diciembre
Adiós a Harold Pinter, el autor que cambió el teatro del siglo XX
Originalmente en revista Ñ
El miércoles murió el escritor inglés Harold Pinter, autor de más de treinta obras teatrales que buceaban en la violencia, el autoritarismo y los perversos juegos de poder que subyacen en la experiencia doméstica y política de la segunda mitad del siglo XX. Pinter tenia 78 años y le habían descubierto un cáncer de esófago en 2001. La enfermedad le había impedido recibir personalmente el Premio Nobel de Literatura en 2005, pero no seguir trabajando en guiones cinematográficos e incluso volver fugazmente a su viejo oficio de actor. Pinter deja una impecable obra dramática que incluye obras como El montaplatos (1957), El Cuidador (1959) o La vuelta al hogar (1965), representadas casi ininterrumpidamente también en la Argentina. Sin embargo, en los últimos años su exposición estuvo más ligada su rol como polemista político y defensor de los derechos humanos, que a la literatura.
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Jean Luc Godard: "Las películas son para mí como el pequeño y malvado último hijo de la familia del arte"
Jean Luc Godard (1930), pasó por las prestigiosas revistas "Gazette du Cinéma" y "Cahiers du Cinéma" como crítico de cine antes de ser director. Con el dinero ahorrado durante su labor en la construcción de la presa Grande Dixence en Suiza, rodó su primera película. El documental de veinte minutos se llamó "Opération béton" (Operación hormigón), basado justamente en su experiencia como obrero de la construcción. Cinco años después, sobre una idea de Francois Truffaut (1932-1984), realizó "A bout de souffle" (Sin aliento), que llamó la atención de los críticos. Más tarde llegarían "Le petit soldat" (El soldadito), "Le mépris" (El desprecio), "Pierrot le fou" (Pierrot el loco), "Masculin, féminin" (Masculino, femenino), "Je vous salue, Marie" (Yo te saludo, María) y una larga lista de películas que contempla una breve etapa de incursión política. En 1998 se publicó en Estados Unidos el libro "Jean Luc Godard Interviews", en el que se reunieron catorce entrevistas concedidas por el director francés a distintos medios. La que sigue a continuación es una de ellas, en la que, en 1996, Godard habla con el crítico cinematográfico Gavin Smith sobre la filmación de "Histoire(s) du cinéma" (Historia[s] del cine), una serie de ocho episodios de una hora realizada para la televisión que comenzó en 1988 y le llevó diez años terminar. Escrita, editada y realizada en Suiza, la película es una mirada lúcida sobre la historia del cine compuesta a modo de "collage" a partir de fragmentos de films, lecturas de textos, citas sobre pantalla, fotos, cuadros, piezas musicales y sonidos.
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26 de Diciembre
Siempre tendremos Lake Tahoe - Fernanda Solórzano
Originalmente en Letras Libres
Hace apenas cuatro años una película mexicana sobre adolescentes que perdían el tiempo en un departamento de la Unidad Tlatelolco recolectó más de veinte premios dentro y fuera del país. Temporada de patos llegó a conocerse como una película “sobre nada”. Era, más que eso, una polaroid generacional.
A diferencia de tantos otros defensores del anticlímax, su director, Fernando Eimbcke, había recurrido a un estilo de dirección minimal (gestos mínimos, tiempos muertos, a la manera de su admirado Jim Jarmusch) no para contagiar el tedio de sus personajes sino para revelar que bajo su apatía hervía un caldo de hormonas, temores y desencantos precoces. Esa revelación se desprendía de lo nunca dicho, de lo no evidenciado, de aquello que los personajes no sabían o podían expresar. Desde aquella, su primera película, y ahora, en la recién estrenada Lake Tahoe, Eimbcke demuestra ser de los pocos directores mexicanos capaces de dar sentido al silencio y a la inacción.
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'Fotografías' de Zoe Leonard en el Museo Reina Sofía
Originalmente en arte nuevo
Como señalé en el post anterior anduve el fin de semana, de forma muy breve, viendo exposiciones por Madrid. Y la que más me gustó de todas las que vi fue sin duda la de Zoe Leonard titulada escuetamente Fotografías, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Esta exposición es la primera retrospectiva de su trabajo fotográfico desde fines de los setenta hasta el presente. Curada por Lynne Cooke, la exhibición de Leonard es un ejercicio magistral de reflexión crítica sobre la imagen fotográfica.
El trabajo espacial y el diálogo entre las imágenes es notable, ya que prescindiendo casi completamente de referencias textuales las conexiones que se generan entre las diferentes salas, muy pequeñas todas, deja de lado bloques temáticos de lectura, para abrir y superponer constamente los sentidos en cada serie de imágenes. Así, se trata de un recorrido que no permite que se clausuren las posibilidades interpretativas, sino que las acumulan deliberadamente para trazar momentos intensos que entrelazan reflexiones en torno al poder, la construcción de identidades, los iconos, el cuerpo, entre otros.
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23 de Diciembre
De la imagen: lo que nos mira. - Bárbaro Miyares
Cuando de algún modo decidimos pensar la imagen lo que de ese modo queremos decir es pensar en común, pensar la colectividad de la imagen y los esfuerzos colectivos de su producción. Pensar en común es suponer la imagen como una relación colectiva [de rozamientos directos e indirectos], en tanto todos y cada uno de nosotros forma parte, al menos en éste occidente historizado y tecnológico, de la estructura y del paisaje que define, bajo las mismas leyes perceptivas, nuestros actos de ver y, por lo mismo, el ámbito, los niveles y flujos primarios de (como actividad humana) nuestra visualidad: de aquello relacionado —que fue o esta siendo— con el 'qué vemos' (porque lo producimos), con el 'cómo lo vemos' (por cómo lo disponemos o distribuimos), 'hemos visto o veremos' (por cómo historizamos la cosa), o con el 'qué pensamos' de lo que de algún modo hemos visto (cómo filosofamos).
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Entrevista a Jean-François Chevrier: Poéticas del documento
Originalmente en arte nuevo
A propósito de la imprescindible exposición "El Archivo Universal. La condición del documento y la utopía fotográfica moderna", que se viene presentando actualmente en el MACBA bajo la curaduría de Jorge Ribalta, el suplemento 'Agenda' del museo publica una breve entrevista con el teórico francés Jean-François Chevrier. Ya el año pasado di cuenta aquí de la publicación en español de un libro notable, editado por Ribalta, bajo el título de 'La fotografía entre las bellas artes y los medios de comunicación' que antologa varios de los principales ensayos de Chevrier que van desde la observación de la fotografía como constructor de realidades en el siglo XIX, hasta sus procesos de museificación y su posibilidad crítica frente a ciertas retóricas espectaculares del arte contemporáneo. Ya Chevrier ha colaborado también con el MACBA con la exposición "Arte y utopía. La acción restringida", que es una recuperación de la obras e ideas del poeta Stéphane Mallarmé para repensar la historia del arte occidental moderno.
Se reproduce aquí la breve entrevista -de una sola pregunta- que carece de autoría pero que, casi sin temor a equivocarnos, podemos adjudicar a Jorge Ribalta, y en donde Chevrier desarrolla de forma sustanciosa sobre la dimensión política del documento -siempre en tensión con la historia-, sobre las estrategias de archivo del arte contemporáneo, y sobre la necesidad de entender el documento desde el entorno discursivo en el cual se "produce". Y es que pensar el documento no implica simplemente observar el remanente o vestigio material de un algo que ya ha ocurrido, sino poder adentrarnos a los modos en los cuales se construye la historia. Una constatación que no puede quedarse únicamente en el entendimiento de tales construcciones, sino que debería poder permitirnos construir otra historia, de manera distinta. Restos que pueden permitir abrir la formación de los discursos, y el modo en el cual estos emergen ya convertidos en prácticas sociales.
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Enviado el 23 de Diciembre
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