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8 de Febrero

En su vida - Rodrigo Fresán

Originalmente en :: radar ::

“Había una vez cuatro humildes jóvenes de provincias que se conocieron, formaron una banda y, juntos, compusieron una música maravillosa con la que conquistaron al mundo todo y vivieron felices por un tiempo y comieron muchas perdices y...”

No nos cansamos de oír –y de leer– la leyenda de Los Beatles porque, con apenas medio siglo girando en su cielo con diamantes, ya tiene la textura y el poderío de los mejores cuentos de hadas o, mejor dicho, de hechiceros. No es casual que uno de sus proyectos truncos haya sido protagonizar en el cine El señor de los anillos –Lennon como Gollum, McCartney como Frodo, Harrison como Gandalf y Starr como Sam–; y tampoco es blasfemia aquella bomba que en su momento arrojó el Beatle John: quizás Los Beatles no sean más grandes que Cristo pero, seguro, la trama de sus días y de sus noches es tan buena o mejor, narrativa y dramáticamente hablando, que la del Hijo de Dios.

Y, seguro, suena mucho mejor.

I READ THE BOOKS...

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LA VIDA ES UNA FICCIÓN EXTRAÑA - MARIO VIRGILIO MONTAÑEZ

Originalmente en La vueta al mundo

Entrevista a Juan Francisco Ferré*

-¿Por qué Providence y no otra ciudad?

El nombre mismo era importante, y el hecho de conocerla, así como la vida de Lovecraft. Esa ciudad centenaria, fundada en nombre de la libertad religiosa, representa el corazón del corazón de ese experimento utópico y, sobre todo, económico y tecnológico llamado América…

-Algo que llama la atención en la novela es su gran extensión, 587 páginas, junto a su gran ambición con una estructura muy peculiar. ¿Cómo fue tu proceso de creación de la novela?

Primero tuve la revelación de una idea, fulminante, una cuantas conexiones y asociaciones insólitas; luego una concepción lenta y una escritura muy rápida. En menos de tres meses, tenía más de mil páginas escritas. Lo peor fue la reescritura, el montaje. En cualquier caso, durante este último período, interminable, se me hizo evidente una verdad que se declara en las páginas finales: “toda creatividad es disfuncional, toda inspiración un mensaje destinado a otro mucho mejor dotado que alguien intercepta por error”.

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7 de Febrero

Canibalismo museal en El Prado - Fernando Castro Flórez

No hace falta ser el coronel Kurtz (aquel que es ya más el de Apocalipsis Now que el del Corazón de las tinieblas) para experimentar el más completo horror. Basta con pensar en el elefante que hace equilibrios sobre la trompa, estricto “autorretrato” de Barceló que viene a completar el conjunto de operaciones cutres de “arte público” de “la Caixa” en el edificio de Herzog & de Meron que acaso ya no flote sino que aluda al batacazo inminente. En cierta medida, se trata de practicar la política del “sostenerla y no enmendarla”, esto es, una prodigiosa terquedad que hace que si algo se ha realizado de pena (por ejemplo, el affaire que va de la infame cúpula de gotelex prehistórico al Pabellón de la Bienal absolutamente demodé no solo no aparezca ningún gesto correctivo sino al contrario la insistencia en la torpeza adquiera la dimensión de lo académico.

Con todo, la (des)vergüenza no es únicamente en nuestros días propia del arte pompier (estatalmente subvencionado) sino la de lo que llamaré estrategias de canibalismo museal. El mejor representante de este comportamiento aborigen es, sin ningún género de dudas, Miguel Zugaza, timonel del Prado y anteriormente de otras instituciones a las que llegó imberbe pero perfectamente engominado. Desde hace años alimenta el sueño de lo que llaman, rimbombantemente, El Gran Prado que consiste, por no marear la perdiz, en anexionarse el Reina Sofía y así poder hacer de todo y, especialmente, el arte contemporáneo que, por alguna razón que ahora no puedo entender, es lo que más mola. Primero fue la exposición lamentable de Cy Twombly que tuvo su particular Lepanto (derrota ominosa y nostalgia perpetua de lo sido) entre los muros de la ampliación desastrosa de Moneo, luego los festivales de Bacon que permanecen en la memoria como uno de los montajes más malos de cuantos he podido ver singular situación la de hacer la peor exposición de un artista contando con sus mejores cuadros), en tiempos intermedios surgía el proyecto, luego desmentido como establece el ritual, de encargar un Serra contundente para decorar algún zaguán, entrada tipo garaje o pasillo desolador.

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6 de Febrero

John Baldessari - Hans Ulrich Obrist

Originalmente en el cultural

Una epifanía es una fuerte revelación, la aparición inesperada de una buena idea que, bien resuelta, puede conducir a una nueva etapa. En eso pensaba al visitar la exposición retrospectiva de John Baldessari en la Tate Modern de Londres que llega ahora al MACBA. La exposición estaba llena de epifanías. Después de haber tenido con el artista tantas entrevistas, pensé que esto le podría dar un nuevo enfoque a la conversación. Es muy diferente a todas las anteriores. Lo podríamos llamar la Epifanía de John Baldessari.

-Me gustaría empezar hablando sobre la exposición que va a presentar en Barcelona y sobre las epifanías que hay en ella. ¿Cuál diría usted que es su primera epifanía, cómo comenzó todo?
-La primera epifanía fue la decisión de convertirme en artista. Empecé a dar clases en una escuela pública y pintaba los fines de semana aunque yo quería ser un trabajador social, porque me parecía que el arte era una forma de masturbación y no ayudaba a nadie. Enseñando a esos jóvenes me di cuenta de que ellos tenían mayor necesidad de arte que yo, por lo que me dije que tendría que estar haciendo algún bien, así que decidí continuar con el arte.

* * *

-¿Cual diría que es su primer trabajo válido, el primero que se pueda catalogar?
-Tal vez esas primeras pinturas. Nunca se incluyeron en las exposiciones que realicé hasta que el comisario Rainer Fuchs, en la exposición retrospectiva en Viena en 1996, decidió incluirlas. Y parece que funcionó. Creo que ese podría ser un buen comienzo.

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Aplaudiendo con una sola mano - Rodrigo Fresán

Originalmente en página 12

Esto no es una necrológica ni quiere serlo. Los libros, por suerte, no tienen edad ni fecha de vencimiento. Los libros –cuando se lo merecen– sobreviven a sus autores, a sus lectores y a tantas otras cosas.

Los libros de J. D. Salinger tienen mucho más que diez horas de batería y –puesto que era inevitable, que tarde o temprano tenía ocurrir, que ya iba siendo hora– me causa mucha gracia y cierto regocijo en medio de la tristeza el que J. D. Salinger haya elegido para morirse el mismo día en que los periódicos y los consumidores compulsivos del mundo y los electrocutados del universo no hacían otra cosa más que hablar y leer sobre las maravillas y utilidades del iPad y lo bien que lo presentó Steve Jobs (hoy gurú para adolescentes como alguna vez lo fue el “diseñador” de Holden Caulfield) y etcétera. Y atención: escribo atención y El guardián entre el centeno está número uno en ventas en la librería virtual Amazon.com. Así, Salinger muere y –al menos por un rato– volvemos al fondo por encima de la forma, a la sustancia por encima del envase, a la sangre por encima del plasma, al genio por encima del ingenio y al creador por encima de la criatura.

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Página del mes_ "EMBED" - Felipe G. Gil

Una red de intercambio de ideas.

Originalmente en do-cumenta

EMBED es una red de intercambio de ideas y una publicación colectiva sobre audiovisual integrado. Pero... ¿por qué surge este proyecto?

«Embed» es una palabra que se ha popularizado porque es el código html que sirve para republicar contenido audiovisual de las plataformas de vídeo online (Youtube, Vimeo, Dailymotion, Blip.tv, etc.). Por eso EMBED es una palabra que representa el cambio de paradigma de producción audiovisual contemporánea. Cualquiera puede subir vídeos. Cualquiera puede publicarlos y distribuirlos. Cualquiera los comenta. Y cualquiera los remezcla. La red es un juego de rol audiovisual gigante y los usuarios somos los jugadores.

Así que por audiovisual integrado entendemos toda la producción multimediática que se está llevando a cabo a raíz del surgimiento y democratización de las herramientas de la sociedad red. Videoblogs, webtv, webshows, viralidad, proam, DIY, flahsmobs... los conceptos se han multiplicado en muy pocos años y nos encontramos ante una auténtica redefinición narrativa e industrial de todo el sector de la comunicación audiovisual. Estamos ante lo que Henry Jenkins denomina como la proliferación de narraciones transmediáticas. EMBED aspira en primer lugar a convertirse en un medio especializado donde poder analizar esas tendencias y proyectos que representan este cambio cultural.

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5 de Febrero

Payasos en la lavadora, de Álex de la Iglesia - MIGUEL ESPIGADO

Originalmente en Afterpost

Se ha hablado de la tardanza del arranque de la literatura pop-moderna en España respecto a otros panoramas como el norteamericano. Pero si ampliamos el espectro a todas las disciplinas narrativas, hay que reconocer que en películas como El día de la Bestia (1995) ya se encuentran planteadas gran parte de las consignas estéticas que hoy se venden como innovadoras en nuestros círculos literarios. Ahora Seix Barral reedita Payasos en la lavadora (1997), una novela que el Álex de la Iglesia, según asegura en una entrevista a El País, escribió después del rodaje de Acción mutante, su primer largometraje, entre 1993 y 1995. ¿Y por qué ahora es un buen momento para volver a publicarla? Venciendo la desconfianza que suscitan los primeros pinitos en literatura de cualquier personaje público, hay buenas razones para abordar esta obra y dilucidar si debe ser tenida en cuenta. Álex de la Iglesia no solo tiene en su haber las credenciales de haber trabajado, con varios años de adelanto, desde presupuestos que hoy nutren a creadores literarios españoles de última generación; también le tenemos leídas algunas columnas excelentes que no dejan lugar a dudas: sabe escribir. Algo muy útil (aunque ni mucho menos indispensable) para ponerle tu nombre a una novela.

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4 de Febrero

¿QUÉ HACER DE LA PREGUNTA ¿QUÉ HACER?? - Jacques Derrida

Originalmente en e-limbo

¿Qué hacer? Pensar lo que viene. ¿Toca? Y entonces ¿cómo hacerlo? ¿Qué hacer? y ¿qué hacer de este imperativo? ¿En qué tono tomarlo? ¿Desde qué altura?

Nadie aquí lo duda, cierto aplomo, un aplomo que algunos, tal vez con razón, consideran sonambúlico, es lo que se precisa para atreverse donde sea a emprender con bastante calma, en suma, aunque sea denegándolo, aunque sea con el tono de la contra-profecía, el diagnóstico, cuando no el pronóstico del estado del mundo, y para adelantar tranquilamente unos como informes de desplomo panóptico sobre el estado del mundo, sobre el estado de la unión o de la desunión de Europa y del mundo, sobre el estado de los Estados en el mundo, sobre el nuevo orden o el nuevo desorden mundial, y también para permitirse, aunque sea denegándola, la prescripción o la contra-prescripción geopolítica. Todo esto dejando entender que el discurso geopolítico se paraliza en una suerte de impase o aporía generalizada: nada funciona y todo puede suceder. El aplomo consiste aquí en darse por autorizado el desplomo panorámico y mundial desde algo así como un antepecho, pero al borde del abismo, del desierto o del caos. Este aplomo de desplomo puede parecer sonambúlico, pues es un procedimiento, precisamente, un desplazamiento, un paso, un movimiento o una acción, un «hacer» guiados por ese extraño cuidado vigilante que los sonámbulos mantienen en el momento del riesgo más grande. Unos sonámbulos caminan al borde del caos abismal, y en el momento en que saben y declaran que ya no más, que todo está desajustado, desarticulado (out of joint, como dice Hamlet), que nada funciona, que todo acaba en el no-camino, el impase, la aporía, en el momento en que son persuadidos de que este mismo discurso panorámico es anticuado, se hacen adelante, si no como locos, visionarios, profetas o poetas, alucinados, por lo menos como soñadores que quieren mantener los ojos abiertos («pesimistas activos», diría Alain Minc). Si de una vez nombro el sueño, sin disociarlo del sonambulismo, es para tomarlos, como se dice, del lado bueno. No para desdeñar, todo lo contrario, el riesgo absoluto que corre el sonámbulo, sino para aproximar, más allá del saber y de la filosofía, política o no, aun más allá de todos los modelos y de todas las normas prescriptivas cuyo agotamiento vivimos, el pensamiento de lo que viene y que no puede sino ser aliado de lo que contrae parentesco con el sueño y con lo poético, siempre que, evidentemente, se piense el sueño de manera distinta de la habitual. Quiero recordar que, a la pregunta «¿qué hacer?», a lo que simultáneamente constituye, diría, una pregunta muy vieja, sin duda, ni tan vieja sin embargo, pero también una pregunta nuevecita, una pregunta todavía no escuchada, entre otras cosas Lenin contesta, y con precauciones interesantes, «es preciso soñar».

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Chapuza ritual - Fernando Castro Flórez

Originalmente en ABCD

La primera jugada puede ser decisiva en bastantes ocasiones. Especialmente cuando los que vienen después tendrán un pie forzado. El Dominó caníbal que Cuauthémoc Medina plantea -cuestionando la falta de intensidad en la que naufragan algunas bienales- ha comenzado poniendo el espacio de la Sala Verónicas a disposición de Jimmie Durham, que ya formara parte de la primera edición de PAC, comisariada por Nicolás Bourriaud. Tengo la impresión de que este antiguo activista cherokee, que considera al mundo como «un gran perro estúpido», es un artista bastante sobrevalorado. Lo cierto es que el lúcido crítico mexicano reverencia cada uno de los gestos que hace ése al que llama «maestro del arte de crear trampas conceptuales», que, según su opinión, habría sido decisivo en «la transformación cultural y geopolítica del arte contemporáneo».

Un gesto fuerte
Lo que necesitaba el proyecto era, tal y como declaró el mismo comisario, un gesto fuerte, algo que él mismo no pudiera anticipar y que tuviera un tono épico o sirviera como jerarquía para el resto de los «jugadores» (Cristina Lucas, Bruce High Quality Foundation, Kendell Geers, Tania Bruguera, Rivane Neuenschwander y Francis Als). Si lo que se quería era producir una serie de batallas, «a fin de crear un cadáver exquisito del arte contemporáneo», lo malo es que el comienzo es una suerte de acumulación de fósiles, una patética disposición de residuos en la que no es fácil encontrar intensidad o crítica, sino un facilismo ramplón y una torpeza plástica extraordinaria.

Es una pena que el fiasco se haya producido, porque la cosa no pintaba mal. Cuauthémoc Medina, apelando al Manifiesto antropófago de Oswald de Andrade o aludiendo al proyecto continuo diariamente alterado de Morris, trata de poner en marcha un juego transcultural en el que la procesualidad sea más importante casi que el resultado. No se trata de saber quién gana, ni cual será el resultado final, sino de favorecer las interacciones y obligar a los artistas a reinterpretar lo dado. Aún no podemos saber qué será capaz de hacer Cristina Lucas con los trozos de cemento, los cables, las tuberías, las ruedas y los bidones que ha colocado Durham en la zona común de juegos.

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A vueltas con el tiburón - EDUARDO PÉREZ SOLER

Originalmente en a-desk*

[A propósito de "El tiburón de 12 millones de dólares", de Don Thompson]

Damien Hirst, el mercado, el rol que desarrollan las instituciones y el papel de la crítica se conectan mediante imposibilidades y elementos al margen para seguir en la discusión sobre la legitimación en arte.

La reciente publicación en castellano de "El tiburón de 12 millones de dólares", de Don Thompson, ha provocado (cierto) revuelo en el (minúsculo) sistema del arte español. El libro ha reavivado el debate sobre el maridaje entre arte y contemporáneo y mercado, y ha dado pie a que algunos comentaristas arremetan de nuevo contra determinados aspectos de la creación actual. Es el caso de Rafael Argullol quien, en un artículo publicado el pasado 18 de diciembre en El País, se lamentaba de la creciente trivialidad de la creación artística de nuestros días, causada por su sujeción a intereses comerciales. Haciéndose eco del libro de Thompson, el escritor barcelonés denuncia la irrupción de un nuevo tipo de arte, desarrollado al amparo de la especulación mercantil y las maniobras publicitarias, que, en las últimas décadas, ha ido ocupando un lugar preponderante en bienales, museos y colecciones públicas y privadas. Es un arte anodino y superficial, pero que, gracias a la habilidad de sus promotores, ha adquirido un carácter canónico, al grado de condenar a la irrelevancia toda propuesta que no encaje en su prototipo. Argullol no escatima palabras para denostarlo y llega a calificarlo de “acomodaticio y servil”. Con ello parece sumarse al cada vez más nutrido batallón de detractores de la creación contemporánea, que cuenta entre sus filas a personalidades tan variopintas como Jean Baudrillard, Robert Hughes, Paul Virilio y Eric Hobsbawn, entre otras.

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3 de Febrero

Sonic Youth: Esa Jet Set Experimental - Iván López Munuera

Originalmente publicado en Pasajes diseño

De las portadas de Raymond Pettibon a las de Richard Prince, de las camisas de franela de cuadros de 5$ a los vestidos firmados por Marc Jacobs, de las camas mugrientas a los mullidos sofás de Starbucks, de cantarle a Charles Manson a ser fotografiados por Sofia Coppola. Todos estos síndromes modernos y esta Jet Set experimental se llevan dando cita desde hace casi treinta años en un mismo lugar: Sonic Youth, a quien el CA2M dedica una exposición retrospectiva, Sensational Fix, comisariada por Roland Groenenboom.

“Le robé el novio a mi hermana. Todo era como un torbellino de calor y centelleos. En una semana matamos a mis padres y nos dimos a la carretera”. Estas palabras -escritas al lado de la imagen de dos chicos lánguidos parapetados tras sus cigarros y gafas de sol- aparecieron escritas en la portada de un álbum que, casi desde el mismo momento de su aparición en 1990, devino en mítico: el Goo, de los neoyorkinos Sonic Youth. Mientras aquellas canciones que hablaban de sucias botas (Dirty Boots) y de raperos que decían liberar a las mujeres a golpe de estereotipos (Kool Thing) se iban colando con dificultad por las emisoras de radio; aquella portada, firmada por Raymond Pettibon, alcanzaba una difusión desproporcionada tras convertirse en codiciadísima ilustración de camiseta para toda una generación de perdedores, marginados, outsiders y universitarios ricos con ganas de pertenecer a una élite cultural. Porque, desde hacía algunos años (tal vez con la publicación del EVOL, 1986; desde luego con la aparición del Sister, 1987) y hasta hoy, Sonic Youth se ha convertido en algo más que un grupo que hace canciones. Es el Zeitgeist de una época escondido tras un hardcore progresivo, unas letras desencantadas y un amateurismo de ascendencia garajera (respecto al Goo casi todos los críticos estaban de acuerdo en una cosa, que el adjetivo que mejor se ajustaba a su sonido era “barato”).

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Joseph Beuys: Una domesticación posible de lo cotidiano - Danne Ojeda

“La forma, es movediza, cambiante, transitoria. La morfología o teoría de las formas es teoría de las mutaciones. La doctrina de la metamorfosis es la clave que nos permite descifrar todos los signos de la naturaleza”. Esta cita de Johan W. Goethe cobra especial relevancia cuando se intenta una relectura del concepto ampliado del arte desarrollado por Joseph Beuys (Alemania, 1921–1986).

La idea esencial de la estética beuysiana, se centra en un concepto in extenso de creación que apela a la reforma del ser sociocultural más allá que del ser artístico. En primera instancia, este acercamiento puede leerse como una sobreestimación del potencial creativo del ser humano cuando enfatiza: ‘todo ser humano es un artista’. Esta proposición esbozada desde el campo artístico tenía como objetivo, según Beuys, rebasar la división social del trabajo, que confinaba a los individuos a la especialización o el desenvolvimiento en campos de saber unidireccionales. ¿Podríamos entonces pensar en la superación de la raíz normativa de la sociedad burguesa, engendradora por extensión de la modernidad como período sociocultural, y del proceso de autonomía del arte?

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La canción del verdugo - Patricio Lenard

Originalmente en :: radar libros ::

”Quien con monstruos lucha cuide de no convertirse a su vez en monstruo. Cuando miras largo tiempo un abismo, también éste mira dentro de ti.” Nietzsche

En Treblinka había un reloj que daba la hora dos veces al día. Con sus números y agujas pintados, el reloj marcaba las tres. Siempre. Fue en la navidad de 1942 que Franz Stangl, comandante de ese campo de exterminio nazi, ordenó la construcción de una falsa estación de tren en la que aparecían indicadas conexiones ferroviarias “A Varsovia”, “A Bialystock”, “A Wolwonice”, con horarios y flechas. A menos de un kilómetro de distancia, las cámaras de gas mataban por turnos a los miles de judíos que horas antes habían pasado por ese mismo andén, bajo los insultos y la premura de los SS, sin advertir que la burlesca impuntualidad del reloj marcaba, en realidad, la puntualidad de la muerte.

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2 de Febrero

Catorce preguntas a Roberto Bolaño - Daniel Swinburn

Originalmente en letras.s5

[Entrevista publicada en El Mercurio, 2 de Marzo de 2003]

- ¿Cómo definiría usted desde un punto de vista literario al conjunto selecto que agrupa a los narradores JuanVilloro, Rodrigo Rey Rosa, Enrique Vila-Matas, Horacio Castellanos, César Aira, Javier Cercas y Roberto Bolaño? ¿Agregaría o excluiría usted a alguien en esa lista? ¿Qué los une?
... "En primer lugar yo no diría que se trata de un grupo selecto. Si se incluye a dos españoles, habría que añadir a Javier Marías, que de lejos es el mejor prosista español actual, y a Belén Gopegui y Luis Magrinyá y Jesús Ferrero, entre otros. Así que voy a limitarme a los latinoamericanos. ¿Por qué no creo que sea un grupo muy selecto? Básicamente por comparación con el grupo o la generación o la oleada anterior. En Latinoamérica, en líneas generales, sólo ha habido dos generaciones de narradores. La primera, la grande, empieza, digamos, con Macedonio Fernández, y termina con Reinaldo Arenas y Manuel Puig. La segunda, en donde estarían ubicados los autores que usted menciona, empieza con Piglia o tal vez con Fernando Vallejo y no se sabe quiénes la cerrarán. Esto es curioso, pues Macedonio fue un escritor instalado en las paradojas, pero en una especie de paradoja suave, una paradoja que expresaba en cierto modo confianza. Y Piglia y Fernando Vallejo más bien están instalados en la desesperación y en el laberinto. Esto es más notorio en Fernando Vallejo; sin embargo si uno lee a Piglia con cuidado, bueno, el resultado es tremendo. Lo que en Macedonio era fijación del instante y observación obsesiva, en Piglia es pura entropía. Otro de los padres fundadores, por llamarle de algún modo, aunque a él, sin duda, el término 'padre' le hubiera molestado mucho, es Oswaldo Lamborghini. Pero, bueno, Lamborghini, por decirlo de forma suave, muy suave incluso, es el exceso. Lamborghini es casi ilegible, no porque no se entienda lo que escribe, más bien al contrario, porque es la desnudez. No la desnudez de Blake, por ejemplo, que tiende hacia la inocencia y el placer, sino la desnudez del mal. Y añadiría a los nombres que ha mencionado los de Rodrigo Fresán y Alan Pauls, y también a Carmen Boullosa y Daniel Sada. Este último, sin duda, está escribiendo una de las obras más ambiciosas de nuestro español, parangonable únicamente con la obra de Lezama, aunque el barroco de Lezama, como sabemos, tiene la escenografía del trópico, que se presta bastante bien a un ejercicio barroco, y el barroco de Sada sucede en el desierto".
... "¿Qué nos une? Bueno, todos escribimos, con mayor o menor acierto. Más bien la pregunta es ¿qué nos debería unir? Y la respuesta es muy sencilla. Obras maestras. Pero, claro, es muy fácil decir Obra maestra. Escribirlas es lo difícil".

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Lo que me costó - John Banville

Originalmente en :: radar libros ::

Podríamos empezar por el título. La sobrecubierta la presenta como The Original of Laura: A novel in fragments, mientras el título en la página de apertura varía hacia The Original of Laura (Dying Is Fun). Sin embargo, el propio autor, sobre la primera de las 138 tarjetas de archivo en las que la novela –llamémosla novela, por ahora– está escrita, llama al libro meramente The Original of Laura.

El subtítulo "A novel in fragments" es fácilmente aceptable como la adenda de un editor, toda vez que el libro se publica en forma póstuma, pero ¿de dónde vino Dying is Fun (Morir es divertido)? El biógrafo de Nabokov Brian Boyd nos dice que The Original of Laura: Dying Is Fun fue “un primer título tentativo” que Nabokov apuntó en su diario en diciembre de 1974, tres años antes de su muerte. Dying Is fun tiene un tono apropiadamente nabokoviano pero ¿decidió el autor, o su hijo, que debería ser parte del título final? El libro llega a nosotros desde una región nebulosa, y cualquier visión clara a través de la niebla resultará bienvenida.

Que Nabokov había dejado una novela incompleta se sabía desde su muerte en un hospital suizo en 1977; se sabía, también, que le dio instrucciones a su esposa, Vera Nabokov: que si moría antes de terminar el libro, el borrador debía ser destruido. Su directiva fue desoída, como suelen serlo ese tipo de directivas –uno piensa en Virgilio y la Eneida y por supuesto, en Kafka y Max Brod.

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31 de Enero

Domingo festín caníbal - José Luis Brea

“El arte, o el domingo de la vida”
Hans-Georg Gadamer

“La verdadera crítica se acerca a su objeto con la misma ternura con que un caníbal se guisaría un recién nacido”
Walter Benjamin

Claro que la sugerencia gadameriana ya se nos queda corta: no basta ese poner en suspenso el ritmo del mundo ordinario -de su exhaustiva dominación por el peso de lo económico-productivo- si se trata de una mera parada protocolar, de la interrupción que introduce el juego, la fiesta o la ceremonia -que definen un espacio de excepcionalidad cuya función litúrgica última -es lo malo de los dominicales- es al final legitimar precisamente el orden puesto en suspenso, el de lo ordinario -como acaso la función de lo antihegemónico y la otredad que pretende representar empieza a ser cada vez más únicamente secretear -y afianzar con ello- su dominación, la del orden.

Más nos pone pensar esa excepcionalidad cuando acaricia extremos más peligrosos o antropológicamente limítrofes: aquellas zonas bataillo-blanchotianas del exceso, la dépense y la sobreabundancia, lo en plus, todo eso que prefigura el territorio del margen -la parte maldita, acaso algo que hace que uno pueda levantarse en domingo y no sentirse en templo de bendición maldita -iglesia, periodismo o museo- sino arrojado al perfil de alguna, todavía, tierra de frontera aplazada, horizonte en fuga.

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En busca de una democracia integral - Pablo Ambrogi

Originalmente en adn*cultura

Mario Bunge (Buenos Aires, 1919), quien se ha destacado como pocos connacionales en la filosofía de corte analítico, está muy lejos, sin embargo, del estereotipo del académico anglosajón contemporáneo, medio en el que ha desarrollado su carrera desde que en los años sesenta abandonó el país. La amplitud de temas que aborda en su obra contrasta con la estricta especialización de la mayoría de sus colegas, que no suelen apartarse de su área de expertise , y mucho menos buscan influir en el discurso social a través de los medios. Bunge, además, no se limita a escribir papers sobre temas puntuales en revistas especializadas, sino que es afecto a los textos de largo aliento: su obra magna es un Tratado de Filosofía en ocho volúmenes, que recorre todo el espectro de la disciplina desde la ontología básica hasta la ética. El estilo filosófico de Bunge es, en este sentido, más decimonónico que contemporáneo: su confianza en la ciencia, su voracidad intelectual y hasta su posición política recuerdan al inglés Bertrand Russell.

Ambas características, la amplitud de intereses y el formato de tratado exhaustivo, son evidentes en Filosofía política , volumen en el que Bunge busca exponer y fundamentar su visión política. La variedad temática es extremadamente amplia. La metafísica, la modelización formal de las redes sociales, la relación entre ciencia y religión, la defensa del medio ambiente, la administración Bush, el movimiento antiglobalización, la guerra justa, el capitalismo, la tecnología, las relaciones internacionales, la democracia: todos estos temas y muchos otros son tratados por Bunge con su característica voz autoral, siempre segura en sus argumentaciones y fija en sus amores y sus odios.

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Los bohemios de Pelleport - Robert Darnton

Originalmente en ABCD

Mientras el marqués de Sade redactaba Los 120 días de Sodoma en la Bastilla, otro marqués no menos libertino escribía en una celda próxima una novela igualmente escandalosa, un relato también rebosante de sexo e improperios, aunque mucho más revelador con respecto a la situación de los escritores y la escritura misma. Pero ese vecino de Sade, el marqués de Pelleport, es hoy un perfecto desconocido, y su novela, Los bohemios, se ha diluido en la memoria: sólo media docena de copias sobreviven en bibliotecas de varios países. Con esta edición sale, pues, a luz una obra fundamental del libertinismo dieciochesco olvidada desde 1790 y se abre una ventana al mundo de los poetas miserables, los aventureros literarios, los filosofastros y los plumíferos de Grub Street. Estamos ante un relato que muestra a los primeros bohemios más de un siglo antes de La bohème. [...]

Naturalmente, «Grub Street» (la expresión y el entorno) se refiere a Londres. La calle misma (que estaba en Cripplegate, un sórdido distrito infestado de delincuentes) había atraído a escritorzuelos de toda laya desde la época isabelina [...]. ¿No había algo comparable en París? Ciertamente sí: París contaba con un censo de plumíferos aún mayor, pero estaban dispersos en buhardillas por toda la ciudad, no concentrados en un único barrio [...].

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30 de Enero

Nuevo desprecio hacia el arte actual en El País

Originalmente en Instituto de Arte Contemporáneo

Una vez más, Vicente Verdú arremete contra el arte actual. Parece mentira que un diario como El País se haga eco de opiniones que no sólo demuestran una profunda ignorancia de lo que los artistas hacen hoy sino que, con saña, atacan a todo un sector cultural. Las palabras no merecen ni comentario. El Instituto de Arte Contemporáneo está elaborando, con ayuda de la Fundación Claves de Arte, un análisis del tratamiento que los medios de comunicación dan al arte actual, basado en una completa estadística. Este artículo figurará en ese estudio como paradigma de actitud negativa, malintencionada y destructiva. A partir de ahora vamos a estar muy pendientes de este tipo de ataques y contestaremos uno por uno, con cartas al director que corresponda. Pedimos vuestra colaboración para detectar las invectivas.

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Lisbeth Salander, el arma secreta de Larsson - Leonardo Tarifeño

Originalmente en adn*cultura

A los 13 años, la primera gran heroína de este milenio llenó un cartón de leche con nafta y prendió fuego el coche de su padre (con su padre adentro). Exámenes psiquiátricos posteriores dictaminaron que se trataba de una joven "antisocial, violenta y trastornada"; años después, pericias policiales demostrarían que, antes de cumplir la mayoría de edad, la niña incendiaria se había prostituido en los barrios bajos de Estocolmo. Cualquiera que la conozca un poco puede decir que es vengativa, anoréxica, independiente, bisexual, inflexible y muy discreta. Cualquiera que la conozca mejor podría decir que tiene nueve tatuajes (entre ellos, uno de un dragón que desciende del omóplato hasta la cintura), cinco piercings (dos, exclusivos para quien la desnude) y una fascinación por los números que parece esconder su profunda desconfianza hacia el género humano. Con estas cicatrices en su historia y su corazón, ha cautivado a más de 15 millones de personas en todo el mundo, impuso una moda global entre las chicas de su generación y sedujo hasta al siempre serio Mario Vargas Llosa, quien la piropeó con un entusiasmo de los que no abundan. "¡Bienvenida a la inmortalidad de la ficción, Lisbeth Salander!", concluyó el novelista peruano en el artículo "Lisbeth Salander debe vivir", y con su elogio dejó claro que la protagonista de la serie Millennium , del sueco Stieg Larsson, ya entró al parnaso de los grandes personajes de la literatura actual. Y no sólo eso: su rabia, rebeldía e individualismo rampante dialogan con la época hasta encarnarla de un modo inestable pero cierto, que explica y justifica el monumental éxito de los cuatro kilos y 2267 páginas de una trilogía policial brillantísima, cuya primera versión cinematográfica, Los hombres que no amaban a las mujeres, de Niels Arden Oplev, se estrena por estos días en Buenos Aires.

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29 de Enero

Preferiría no hacerlo - Luciano Piazza

Originalmente en :: radar libros ::

A través del gotero del que caen los feriados se puede ver al trabajador frotándose las manos, mirando las marcas rojas en el calendario. La alternancia entre jornadas laborales y no laborales es tan desproporcionada, que pocos pueden escapar a la cruda ecuación entre el ocio y el trabajo: once meses y medio de actividad para tomarse medio mes de vacaciones, aproximadamente. Quien la sufra o quien aproveche de esta costumbre, ley o necesidad del mercado, es un convicto de la vieja fórmula capitalista “el tiempo es dinero”. La monetización del tiempo, convertida en frase por Benjamin Franklin, tuvo una repercusión crucial en el ámbito de la pereza. El ocio, la fiaca, la acidia, la holgazanería, tristeza, hastío, spleen y todas sus variantes se transformaron en actividades que atentaban contra la producción, y por lo tanto merecieron la pena máxima del asalariado. La prohibición secular de la fiaca se produjo como una confusa continuidad histórica de la prohibición y penalización de la pereza eclesiástica, también conocida como acidia, el cuarto pecado capital.

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28 de Enero

Jimmie Durham en Murcia - Carlos Jiménez

Originalmente en El arte de husmear

"Para mi, todo deviene alegoría". Esta confesión de Charles Baudelaire citado por Walter Benjamin como un poderoso argumento a favor de su defensa de la alegoría como un recurso retórico imprescindible de la modernidad, se me ha venido a la cabeza ante la instalacion con la que Jimmie Durham ha abierto una nueva edicion de PAC en Murcia. Y mas que ante la instalación misma - realizada en la antigua de las Verónicas - ante las palabras con las que este artista amerindio ha querido presentar su obra. "No intento dar ningún tipo de mensaje" - continúa - porque "lo que me interesa es transmitir un sentido intelectual continuo, no un mensaje particular. Si alguien ve mis obras y me dice que lo ha entendido todo entonces he fallado, porque la función del arte es desorientar".

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Inquietantemente blanco - Javier HONTORIA

Originalmente en El cultural

White on White en la Galería Soledad Lorenzo. Orfila, 5. Madrid.

íñigo Manglano-Ovalle (Madrid, 1961) es uno de los habituales en el circuito artístico español. Esta es su tercera individual en la galería, todavía reverberan los ecos de su instalación en el Matadero y es fácil toparse con sus trabajos en ferias de arte y grandes exposiciones colectivas. Y, sin embargo, creo que pocos le situaríamos en la órbita del mainstream, habida cuenta del carácter singular y excéntrico de su quehacer, a medio camino entre su interés por el periodo moderno a través de algunas de su principales figuras, la investigación de carácter científico amparada en las posibilidades tecnológicas y el drama geopolítico que se cierne sobre las sociedades de las últimas décadas.

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27 de Enero

El poeta de la arquitectura

Originalmente en adn*cultura

Resulta imposible imaginar la arquitectura contemporánea sin las lecciones del gran teórico y maestro (de Mies, de Gropius) que fue el suizo-francés Le Corbusier. Lo que hoy vivimos con la mayor naturalidad, como pueden ser los ventanales inmensos dueños del paisaje circundante, o la rampa como vía de acceso, fueron ideas constructivas nacidas de una mente brillante e inquieta que dibujaba a mano alzada, sus colaboradores dicen que no hacía planos... los dictaba.

Detrás de esas búsquedas centradas en el uso del espacio en la relación con las necesidades del hombre -cuya mejor ejemplo es el Modulor, la proporción aúrea en arquitectura- está la poesía. Con "La mano abierta", dibujada un 23 de agosto, curiosamente Pablo Atchugarry nació también un 23 de agosto, escribió: "La mano abierta para recibir/abierta para que todos vengan y tomen/ las herramientas en la mano/ las caricias de esa mano/ uno prueba la vida amasando con las manos/ la vista reside en el tacto/ a manos llenas he recibido/ a manos llenas doy".

Palabras de poeta.

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Un dúo con vidas múltiples- Gustavo Santiago

Originalmente en adn*cultura

Francois Dosse, Gilles Deleuze y Félix Guattari. Biografía cruzada, FCE, TRAD.: Sandra Garzonio, 692 Páginas.

"Al filósofo no se lo reconoce por sus palabras, sino por su modo de vivir." Esta frase de Séneca es representativa de una relación entre vida y filosofía plenamente vigente en la Antigüedad, pero que se ha ido debilitando con el correr de los siglos. Sócrates, Epicuro o Diógenes eran valorados por su vida filosófica antes que por sus dichos; hoy, en cambio, si se espera algo de un filósofo, es que exponga su pensamiento acerca de múltiples cuestiones, no que exhiba su vida "privada".

El historiador parisiense François Dosse afronta el desafío que implica contar la vida de un filósofo y lo lleva al extremo. No tanto por el hecho de que aborda dos vidas en lugar de una, sino porque se trata nada menos que de la vida de dos especialistas en tornar imperceptibles sus propias huellas -cruzándolas, borrándolas, deformándolas-, como Gilles Deleuze y Félix Guattari.

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