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28 de Agosto

Feos, sucios y malos - Alfredo García

Originalmente en página 12

inglourious.jpg Con los Bastardos sin gloria, Quentin Tarantino da un giro brusco al volante que conducía Kurt Russell en la reciente A prueba de muerte y coloca al espectador en medio de la Francia ocupada por los nazis hacia 1941. Salvo películas de revisionismo histórico post-La lista de Schindler y Rescatando al soldado Ryan, la guerra como gran espectáculo de entretenimiento épico ya no es algo usual en Hollywood; pero, obvio, Tarantino no es Hollywood. ¿O sí?

Sí y no, y eso es algo que se puede observar repasando las numerosas y heterogéneas fuentes de homenaje e inspiración con las que, a través de estos Bastardos sin gloria, Quentin Tarantino recorre el cine bélico.

La referencia más evidente del último opus del director está en su título. Aunque en los papeles el guión sobre un comando de soldados judíos que matan nazis por docenas y quieren liquidar a Hitler, Goebbles, Goering y Borrman durante el estreno de un clásico de propaganda nazi en un cine parisino no tiene mucho que ver con la original, su película se llama igual que una italianada bélica dirigida por Enzo G. Castellari en 1978, Quel maledetto treno blindato, conocida en los Estados Unidos como The Inglorious Bastards (en la Argentina tuvo bastante éxito en las salas de cruce de la calle Lavalle y los cines de barrio y zonas suburbanas bajo la exacta traducción Aquel maldito tren blindado, luego un éxito en VHS de la mano de uno de los sellos especializados en western spaghetti).

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27 de Agosto

El Anti Cristo De Lars Von Trier - Carlos Jiménez

Originalmente en [esferapública]

antiseven.jpgEl Anti Cristo de Nietzche era claramente anticristiano: venia a denunciar como mero debilitamiento de las energías y los impulsos vitales al amor al prójimo, la piedad, el ofrecer la otra mejilla y el sacrificio de la propia vida en aras de la fe. O sea al cristianismo. ¿Pero es de esa misma clase el anticristianismo expuesto por Lars von Trier en ´ El Anti Cristo ´ su mas reciente pelicula? ¿ O está más cerca del anticristianismo del Marques de Sade que, en contra de la creeencia franciscana en la bondad de la naturaleza, sostenía que ella es la encarnacion del Mal porque tiende espontáneamente a realizar los actos que los humanos solo por debilidad o hipocresía calificamos de crímen o de crueldad cuando nosotros mismos los realizamos? Pienso que la película del célebre director de cine danés parece estar mas cerca de Sade que de Nietzche porque en su pelicula es Ella, la protagonista, la que realiza en contra de su marido y de sí misma los actos mas terribles obedeciendo a unos impulsos de destruccion y autodestrucción que Sade calificaría de enteramente naturales y por lo mismo aplaudiria sin ninguna objección. Ella obedece a su propia naturaleza – y no a la razón agenciada por su marido en la terapia a la que la somete – cuando le taladra a él una pierna, le revienta los genitales de un golpe que le hace eyacular sangre, o se corta ella misma el clítoris con unas tijeras.

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15 de Agosto

¿Por Qué Tan Serio? - Jorge Sepúlveda T.

Originalmente en [esferapública]
joker.jpg
     "All your sanity and wits they will all vanish
     I promise, it’s just a matter of time…"
     Start wearing purple, Gogol Bordello

Cuando hablamos del Sujeto terminamos inevitablemente hablando de su relato, mas exactamente de su posición en el relato. Bromeábamos una vez, haciendo una paráfrasis de Nietzsche, que el sujeto ya sólo es necesario porque existe el predicado. Para desentramar esto hoy hablaremos de su consolidación más contundente: el personaje.

El personaje es una articulación de lo que creemos posible en los sujetos, que se va develando en las sucesivas adjetivaciones que están a nuestra disposición en el relato. Muchas de ellas, por cierto, no son enunciadas si no a través de las acciones ejecutadas por él o por los otros personajes a propósito de él. Genera, de esa manera, ciertos puntos de tensión que colaboran a la densidad narrativa desde una complejidad apenas expuesta, pero deducible.

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14 de Agosto

Viviendo con los bárbaros - Antoni Peris i Grao

Originalmente en miradas de cine

desgracia-2.jpgKobayashi, el joven protagonista de Despedidas (Okuribito, Yojiro Takita, 2008) pierde su trabajo como violoncelista y debe recolocarse como amortajador. Tras su sorpresa inicial deberá asumir su nuevo rol y progresivamente superar el rechazo propio y ajeno hasta alcanzar un grado de auténtica artesanía. Al final de la película amigos y familiares reconocerán y admirarán su arte y el podrá recomponer su estructura familiar, de ancestros a hijos. En cierto modo la relación con la muerte permite al protagonista desarrollar habilidades ocultas y equilibrar su vida en torno a ella en una suerte de happy end tan paradójico como forzado y facilón.

David Lurie, el profesor maduro de Disgrace está en un trance similar, aunque la perdida de su trabajo se debe en parte a su adicción al sexo y en parte a su arrogancia. Diríase que a una falsa impostura de romanticismo, asumida hasta las últimas consecuencias. Como el personaje de Despedidas, el profesor acabará trabajando con cadáveres. Sin embargo en esta ocasión se trata de cuerpos perrunos y su actividad se limita a participar en el sacrificio canino para, a continuación, envolver los cuerpos en una bolsa de basura y llevarlos a incinerar, en una furgoneta vieja a una chabola en ruinas. Ningún encanto, ninguna compensación moral o sentimental.
Deshonor

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11 de Agosto

Je veux voir: el Líbano revelado - Paula Arantzazu Ruiz

Originalmente en Contrapicado.net

festival2.jpg Los cineastas Joana Hadjithomas y Khalil Joreige poseen una mirada insistente. En ella se aúna el compromiso casi vital suyo por ver y mostrar aquello que la urgencia del audiovisual contemporáneo deja fuera de campo, junto a la profundidad de un discurso que pese a sus desafíos formales es al mismo tiempo directo y conciso.

En Je veux voir, su última incursión tras la cámara, filman a Catherine Deneuve observando de frente las ruinas del Líbano, el país natal de los directores. Un territorio con un pasado exterminado y con un presente sin ubicación. Es un ejercicio similar al que Roberto Rossellini realizó con Ingrid Bergman en Stromboli (1950), pero aquí, en vez de una Italia ajena al mundo, nos encontramos con una tierra devastada por una guerra reciente (la invasión de Israel en 2007) y apenas recuperada de las batallas fraternales que sufrió a lo largo de 25 años (1975–1990).

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Kitano y la playa - Sergio Vargas

Originalmente en Miradas de cine

Lugares comunes o estados de ánimo

Kitano 6.jpg El cine de Takeshi Kitano está repleto de lugares comunes. Lejos de tener connotaciones negativas, si en ese lugar pasan cosas diferentes dependiendo de quien lo visite y de quien se halle en él, los lugares comunes en sus películas son siempre motivo de celebración. Están los abstractos, como el juego y la violencia, pero que a su vez se diversifican: los protagonistas juegan a cosas muy diferentes (baloncesto, dados, sumo, cartas, escondite inglés, béisbol, etc.) y la violencia es variopinta, desde la más puramente física ya sea más o menos sangrante—Zatoichi (2003), Violent Cop (Sono otoko, kyôbô ni tsuki, 1989)— a la emocional —Dolls (Dōruzu, 2002)—, que casi siempre es más difícil de digerir. Y también hay un lugar común físico y muy concreto que es la playa.

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10 de Agosto

Antichrist von Trier - MARTÍ MANEN

Originalmente en a-desk

antichrist-5.jpgSeguimos con cine. Después de una gran cantidad de críticas enfadadísimas con uno de los directores más especiales de nuestro tiempo, y con cierta distancia frente a las celebraciones en los festivales cinematográficos, no está mal retomar los dardos que von Trier lanza desde su película.

Por que Antichrist hace daño pero no se queda únicamente con esta posibilidad, después del dolor -y antes- llega la reflexión, llega el intentar comprender la construcción dual de una sociedad que es la de von Trier y la nuestra.

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9 de Agosto

Las reflexiones del mudo - Manuel Muñiz Menéndez

Originalmente en ABC.abcd

professeur-1932.jpg Conviene empezar aclarando que, pese a las apariencias, el libro del finlandés Kari Hotakainen no es una biografía de aburrido título, sino una obra de narrativa, con más de conjunto de relatos breves (microrrelatos, en ocasiones) que de novela, a pesar de mantener una cierta continuidad de principio a fin. Y ni siquiera es -ni pretende hacerse pasar por- una biografía novelada del Buster Keaton real, sino de un intento de darle una voz al protagonista de películas como El maquinista de la general, al hombre del traje negro y la cara de palo que logra confundirse con el mundo para así cambiarlo de manera sutil, acentuando los toques surreales.

Hotakainen se mueve bien por ese terreno del humor seco y sutil con toques de absurdo. Sus personajes reflexionan a base de soliloquios pero sin pontificar, más bien aludiendo de modo un tanto oblicuo a los temas que le interesan al autor. El estilo ágil pero nada simple llega a recordar en ocasiones al Julio Cortázar de Historias de cronopios y de famas. O, en cierta manera, al propio Buster Keaton.

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6 de Agosto

¿Post-videoclip? - Marc Prades

Originalmente en venuspluton!

[desde salonkritik queremos dar la bienvenida a esta nueva web dedicada al vídeo musical producido en España y a todos aquellos formatos y géneros audiovisuales en los que la música es protagonista, posteamos aquí un texto que podría leerse como un primer statement de esta iniciativa]

arton50.jpg Una de las mayores deficiencias de la escena musical independiente española, frente a la todopoderosa cultura audiovisual anglosajona, es su alarmante falta de imágenes referenciales de calidad. Los motivos son muchos y atábicos, y muy a menudo los prejuicios y los análisis superficiales solapan la realidad llevándola a una caricatura de difícil salida.

Desde el nacimiento de la cultura joven con el estallido del rock’n’roll para blancos en la postguerra mundial, la música va ligada a la imagen como la nocilla al pan de molde. El rock, el pop, el folk, el soul, el blues, el jazz, son todos inventos anglosajones nacidos de su imbatible sentido del espectáculo. El mejor de los inventos americanos, sin duda. Tan bueno como la patata. Y España, como cualquier otro país agasajado por el modelo americano, ha mamado de sus músicas e imágenes sin rechistar. Y eso no es ningun crimen. Ahora bien, ni el volumen del mercado, ni la sofisticación de su maquinaria, ni la potencia de su comunicación es la misma. Y si no se crean ni se miman mecanismos y espacios de visibilidad, promoción y sentido crítico aquí, estamos perdidos. Es entonces cuando llegan los prejuicios, la mala ostia y el desinterés más profundo. La ignorancia, vaya.

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5 de Agosto

Las poéticas contradictorias del cine* - Jacques Rancière

Originalmente en :: rayando los confines ::

sugimoto.jpg Para introducir la discusión voy a intentar plantear cinco puntos esenciales en mi abordaje del cine. El primer punto sería: el cine es una multiplicidad. Lo que se busca tradicionalmente es una unidad del objeto cine, sea del lado del lenguaje, del lado del arte o del de una realidad ontológica propia. Lo que intento decir en oposición a estos planteos es que el cine no es un arte que actualice la potencia propia de un dispositivo material particular sino más bien una suerte de constelación histórica. El cine es un dispositivo técnico de registro y de proyección y, a la vez, una constelación de cosas reunidas de manera más o menos dispar alrededor de este dispositivo. Es un entretenimiento tomado con sus sombras, una industria, un nombre y una idea del arte y también un conjunto de discursos y utopías. Entonces, por supuesto, siempre se intenta decir que hay propiedades del médium que definen las propiedades de las obras del cine. Según su nombre mismo se hace del cine un arte del movimiento, una escritura de la luz, y también, más ampliamente, un arte que sería específicamente el arte de la máquina o del autómata. Todas estas ideas –el arte del movimiento, de la luz, del autómata– existían antes del cine e independientemente de él. Es cierto que hubo una gran explosión artística y teórica del cine en los años 20. Es en el fondo el momento en el que el dispositivo técnico del cine se encontró tomado por esta idea del arte de la máquina, del autómata, de la técnica, de la luz...

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4 de Agosto

Conversaciones con Jim Jarmusch - Josefa Paredes

Originalmente en Miradas de cine

jjarmusch.jpg Una tarde de invierno salí a fumar a la calle y me encontré con Jim Jarmusch. Lo suyo, lo que hubiera hecho cualquiera en sus cabales, hubiera sido ofrecerle inmediatamente un cigarrillo y después invitarle a un café. Pero yo no lo hice. Ni aquella vez ni ninguna otra durante los dos meses siguientes cada vez que volví a encontrármelo, casi a diario, en la puerta del edificio donde yo tenía mi redacción y él su oficina alquilada mientras rodaba en España The Limits of Control. Seguí bajando a fumar. Saludándole con un gesto (sólo si él estaba solo y yo también) y preguntándome si habría hecho buenas migas con el estanquero de la vuelta de la esquina que, por otra parte, no se parece nada a Harvey Keitel, y si hablaría con él sobre el primer Newport que se fumó en Ohio. Hasta que, un día, desapareció. Desde entonces he intentado evitar, metódicamente, ver fotos del rodaje en Madrid, leer las entrevistas que otros le hicieron después, apretar el play en el tráiler de la película colgado en YouTube y preguntarle nada al estanquero, para no dejar que la parálisis que, de toda la vida, me impide abordar a alguien a quien admiro volviera a avergonzarme.

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1 de Agosto

Lars von Trier: "Más que controversia, genero hostilidad" - Beatrice SARTORI

Originalmente en El Cultural

lars-von-trier-anticristo.jpgCon él llegó el escándalo. El formidable pateo que siguió al primer pase en el Festival Internacional de Cine de Cannes de Anticristo no se recordaba desde hace años. Lars Von Trier (Copenhague, 1956), el genial danés, se llevó como "premio" unos insultos brutales. Lo llegaron a acusar de "tarado" y de que su película era "una provocación barata". "Grotesca y autoindulgente", escribió Variety. Pero al famosísimo creador del movimiento Dogma o filmes como Rompiendo las olas y Dogville las críticas no le minaron en absoluto su autoestima. Siempre adicto a una buena controversia, aún resuenan los ecos de aquella incursión filmada que agitó Cannes en 1998 cuando presentó Los idiotas. Este maestro de la ironía y el sarcasmo recibió a El Cultural para hablar del proceso de una película que, más allá del ruido y la furia de la primera reacción, ha causado un vivo debate allí por donde ha pasado. El filme, una crudísima exposición de los avatares que atraviesa una pareja en crisis que se refugia en el bosque para superar la muerte de su hijo, no se fue de vacío de la Costa Azul ya que su protagonista femenina, Charlotte Gainsbourg, recibió el premio a la Mejor Actriz.

- Hace dos años, declaró que una gran depresión le apartaba de hacer cine. ¿Qué le hizo cambiar de opinión?
- ¡Dios! No fui yo el que lo eligió, sino el dedo de Dios. Yo soy el mejor director del mundo y sin embargo, nadie está seguro de que Dios sea el mejor dios.

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29 de Julio

Tetro + Youth Without Youth - José Francisco Montero

Originalmente en miradas de cine

El regreso de Coppola

tetro_2.jpg Más allá de juicios valorativos acerca de la calidad e importancia de su obra, probablemente es Francis Ford Coppola el cineasta cuya trayectoria mejor representa la de su generación, aquella que fue llamada como Nuevo Hollywood, o la generación de los film-brats, y que sin duda alguna perfiló los rasgos definitorios del cine americano de los años setenta, un grupo de realizadores —bien heterogéneos entre ellos, es cierto— que se propuso a sí mismo, desde finales de los años sesenta, como el principal impulso que llevara al renacimiento del Hollywood clásico —en esa época en serio proceso de descomposición y con los cineastas que lo hicieron posible muertos o en jubilación forzosa— convenientemente actualizado [1], que intentó armonizar las propuestas personales con los imperativos industriales, todo ello en una época particularmente convulsa de la historia americana.

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17 de Julio

Jonas Mekas y la Film-Makers Cooperative - Luis E. Herrero

Originalmente en B L O G S & D O C S »

Mekas600.jpgAllá por 1960 Nueva York asiste a un renacimiento del cine descorsetado, un cine experimentador y sin esquemas que se sustenta en mentes creativas y cámaras baratas. Cantidad de tipos que hacían películas o querían hacerlas y nulas posibilidades de que distribuidora alguna se mojase. Ese mismo año un puñado de ciudadanos de bien entre los que se encuentran Shirley Clarke, Lionel Rogosin, Walter Gutman, Jonas y Adolfas Mekas… deciden asociarse en torno al New American Cinema Group con la idea de ayudarse recíprocamente a producir sus propios films, a cuestionarlos y a distribuirlos. Mientras en Europa florece una nueva generación de cineastas (Free Cinema, Nouvelle Vague…), en torno a la revista Film Culture ha ido creciendo un ambiente cuyo corpus teórico ahonda en las rupturas de fondo y de forma que cultivan las vanguardias artísticas desde el surrealismo. El cine oficial “decadente, superficial y aburrido” ha de ser superado por un nuevo lenguaje colectivo y libre, un cine que “igual que Norteamérica, no ha sido aún descubierto”. Hacen referencia a Ginsberg, a la revolución estilística de Stanley Brakhage. No quieren films bonitos ni pulidos ni cadáveres cinematográficos, no se trata se ser artísticamente buenos o malos, se trata de la aparición de una nueva actitud. Una poesía cinematográfica en la que “los errores, los planos desenfocados, los pasos inseguros, los movimientos vacilantes, se han convertido en una parte del nuevo vocabulario del cine y son parte de la realidad psicológica y visual del hombre moderno”.

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10 de Julio

Mishima: Armonía entre vida y arte - Óscar Brox

Originalmente en miradas de cine

mishima2.jpgEn una entrevista con el cineasta ruso Aleksandr Sokurov, Paul Schrader manifestaba su estrecha vinculación con el realismo psicológico, es decir, con la exploración de un determinado carácter a través del cine. Basta con echar un vistazo rápido al catálogo de personajes que presenta su obra para observar de qué manera Schrader cumple escrupulosamente con la tradición. Del Travis Bickle de Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976) a la Irena de El beso de la pantera (Cat People, 1982). Individuos sujetos a la vigilancia de la norma —así como al temor de la subversión, de que caiga la máscara— de una sociedad fiscalizadora que les prohíbe expresarse libremente, por lo que vagan por sus márgenes. Personajes a la búsqueda de una definición, que pueda explicar las alteraciones que sufren la carne y la mente cuando entran en contacto con una realidad más vasta, a la que no están acostumbradas. Como el propio Schrader, que hace de su origen calvinista el punto de inflexión para trascender un mundo para el que ya no hay cabida, para el que las palabras han perdido su significado. En otras palabras, un aprendizaje emocional que vuelca sus esfuerzos en comprender los contradictorios sentimientos del hombre.

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