"La verdadera crítica se acerca a la obra con la misma ternura con que un caníbal se guisaría un lactante" (W.B.)

16 de Julio

Origen - José Luis Brea

Banyoles
Más y mejor que ninguna otra, la serie “origen” de Bleda y Rosa realiza en todo su alcance el programa que subyace a su proyecto artístico: uno que lejos de cualquier pretensión paisajística u ornamental, está caracterizado por un impulso de indagación historiográfica que podríamos considerar cercano al espíritu de “materialismo absoluto” de Benjamin. Como para su angelus novus, la aproximación al objeto histórico viene marcada por la voluntad principal de rescatar en él una historia perdida, extraviada. Digamos que el “acto de conocimiento” que es propio del trabajo histórico tiene a la vez para él un cierto carácter “emancipatorio”, liberando en el ahora rastreado aquello que en el “origen” tenía tanta ansia de plenitud que su acontecimiento habría resultado entonces incumplido, acaso por utópico, quizás por intempestivo. Y que entonces se proyectaba hacia el futuro –para venir hasta nuestro ahora-, como anhelo, como fuerza de exigencia –y en ella origen.

Lo importante al respecto es que es en la obra de arte donde resplandece la capacidad de efectuar ese rescate, de lo que no puede verse en lo que se vé: de la presencia del pasado en la captura de un ahora para el que el acontecimiento pretérito es origen –porque su ahora es al cabo, de él despliegue, expresión. Así por ejemplo, la serie de los “Campos de Batalla” muestra localizaciones en las que tuvieron lugar algunos de esos característicos episodios épicos –las grandes batallas del pasado- en cuyo fragor se ha ido trazando la historia de los pueblos, dejando en la imagen que muestra el ahora un rastro imperceptible, que sólo por la fuerza rememoradora de la obra puede rescatarse.

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George Brecht y la contemplación - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en ELPAIS.es

Brecht
La exposición de George Brecht en el Macba es la muestra más importante en Europa de un artista conceptual en el contexto de Fluxus desde 2003, año en que se exhibió, también en el museo barcelonés, la retrospectiva de Robert Filliou. Su valorización es mayor si la relacionamos con la desaparición, el pasado mes de abril, de Allan Kaprow (1927-2006), inventor del happening (artefacto pop, collage de movimientos, materiales y sonidos), con quien Brecht (nacido George MacDiarmid, 1926) y Robert Watts firmaron un manifiesto (1957) que anticipaba la dirección que tomaría la creación plástica en la siguiente década, al trascender la gran influencia que en ese momento tenía la Escuela de Nueva York en pos de un arte avanzado, de prácticas conceptuales radicales y multimedia. El Proyecto en múltiples dimensiones, suscrito en Nueva Jersey, comenzaba así: "En las artes, nos alcanza un sentimiento general de pérdida de las formas cerradas, estrictas y objetivas en favor de otras más íntimas, azarosas y abiertas, que apuntan a formatos accidentales, eternamente cambiantes y sin límites. En el campo de la música, se ha dirigido al uso de lo que en un tiempo se consideraba ruido; en la pintura y la escultura, a materiales que proceden de la industria y el cesto de los papeles: en la danza, hacia movimientos que no son 'gráciles', aunque proceden de la acción humana. Existe una gradual apertura de las posibilidades de la imaginación, y las personas creativas están abarcando en sus trabajos algo que nunca ha sido considerado arte". El manifiesto de Kaprow, Brecht y Watts fue el golpe de gracia al expresionismo abstracto y su idea mi(s)tificadora del "autor", ya que, como escribió Jean-Jacques Lebel a propósito de aquellas nuevas acciones materiales, teatrales y de mecánica de sonidos, "ya no existe el público, ni los artistas, exhibicionistas o espectadores, todos pueden cambiar su comportamiento según su propio deseo".

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¡A toda crítica! - Rocío DE LA VILLA

Originalmente en EL CULTURAL

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La imposibilidad de construir un argumento completo y coherente de la historia del arte del siglo XX explica que incluso museos como la Tate Modern hayan preferido al principio una presentación temática antes que cronológica de su colección. En el caso de esta primera muestra en España de la portuguesa Colección Berardo, iniciada en 1993 pero que ya posee 863 obras de importantísimo rango a partir de la Tete de femme de Picasso de 1909, podía optarse por aislar algunas tendencias concretas, como ya se ha hecho en anteriores exposiciones, por ejemplo en la Fundación Serralves; o plantear algo más arriesgado y ambicioso, que ha sido la elección del joven comisario David Barro, con éxito.

Barro ha partido del convencimiento en la importancia de “implicar al público dentro del propio discurso expositivo, que es una de las principales características de un arte que ha dejado de ser un mero ejercicio contemplativo para convertirse en una suerte de ciencia del comportamiento” para urdir una trama compleja y fragmentada y, sin embargo, transparente en sus argumentos visuales, a lo cual debe atribuirse doble mérito dadas las dificultades de la sala. Pero antes, desde la calle, una gran escultura, Emergence (1992) de Tony Cragg, nos saluda, seguida en el vestíbulo por una videoescultura de Nam June Paik.

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1 de Julio

Delirios del poscapital - Angela Molina

Sobre POSTCAPITAL Política, ciudad, dinero, en Palau de la Virreina. Barcelona. Originalmente en ELPAIS.es

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Escondida en algún rincón del Palau de la Virreina ronda una exposición ideal, abortada en su sueño, más intensa y compleja, sin la ansiedad paralizante del palimpsesto global y la cosmética virtual. En Postcapital hay una anulación del deseo, un miedo a la imaginación; la demostración del cansancio político presente y la desmoralización de la colectividad pospolítica en el futuro, en un mundo colonizado y anulado por el consumo. Esta, por así llamar, exposición, convierte en aseveración categórica el ya célebre reproche de Frederic Jameson (Las semillas del tiempo) a los intelectualizados jinetes del "final de la historia", a saber, que "hoy en día nos resulta más fácil imaginar el total deterioro de la tierra y de la naturaleza que el derrumbe del capitalismo; puede que esto se deba a alguna debilidad de nuestra imaginación".

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14 de Junio

Del minimalismo al sentimiento de culpa - Juan Antonio Ramírez

Originalmente en Babelia

Sierra Mascara
1. La huella del minimalismo ha sido poderosa y persistente. No me refiero sólo a su empleo recurrente de formas geométricas elementales (sobre todo paralelepípedos), muy claro desde el principio de su carrera, sino a otros aspectos más sutiles, como son el gusto por la repetición, y la neutralización emocional de los ingredientes. Esta herencia se nota también en que Santiago Sierra no pretende exhibir ninguna clase de habilidad artesanal en unas piezas que están hechas por otros, siguiendo sus indicaciones. La enfatización de este aspecto nos permite considerarlo como alguien que ha puesto al minimalismo patas arriba, convirtiendo en el asunto principal de sus trabajos lo que era secundario o estaba escondido en artistas como Judd, Naumann, o Sol Le Witt: el trabajo asalariado de los ejecutantes materiales de sus creaciones.

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5 de Julio

Gómez-Baeza dirigirá el Centro de Arte Contemporáneo de Gijón - JAVIER CUARTAS

Originalmente en EL PAIS

La presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo y ex directora de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo Arco, Rosina Gómez-Baeza, dirigirá la Fundación La Laboral-Centro de Arte y Creación Industrial, un ambicioso proyecto de arte contemporáneo que combinará espacios expositivos y áreas de creación, y que el Gobierno del Principado de Asturias promueve, con el apoyo de varias empresas, para su ubicación en el magno complejo arquitectónico de la antigua Universidad Laboral, en Gijón.

Gómez-Baeza (Gijón, 1941) había aceptado tiempo atrás la invitación del Gobierno de Asturias para optar a la dirección y gerencia de uno de los proyectos culturales más ambiciosos del ejecutivo autonómico, pero ha sido ahora cuando su nombramiento ha sido ratificado de forma oficial por el patronato de la fundación que promueve el proyecto artístico, en el que el Principado tiene la mayoría. La designación de Gómez-Baeza se formalizó, tras un proceso de selección, a propuesta de un tribunal calificador formado por Gerfried Stocker, director de Ars Electronica Center de Linz (Austria); Vicente Todolí Cervera, director de la Tate Modern de Londres; Manuel Borja Villel, director del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba); y por los dirigentes de la fundación.

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3 de Junio

Entrevista con Olafur Eliasson - Javier HONTORIA

Originalmente en EL CULTURAL

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Olafur Eliasson ya había participado en colectivas en España pero nunca había expuesto de forma indivi-dual. Esta de la Fundación Telefónica es muy amplia, con diecisiete series de fotografías (debe haber realizado un total de veinticinco). Eliasson Ingresó en la Real Academia de las Artes de Copenhague a una edad relativamente tardía, veintidós años, pero a los veintiocho ya estaba exponiendo individualmente en neugerriemschneider, su galería en Berlín. Hoy su obra se encuentra en las colecciones de los grandes museos y se ha visto en muchas de las últimas bienales como las de Johanesburgo, São Paulo o Venecia...

–Hábleme de sus inicios como artista. ¿En qué momento decidió utilizar la fotografía y cómo comenzó a fotografiar el paisaje?
–Desde muy pronto me sentí atraído por el paisaje. En un lugar así lo raro es lo contrario. Solía recorrer Islandia en coche, tren, auto-stop, etc. Pero creció mi interés no tanto en el paisaje en sí mismo sino en la idea de recorrerlo para así formar parte de él, siempre desde mi presencia en él, como un fenómeno espacial. Así que empecé a fotografiarlo sistemáticamente. Yo nací en Copenhague, tengo nacionalidad danesa pero mi familia es islandesa y yo me siento islandés. Estudié en Copenhague pero a principios de los noventa me marché a Berlín, donde ahora vivo. Mi familia se quedó en Islandia y yo mantuve y mantengo un contacto permanente con ellos.

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23 de Mayo

La Tate Modern marca los "asideros del tiempo" - LOURDES GOMEZ

Originalmente en ELPAIS.es

Tate
El Museo Tate Modern de Londres abre hoy al público la nueva presentación de su colección permanente, con unas 400 obras exhibidas en cuatro grandes secciones -"asideros del tiempo", en palabras de su director, Vicente Todolí-, en su inmenso edificio en la orilla sur del Támesis. Configurada como una telaraña, con sendos puntos centrales en los movimientos artísticos más singulares del siglo XX y múltiples ramificaciones a partir de diálogos y contraposiciones entre los diferentes artistas, la renovada distribución de los fondos del museo marca el inicio de la segunda etapa en los seis años de trayectoria de la prestigiosa e influyente institución británica de arte moderno y contemporáneo.

Por primera vez desde su inauguración en 2000, la Tate Modern ha renovado el contenido de las 48 salas dedicadas a su colección permanente, que se extienden por cuatro alas y dos plantas de la vieja central eléctrica de Bankside, reconvertida en museo por los arquitectos suizos Jacques Herzog y Pierre de Meuron. Es un ejercicio de reordenación del fondo artístico liderado por el director de la sede, el valenciano Vicente Todolí; su responsable de exposiciones, Frances Morris, y el director general de los cuatro museos Tate, Nicholas Serota, además del apoyo y asesoramiento de comisarios y expertos locales e internacionales.

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16 de Julio

En el país de Alicia - Javier Montes

Originalmente en abc.es

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No mucha gente sabe que el Atomium es un trabajo de Marcel Broodthaers. Por lo menos, una pequeña parte, y de la forma más literal posible. En 1957 el artista, como buen belga, se alistó voluntario en las obras de construcción del edificio-emblema de la Exposición Universal de Bruselas de 1958. «Habría que haber llamado Moleculium al Atomium -escribió luego al contar su experimento-, porque representa, monstruosamente agrandada, la imagen de una estructura molecular. Creo que la intención de sus promotores fue la de construir un símbolo. Es el reflejo de un gusto de nuestra época. Este objeto inmenso habla más a nuestra imaginación que nuestra razón. Forma parte de nuestra imaginería moderna, genialmente intuida por Julio Verne. El romanticismo del XIX contenía ya ese elemento fantástico que hoy se confunde con la realidad científica. ¡Qué singular asociación de palabras: ciencia-ficción! Sobre este maravilloso juego de malabarismo uno cree estar a bordo de un barco o de un globo».

Casi medio siglo después, Alicia Framis recordaba una impresión idéntica después de pasar una noche a solas en la esfera del Atomium que debía remodelar antes de la reinauguración del «edificio» -usemos la palabra a falta de otra mejor- a bombo y platillo en febrero de este año: «Lo que no me esperaba es que el Atomium se mueve igual que un barco, una sensación realmente extraña, estar tan alto, en el aire, y sentirte como en un barco». Por caminos distintos, Broodthaers y Framis han acabado percibiendo de forma similar el carácter desaforadamente romántico -digno de un Piranesi del siglo XXI- del Atomium y su potencia como símbolo de la modernidad. O como broma irónicamente desmesurada a su costa. Por algo Alicia Framis pensó también en las películas de Jacques Tati al pasear por su interior. Al fin y al cabo, tal vez sea el Monsieur Hulot de Mi tío el último de los románticos a la antigua usanza, perplejo ante la parafernalia de la era atómica.

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Matta-Clark construcción y fractura - José MARIN MEDINA

Originalmente en EL CULTURAL

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Para decir algo que sea auténticamente nuevo, es preciso inventar nuevas palabras, denominaciones inéditas, un nuevo lenguaje. En la pasión de esa doble urgencia innovadora se produjo la sección fundamental de la escultura de la década de 1970. Fueron años marcados, de una parte, por el concepto de reducción estructural, por los sistemas modulares, por los problemas de escala, por los efectos de presencia, por la relación del arte con el mundo tecnológico y la máquina, por la creación de ambientes, por la aspiración al espacio total, por las connotaciones desfuncionalizadas y por el ejercicio de la crítica social derivados del arte minimalista así como, de otra parte, por las formas y acciones inéditas surgidas del arte de comportamiento (body art), e igualmente por el empleo analítico y –a veces– tautológico del lenguaje (desde el principio de “el arte como idea”), promovido por el conceptualismo. Una de las figuras que vivió más intensamente y que representa mejor la complejidad de aquel tiempo y el particular ambiente deslizante ocasionado por los frecuentes cruces de caminos estéticos, los cuales configuraban una época carente de “un” estilo global propio, fue Gordon Matta-Clark, nacido en 1943 en Nueva York, donde moriría de cáncer en plena juventud en 1978. De aquella vivencia personal –experimentada a tumba abierta, entre Nueva York y París– y de aquella atmósfera tan compleja y especial da fe esta exposición verdaderamente importante que el Reina Sofía dedica a la memoria y a la vigencia de este escultor y arquitecto neoyorkino, hijo del también arquitecto y pintor surrealista chileno Roberto Matta.

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9 de Julio

¡Anímate un poco! - Anna María Guasch

Originalmente en abc.es

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Ya en la última Bienal de Venecia, en la muestra La experiencia del arte comisariada por María de Corral, una de las piezas que gozó de unánime aceptación por parte del público fue la vídeo-proyección un tanto inclasificable del artista sudafricano William Kentridge Journey to the Moon, la misma pieza que ahora abre la exposición Historias animadas, y que hasta cierto modo sirve para «bautizar» esta nueva modalidad de cine a caballo entre el arte, la cultura popular y el documento: la del cine animado incluyendo las más recientes tecnologías digitales, desde la imagen de síntesis en 3-D, a las técnicas híbridas que incluyen el compositing o el dibujo animado digital. Y si bien Kentridge puede considerarse un pionero -con una obra que es además todo un homenaje al creador de este género, el cineasta Georges Méliès, que en 1902, en El viaje a la Luna, usó por primera vez trucos para hacer aparecer y desaparecer objetos-, la muestra presenta otros muchos y bien seleccionados ejemplos de este intento de incorporar ilusionismo, fantasía y escenografía teatral a las estrategias documentales: Benoit Broisat, Kota Ezawa, Ruth Gómez, Sheila M. Sofian, Lev Yilmaz y, en especial, Carlos Amorales (con su obra Espejo oscuro, una vídeo-proyección de dos canales, claro homenaje a la primera época del cine de animación que -recordémoslo- fue anterior a la primera película de cine de los Lumière) son algunos de los artistas escogidos por los comisarios para explorar la cualidad narrativa del cine que no retrata la realidad, sino que más bien la recrea y la inventa.

Nada es lo que parece.
En esta particular batalla contra las formas de representación unidas al parecido, la «analogía» y las estrategias documentales basadas en la idea de transparencia, credibilidad y certeza sobresalen, por ejemplo, obras como las de Benoit Broisat (Plaza Franz Listz, París, 2006) o Shelley Eshkar y Paul Kaiser (Pedestrian, 2002), en las que la cotidianeidad de espacios públicos recorridos por transeúntes aparece constantemente transgredida por elementos de una inquietante extrañeza que rayan lo irreal y, más directamente, lo uncanny.

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Adrian Tyler, aforismo de fantasmas - Abel H. POZUELO

ORIGINALMENTE EN EL CULTURAL

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El hogar es una reliquia de nuestro pasado como sociedad. Un aforismo escrito por fantasmas que aún recuerdan algunos. En torno al fuego del hogar, el espíritu de las cosas en transformación y del tiempo, se movía gran parte de la existencia humana. El hogar era cruce animista, social, familiar y terrenal. Quizá por ello, pocas cosas son más dulcemente aterradoras que la visión de un antiguo hogar abandonado. Cualquiera que haya pisado la ruina de una casa vieja y desertada es capaz de percibir sin demasiado esfuerzo romántico ni testimonios costumbristas el calor de sus paredes negras, la grasa y el agua derramándose, olor de madera quemada durante siglos. Algo se conmueve, algo se espanta en su frío y su polvo. Algo se reconoce y sirve de espejo.

En esta serie de imágenes de Adrian Tyler (1963), el hogar es el afortunado leitmotiv que nos lleva a profundizar más allá del simple recorrido con la vista. El fotógrafo británico, aunque afincado en Madrid, muestra en esta serie el resultado de un viaje a las islas Hébridas, al norte de Escocia. Un viaje múltiple.

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1 de Julio

Testigos: nuevos aires sobre arte-naturaleza - José MARIN MEDINA

Originalmente en EL CULTURAL

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Abierta en 2001 en una dehesa de Vejer de la Frontera, Cádiz, la Fundación Montenmedio Arte Contemporáneo (NMAC) desarrolla actividades sobre escultura, intervenciones arquitectónicas e instalaciones al aire libre, con proyectos específicos y realizados in situ. Invita a artistas internacionales, tanto emergentes como reconocidos (como Sol Lewitt, Marina Abramovic, Olaffur Eliasson, Richard Nonas, Huang Young Ping, Santiago Sierra, Pilar Albarracín, Ester Partegàs, Alicia Framis y Fernando Sánchez Castillo), artistas que residen un tiempo en el parque y con cuyas realizaciones se celebran exposiciones bienales. La fundación adquiere parte de las obras para su colección. Además de su programa expositivo, visitas guiadas y talleres didácticos, la NMAC mantiene relaciones con los centros de arte-naturaleza que hoy hay en Europa (unos setenta), y coordina proyectos del programa Cultura 2000 de la Comisión Europea.

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24 de Mayo

Zygmunt Bauman - Nuria AZANCOT

Originalmente en EL CULTURAL

Jubilado emérito por la universidad de Leeds, ciudad inglesa en la que vive desde hace más de treinta años, Zygmunt Bauman contempla su vida con más optimismo que nostalgia. Atrás quedó su Polonia natal, de donde huyó con su familia (judía y paupérrima) del terror nazi de 1939, rumbo a la Unión Soviética. Tras su paso por el ejército polaco en el frente ruso, regresó a Polonia y fue profesor en la Universidad de Varsovia durante años, pero una feroz campaña antisemita le hizo exiliarse de nuevo en 1968. La Universidad de Tel Aviv fue su destino, tampoco definitivo, porque también ha impartido clases en Estados Unidos y Canadá. Tres años más tarde se instaló en Gran Bretaña, donde sigue viviendo, rodeado de libros y recuerdos de una Europa que ya no existe y que sigue resultando, tras un siglo convulso, una “aventura inacabada”. De eso trata el último libro que ha publicado en España, pero él anda ya enredado en el siguiente, Liquid fears, que dentro de poco verá la luz en Gran Bretaña.

Miedos líquidos, miedos modernos
–Empecemos por el final... ¿qué es Liquid fears?
–Es un inventario de los miedos modernos. También un intento de descubrir las fuentes comunes de esos terrores, los obstáculos que se acumulan en el camino de su descubrimiento, y las maneras de desactivarlos o hacerlos inofensivos. Este libro, en otras palabras, no es sino una invitación para reflexionar sobre el comportamiento y para actuar reflexivamente, pero no un libro de recetas ni de fórmulas mágicas. Su único propósito es el de alertarnos para estar preparados ante la tarea que todos nosotros, sin duda alguna, vamos a tener que asumir a lo largo de la mayor parte del presente siglo si queremos que la humanidad pueda sentirse al final del mismo más segura y confiada de lo que se siente en sus comienzos.

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29 de Abril

El cuarto de las herramientas - ENRIQUE LYNCH

Sobre DIARIO FILOSÓFICO 1950-1973, de Hannah Arendt, sHerder. Barcelona 2006. Originalmente en Babelia

Arendt
Alguna vez se plantea cómo se llega a pensar y escribir filosóficamente. Cuando salen a la luz los apuntes de un filósofo parece como si pudiéramos acceder al ámbito privado en que se supone que se alumbran las ideas. Resurge así la infundada esperanza de que esa pregunta hallará una respuesta satisfactoria. Sin embargo, la lectura de apuntes filosóficos es siempre un tanto decepcionante. Por esmerada que sea su edición -como en este caso-, tarde o temprano, se tiene la impresión de revolver entre las pertenencias de un muerto: todo está allí, tal como el (o la) ausente lo ha dejado, pero falta el sentido que unifica esas anotaciones, la pauta que jerarquiza y que al final permitiría comprender las notas en una forma consistente; o bien esa pauta asoma aquí y allá, esporádicamente, pero sólo como un fantasma inapresable y efímero. Derrida expuso esta frustración de forma palmaria demostrando que ninguna hermenéutica, por sofisticada o exhaustiva que sea, logrará revelar el sentido de aquella enigmática anotación póstuma de Nietzsche escrita entre comillas: "He olvidado mi paraguas".

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5 de Abril

Ésta es mi pantalla - ANDRÉS HISPANO

Originalmente en LA VANGUARDIA DIGITAL

Una bolsa de plástico elevada caprichosamente por el viento protagoniza una de las secuencias más emocionantes de los últimos años. Es una grabación casera mostrada en American Beauty, en la que uno de sus protagonistas se sirve de una cámara digital para componer un diario personal, registro de sus deseos y reflexiones, pero también archivo de revelaciones ajenas e imágenes curiosas. Estos cronistas amateur son ya la principal fuente documental de nuestro tiempo, por no hablar de su impacto en otras áreas. ¿Hubiese sido posible Dogma´95 sin America´s Funniest Home Videos? Las nuevas cámaras han revolucionado la manera de mirar y contar.

Con un sencillo giro de mano, podemos hoy situarnos delante y detrás de la cámara. Somos nuestro tema favorito. Y muchas de las imágenes que generamos nutren programas de entretenimiento, documentales e informativos. Los reality shows completan la sensación de que nunca como ahora la pantalla había estado ocupada por tanta gente corriente. La posibilidad de que este alud de testimonios gráficos devenga en una democratización mediática o conocimiento más profundo de la sociedad parece razonable, aunque la mera acumulación de imágenes no implica progreso alguno.

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20 de Marzo

cluster artesonoro.org

http://www.artesonoro.org

Se presenta aquí el proyecto comunitario “cluster artesonoro.org” que aglutina 5 proyectos abiertos y presentes en la red: *mediateletipos.net, *artesonoro.org, *una netradio comunitaria, *google-map hack (un software social) y el *foro abierto del Cluster.

Esta comunicación es una invitación a participar en dicho proyecto cuya contenido se detalla a continuación. Para participar no es necesario suscribirse o registrarse (el caso del foro), aunque con el registro cualquier usuario puede publicar sus propias noticias subiendo sus imágenes o creando reproductores de audio para la escucha comunitaria (para ello se han escrito varios manuales que puede visitar aquí: http://www.artesonoro.org/manuales/

El principal objetivo de esta convocatoria es lograr que cada suscriptor o colaborador sienta como propio el proyecto artesonoro.org de modo que pueda presentarlo en su lugar de trabajo, ciudad o evento. Cualquier persona suscrita al Cluster es coautor del proyecto y su relación es horizontal con los demás miembros. No existe la figura del director (aunque si la de coordinadores y administradores del sistema). Todos los suscriptores del Cluster Sonoro tienen la libertad de presentar este proyecto en el momento y lugar que crean conveniente; es la promoción y difusión del fenómeno sonoro el principal motor del Cluster.

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9 de Julio

La vida y el arte - JOSÉ MARÍA GUELBENZU

Sobre ANDRÉI RUBLIOV, de Andréi Tarkovski. Eds Sígueme. Salamanca, 2006. Originalmente en ELPAIS.es

Tarkovski
Este libro es el guión de esa obra maestra del cine titulada Andréi Rubliov. No es un guión cinematográfico sino un guión literario; está dividido en secuencias (catorce en total frente a las nueve del filme) y en ellas se describe cada escena, pero éstas no están planificadas sino que sólo contienen una descripción literaria de las mismas. El narrador es un observador, mas no es una cámara y, como tal observador, su visión es subjetiva y, además, se manifiesta frecuentemente por medio de la creación de imágenes, imágenes literarias en las que la palabra es el elemento expresivo fundamental mientras que la estructura del relato es, lógicamente, cinematográfica. Esta coincidencia de lo literario y lo cinematográfico hace del texto una experiencia subyugante, pues apelando siempre a la imaginación del lector al tratarse de palabra escrita, le obliga también a estructurar visualmente cada escena.

Se trata, pues, de un sistema de secuencias o capítulos. El hilo que hace progresar dramáticamente el relato es, desde el punto de vista práctico, el desarrollo cronológico de la vida de Rubliov por medio de unas escenas escogidas y representativas; pero el verdadero impulso dramático que une estas escenas impide que sean como una sucesión de estampas estáticas e independientes y lo que les da coherencia y movimiento no es la cronología -un mero artificio mecánico- sino el pensamiento de Tarkovski, la idea que guía de manera abrasadora todo el relato. Por lo general, un autor ha de montar una carpintería compleja para sostener su narración; a Tarkovski le basta la sola potencia de la intención que le guía. Aparte de eso, decir que no estamos ante un guión cinematográfico sino ante una narración autónoma, eminentemente literaria, que el lector podrá confrontar con la película para su mayor enriquecimiento. No es frecuente que un autor cuente una misma historia en dos lenguajes tan distintos y a cual mejor.

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14 de Junio

El despertar de Asia - Hilario J. Rodríguez

Originalmente en abc.es

Buena parte de las películas asiáticas más recientes tienen protagonistas jóvenes. De algún modo, es como si Asia estuviese despertando de un largo sueño, con energía renovada. Allí donde la Historia se suprimió o se tamizó durante años, ya fuese en China, Tailandia, Corea o Taiwán, se ha comenzado a partir de cero.
Algo así explica el rápido desarrollo económico y el increíble impacto de esas cinematografías en el resto del mundo, donde están dejando una huella indeleble. Lejos de ajustar cuentas con sus demonios colonialistas o de llorar por el tiempo perdido, muchos países asiáticos han querido detenerse en el pasado sólo lo suficiente para lanzarse enseguida en busca de su futuro. Quizás por eso el cine que se hace ahora mismo resulta más fiel al presente que el cine hecho en cualquier otra parte.

Cambios.
La obra del realizador chino Jia Zhang-ke se centra en los cambios que han tenido lugar en China en los últimos años, a partir del colapso del comunismo, momento en el que comenzó la irreversible expansión capitalista. En sus películas se observa esa transformación desde la perspectiva de los jóvenes, cuya deriva moral y emocional se debe a la pérdida de las señas de identidad de sus antepasados, que no han podido reemplazar por otra cosa que no sea un simulacro cultural presidido por bares con neones, móviles, ropa de marca o restaurantes de la cadena MacDonalds.

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24 de Mayo

Gramofilia - ARNAU HORTA

Sobre Christian Marclay Editorial Phaidon. Originalmente en LA VANGUARDIA DIGITAL

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Máximo representante del movimiento turnabilista, Christian Marclay se dedica a explorar las distintas formas de expresión que permite el vinilo. A diferencia de un disc-jockey tradicional, Marclay manipula maltrata los discos. De este modo, pretende romper con la ilusión que encierra en si misma la música grabada: "En mis conciertos, destruyo, rayo y atento contra la fragilidad del disco para liberar la música de su cautividad (…) Cuando un disco salta o se encalla siempre procuramos hacer de ello una abstracción, de modo que el flujo musical no se interrumpa. Mi intención es que la gente advierta estas imperfecciones y las acepte como música. La grabación es una ilusión, las rayaduras, en cambio, son reales". Esta metodología basada en la agresión al soporte tiene su ejemplo más claro y definitivo en la obra de 1985 Record Without a Cover, un disco de edición limitada que Marclay comercializó sin cubierta. Desprotegido y expuesto al desgaste del tiempo, el disco se transforma progresivamente y se convierte en una obra en permanente cambio, siempre inacabada. Como hizo John Cage con su famosa pieza silenciosa 4´33´´, Marclay cuestiona aquí los límites de lo musical. Si Cage se fijaba principalmente en los códigos institucionales (la sala de conciertos, la partitura, la autoría,…), Record Without a Cover propone una reflexión, también subversiva, sobre el estatus de la música en la era de la reproducibilidad y la cultura de masas. El disco es para Marclay un ready-made de consumo, fruto de un determinado contexto político-social con el que dialoga a través del juego conceptual. De este modo, y a través de su ontología comunicativa, la grabación en vinilo se convierte simultáneamente en materia prima, catalizador de sentido, objeto simbólico y vehículo metafórico.

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4 de Mayo

El esnop retratado - KIKO AMAT

Originalmente en Cultura|s

1. "No lo soy", les dirá. Da igual que chillen. El esnob del pop (o esnop) nunca admite padecer su peculiar patología. Y sin embargo, mediante un curioso efecto de refracción dialectal, cuánto más trata el paciente de negar su snobismo pop, más lo parece. Es un caso parecido a negar que has bebido y que cada palabra despida una nueva molécula de aliento etílico. Más hablas, menos convences. Es la cinta de Moebius en discusión, la Trampa 22 de los esnops; sólo pueden ganar perdiendo. Imagino que la única forma útil de refutar la acusación es hacer el abecedario eructando, o bizquear mientras se rascan el culo.

2. Pero, ¿qué es un esnop?, se preguntarán. ¿Se mueven en jaurías? ¿Cómo se aparean? (a esto puedo contestarles yo mismo: generalmente no se aparean en absoluto). Verán, el esnop sufre de lo que Jonathan Lethem llama "esa fiebre empollona por la autenticidad". En su hábitat natural, y si discuten con él de pop-ología, podrán observar cómo éste practica el salto de pértiga sobre los gustos de sus interlocutores, el superar por superar porque puede. Lo que Richard Barnes describe en su libro Mods! como topping up; literalmente, recargar, suplementar. Echar en la taza de conocimiento del contrincante unos centímetros más, más antiguo, más raro, más ruidoso, más esotérico. Y más irritante, me atrevería a añadir.

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Enviado por salonKritik el 4 de Mayo | Comentarios (0)