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Julio 05, 2006

Gómez-Baeza dirigirá el Centro de Arte Contemporáneo de Gijón - JAVIER CUARTAS

Originalmente en EL PAIS

La presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo y ex directora de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo Arco, Rosina Gómez-Baeza, dirigirá la Fundación La Laboral-Centro de Arte y Creación Industrial, un ambicioso proyecto de arte contemporáneo que combinará espacios expositivos y áreas de creación, y que el Gobierno del Principado de Asturias promueve, con el apoyo de varias empresas, para su ubicación en el magno complejo arquitectónico de la antigua Universidad Laboral, en Gijón.

Gómez-Baeza (Gijón, 1941) había aceptado tiempo atrás la invitación del Gobierno de Asturias para optar a la dirección y gerencia de uno de los proyectos culturales más ambiciosos del ejecutivo autonómico, pero ha sido ahora cuando su nombramiento ha sido ratificado de forma oficial por el patronato de la fundación que promueve el proyecto artístico, en el que el Principado tiene la mayoría. La designación de Gómez-Baeza se formalizó, tras un proceso de selección, a propuesta de un tribunal calificador formado por Gerfried Stocker, director de Ars Electronica Center de Linz (Austria); Vicente Todolí Cervera, director de la Tate Modern de Londres; Manuel Borja Villel, director del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba); y por los dirigentes de la fundación.

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Junio 03, 2006

Entrevista con Olafur Eliasson - Javier HONTORIA

Originalmente en EL CULTURAL

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Olafur Eliasson ya había participado en colectivas en España pero nunca había expuesto de forma indivi-dual. Esta de la Fundación Telefónica es muy amplia, con diecisiete series de fotografías (debe haber realizado un total de veinticinco). Eliasson Ingresó en la Real Academia de las Artes de Copenhague a una edad relativamente tardía, veintidós años, pero a los veintiocho ya estaba exponiendo individualmente en neugerriemschneider, su galería en Berlín. Hoy su obra se encuentra en las colecciones de los grandes museos y se ha visto en muchas de las últimas bienales como las de Johanesburgo, São Paulo o Venecia...

–Hábleme de sus inicios como artista. ¿En qué momento decidió utilizar la fotografía y cómo comenzó a fotografiar el paisaje?
–Desde muy pronto me sentí atraído por el paisaje. En un lugar así lo raro es lo contrario. Solía recorrer Islandia en coche, tren, auto-stop, etc. Pero creció mi interés no tanto en el paisaje en sí mismo sino en la idea de recorrerlo para así formar parte de él, siempre desde mi presencia en él, como un fenómeno espacial. Así que empecé a fotografiarlo sistemáticamente. Yo nací en Copenhague, tengo nacionalidad danesa pero mi familia es islandesa y yo me siento islandés. Estudié en Copenhague pero a principios de los noventa me marché a Berlín, donde ahora vivo. Mi familia se quedó en Islandia y yo mantuve y mantengo un contacto permanente con ellos.

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Mayo 23, 2006

La Tate Modern marca los "asideros del tiempo" - LOURDES GOMEZ

Originalmente en ELPAIS.es

Tate
El Museo Tate Modern de Londres abre hoy al público la nueva presentación de su colección permanente, con unas 400 obras exhibidas en cuatro grandes secciones -"asideros del tiempo", en palabras de su director, Vicente Todolí-, en su inmenso edificio en la orilla sur del Támesis. Configurada como una telaraña, con sendos puntos centrales en los movimientos artísticos más singulares del siglo XX y múltiples ramificaciones a partir de diálogos y contraposiciones entre los diferentes artistas, la renovada distribución de los fondos del museo marca el inicio de la segunda etapa en los seis años de trayectoria de la prestigiosa e influyente institución británica de arte moderno y contemporáneo.

Por primera vez desde su inauguración en 2000, la Tate Modern ha renovado el contenido de las 48 salas dedicadas a su colección permanente, que se extienden por cuatro alas y dos plantas de la vieja central eléctrica de Bankside, reconvertida en museo por los arquitectos suizos Jacques Herzog y Pierre de Meuron. Es un ejercicio de reordenación del fondo artístico liderado por el director de la sede, el valenciano Vicente Todolí; su responsable de exposiciones, Frances Morris, y el director general de los cuatro museos Tate, Nicholas Serota, además del apoyo y asesoramiento de comisarios y expertos locales e internacionales.

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Mayo 14, 2006

100 espacios sólo para ver vídeos - Paula ACHIAGA

Originalmente en EL CULTURAL

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The place for video art lovers (o el lugar para los amantes del videoarte) es el lema o anuncio de Loop para intentar llevar a Barcelona a todos los que, efectivamente, se sientan atraídos por la imagen en movimiento, por el lenguaje de los artistas de hoy. En la feria, unas 50 piezas de entre 2 y 132 minutos de duración se podrán ver en el Hotel Pulitzer a partir del 19 de mayo. Pero, en realidad, Loop ya ha empezado. Las actividades de OffLoop, el festival que arropa, con el apoyo de instituciones y centros públicos y privados, a la feria, ya han comenzado y continuarán hasta el 21 de mayo. En el certamen participan desde CaixaForum hasta la Fundación Tàpies o la Miró, pasando por el MACBA, el CCCB, el Centro Santa Mónica, el Palau de la Virreina o Caja Madrid, por citar sólo algunos ejemplos de los más de 100 espacios (incluidos lugares de ocio, tiendas y restaurantes) que realizarán otras tantas proyecciones, muestras y acciones por la ciudad incorporándose al “movimiento vídeo”, que hoy impregna la vida artística en Barcelona.

Plataforma alternativa
Pero esto es sólo un aperitivo para introducir el plato fuerte: Loop Fair’06, la primera feria dedicada exclusivamente al vídeo a nivel internacional y, desde luego, única en España, que celebra ya su tercera edición. “Precisamente esa especificidad es lo que la hace realmente interesante. Hay tantas ferias que lo bueno es que las nuevas estén muy especializadas, que sean una plataforma alternativa”, dice Manuel Borja Villel, director del MACBA, centro participante que, además, adquirirá la pieza que gane uno de los premios que otorga Loop.

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Abril 29, 2006

Entrevista a Kimsooja: "Siempre he interpretado el arte como un espejo” - Javier HONTORIA

Originalmente en EL CULTURAL

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El Palacio de Cristal, uno de los espacios más atractivos y a la vez más complejos del circuito artístico español, vuelve por fin al primer plano de la actualidad (del Palacio de Velázquez seguimos sin saber nada) de la mano de Kimsooja (Taegu, Corea, 1957). El proyecto tiene un montaje muy complicado así que la artista ha estado yendo y viniendo para supervisarlo desde hace un mes. En una de estas visitas habló con El Cultural.Ya estaba cubierta buena parte del suelo y los técnicos terminaban entonces de colocar la película que rodea toda la estructura del edificio. Nos quitamos los zapatos y caminamos lentamente por el espejo. La sensación es rotunda. El cielo encapotado apenas permitía ver el sol pero, como cuenta Oliva María Rubio, comisaria del proyecto, de repente se abren grietas y entra la luz de golpe. Kimsooja conoció el Palacio en 2003, un espacio “bellísimo por su estructura arquitectónica y por su emplazamiento”. Ya entonces supo lo que haría si un día tuviera la oportunidad de proyectar algo ahí: “Pensaría en el modo de ocupar la totalidad del espacio sin tener que introducir nada en él”. Aquí lo tienen. El proyecto se titula To Breath-A Mirror Woman y será, a buen seguro, una de las grandes citas de la primavera artística madrileña.

–Hábleme de To Breathe-A Mirror Woman, su proyecto específico para el Palacio de Cristal.
–Cuando visité el Palacio de Cristal en 2003 mi mente respondió inmediatamente al espacio. Me gustó entonces la idea de hacer una instalación de luz pero me dijeron que el palacio sólo está abierto durante el día. Así, dadas las limitaciones “temporales”, pude desarrollar mis ideas con más calma. Me parecía demasiado introducir elementos en el Palacio pues éste, en sí mismo, es ya un objeto completo y muy bien estructurado. Por eso decidí que quería empujarlo todo hacia su propia piel, incorporando a los muros-cristales una película de difracción traslúcida que distribuyera la luz como si de un arcoiris diluido se tratara. A su vez, he cubierto de espejo el suelo del Palacio para reflejar toda la estructura superior y he introducido una instalación de sonido. De esta forma nuestro cuerpo será un filtro sensorial, convirtiéndose en uno de los haces de luz que invaden el lugar, y fundiéndose con el sonido y el reflejo de la estructura del edificio.

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Abril 05, 2006

"Mis esculturas son lugares para pensar" Cristina Iglesias - Entrevistada por ÁNGELA MOLINA

Originalmente en Babelia

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Tres corredores colgantes sin muros externos, sin anversos ni reversos, sin centros secretos, componen un paseo de metal entretejido. Es el laberinto que Cristina Iglesias (San Sebastián, 1956) ha creado para una de las salas del Museo Ludwig de Colonia, convertido hoy en escenario de descubrimientos privados y celebración pública de una sólida carrera internacional sostenida a pulso y labrada con un seductor sentido del lenguaje, fruto del oficio, pero sobre todo del instinto. Formada en el Chelsea School of Art de Londres entre los años 1979 y 1982, Iglesias expuso por primera vez en la capital británica en el mismo año de su licenciatura. Después, sus citas con los más prestigiosos circuitos de arte de Europa y Norteamérica -Bienal de Venecia (1986, 1993), Art Gallery de Toronto, Kunsthalle de Berna, Stedelijk Van Abbemuseum de Eindhoven, los Guggenheim de Nueva York y Bilbao, Serralves de Oporto, Whitechapel de Londres, Irish Museum de Dublín y Reina Sofía- situaron su trabajo en un lugar preeminente en el campo, hoy cada vez más expandido, de la escultura contemporánea. Porque para Cristina Iglesias, la escultura no es sólo algo exterior dado a la apreciación, sino una especie de piel que lo mismo puede tener una vida interior que transformar el espacio circundante. Su obra también explota la versatilidad de los materiales, o dicho con sus palabras, "como éstos pueden mentir". El cemento, tratado como escayola o barro, parece levitar; el hierro y el cobre pueden tener el calor de un tejido generoso que permite ver sin ser vistos; el cristal y el vidrio son, en manos de la artista, espejos opacos, y el alabastro es un prisma de luz. Maderas, resinas, tapices, papeles pintados, forman un collage natural. Y al revés, la naturaleza -hojas, ramas, cañas de bambú- aparece solidificada en grandes planchas rugosas que recuerdan en tres dimensiones los frottages de Max Ernst. En sus últimos trabajos, la luz -con sus sombras- tiene una importancia estructural, pues sirve de transporte. Transporte de aflicciones, de silencios que penetran en casas inciertas, desoladas, aunque también son refugios donde el visitante puede hacerse invisible, dejar de pensar en su miedo, desaparecer. "Me gusta explorar la luz, nos transporta a una fantasía que no se ha dicho antes, es algo escurridizo, otra manera de ver", afirma la artista.

PREGUNTA. ¿Cómo define Drei hängende Korridore (Tres corredores colgantes)?

RESPUESTA. Es un viaje a alguna parte y, como toda mi obra, está relacionada con el lugar que ocupa, en este caso es un espacio muy singular. La sala DC del Ludwig tiene dos visiones a dos alturas y es de unas proporciones, digamos, importantes, 20x20x12 metros. Quería ocuparlo de una manera que el visitante viviera una experiencia total y a la vez hubiera momentos en que pudiera distinguir los límites. Los tres corredores están suspendidos, entramos en una construcción cuyas paredes nos llegan por encima de los tobillos y podemos sentir cómo esto nos afecta. Paseamos por una pieza pero después tenemos momentos en que podemos elegir si entramos o no en otra. Y esos pasillos que quedan entre ellas son espacios ocupados, no sólo por las personas, también por las sombras. Todo eso forma parte del plan. Es una obra que en principio da seguridad, porque te recoge; pero está suspendida, se puede ver desde arriba, incluso te puede marear si se mueve un poco. Estos corredores tienen que ver con otro trabajo que significó mucho en la construcción de mi lenguaje, en el Centro de Convenciones de Barcelona (2004), que recuerda esos toldos de los mercados árabes. Allí también existe la visión desde arriba, puedes ver la tramoya y la estructura que la hace teatral. Cuando estás ante un espacio tan inmenso, cuando afrontas un reto como éste, dices, qué suerte que me hayan planteado un problema así.

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Marzo 18, 2006

ENTREVISTA: Bleda y Rosa - ALBERTO MARTÍN

Originalmente en Babelia

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Bleda y Rosa (María Bleda. Castellón, 1969/José María Rosa. Albacete, 1970), a lo largo de cuatro largas series de imágenes tituladas Campos de fútbol, Campos de batalla, Ciudades y Origen (actualmente en curso), han ido construyendo una trayectoria de gran coherencia y solidez. Los títulos de sus proyectos reflejan perfectamente las intenciones de sus autores: reflejar los espacios que habitamos haciendo resaltar el complejo entrecruzamiento de culturas que los conforman. Para Bleda y Rosa, el territorio está ocupado por el peso de la historia, un pasado que hacen aflorar en sus obras a través de la evocación de las huellas y testimonios que conforman nuestra memoria. En su último proyecto, Origen, están fotografiando aquellos lugares en cuyo suelo se han encontrado restos arqueológicos que han supuesto la posibilidad de añadir un eslabón más en la cadena de la evolución humana. Su acercamiento, en esta ocasión, se ha complejizado mediante la inclusión en el paisaje de marcas y señales que nos hablan del momento actual. Su presencia junto a los yacimientos nos remite al arco temporal que delimita nuestra existencia: origen y progreso.

PREGUNTA. Desde que en 1992 comenzaron a realizar Campos de fútbol, han venido estructurando su obra en largas series que desarrollan durante varios años. ¿Cuál es su método de trabajo?

RESPUESTA. Habitualmente, una vez que tenemos decidido el tema y los conceptos que queremos abordar, marcamos unas fases de trabajo. En primer lugar nos documentamos teórica o históricamente. Es también entonces cuando decidimos cómo será la serie y qué aspecto estético responderá mejor a la idea previa que tenemos. La segunda parte del trabajo tiene que ver con el viaje y nuestra estancia en el lugar.

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Marzo 11, 2006

Desde el lado trágico de la revolución conservadora - Juan Antonio Álvarez Reyes

Originalmente en abc.es

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¿Estamos en el principio del fin de la revolución conservadora? Si numerosos son los síntomas políticos y sociales que parecen indicarlo, desde el lado cultural está más que enterrada, pese a la pervivencia tardía de algún think tank. La Bienal del Whitney, como continuación del posicionamiento del mundo de la cultura en las pasadas elecciones presidenciales norteamericanas, lo reconfirma con toda la intención y la complejidad necesarias. Si esto supone que se empieza a resquebrajar el Imperio, según la definición dada por Hardt y Negri en su ya famoso ensayo, sólo el tiempo lo dirá. El ambiente que se respira en la bienal (y en algunos canales y periódicos norteamericanos) es el de la conciencia del tremendo error que esa revolución conservadora ha producido en la moral política y en la ética de la relaciones entre personas y estados. Las palabras «Guantánamo», «Irak», «guerra», «tortura» están continuamente presentes en la televisión y en la Prensa, y, por extensión, en los trabajos artísticos que este evento recoge.

Nunca es tarde...
Bien es cierto que hubiera sido más valiente que este posicionamiento hubiera ocurrido en la edición anterior -de la que repite una de sus comisarias- pero la conciencia de la crisis moral política es ahora tan fuerte que un artista tan poco comprometido en su trabajo escultórico como Richard Serra ha elaborado un cartel con el lema «Stop Bush», en el que se hace referencia a los «terroríficos sucesos en la prisión de Abu Ghraib». La guerra y la tortura, su práctica en nombre de la «libertad» (infinita o no), está provocando un profundo malestar que inevitablemente deberá conducir a una crisis y a la consiguiente catarsis.

Una Torre de la paz, de Mark di Suvero y Rirkrit Tiravanija, recibe a los visitantes como recreación de la que el primero hizo, junto a otros, en 1966 como protesta a la guerra de Vietnam. Ahora, contra la guerra de Irak y la política del gabinete Bush, ha conseguido reunir a muchos de los que entonces intervinieron con sus trabajos a favor de la paz, junto a un extensísimo elenco de artistas actuales. El resultado es de inmediatez, excesivamente ingenuo y sin demasiadas complicaciones, pero la necesidad de actuar indica cierta honestidad intelectual que no hay que minusvalorar.

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Febrero 19, 2006

El lugar de la arquitectura española - Antón GARCÍA-ABRIL

Originalmente en El CULTURAL

La arquitectura en España se presenta en el MoMA neoyorquino con 53 obras de arquitectos contemporáneos. 18 obras construidas que se exhiben en magníficas fotografías de Roland Halbe. El resto de los treinta y cinco proyectos están aún en construcción, y algunos sólo existen en el papel. Los proyectos presentados subrayan la diversidad geográfica, generacional y tipológica de la producción de la arquitectura en España en los últimos 30 años.

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El MoMA de Nueva York celebra una gran exposición dedicada a la arquitectura contemporánea en España. Es una celebración, ya que se vanaglorian y exhiben los logros de una sociedad que en el último tercio de siglo ha sabido desarrollarse. Los textos de su comisario, Terence Riley, aluden constantemente a esa virtud del estado, que desde muchos aspectos –social, económico, cultural y territorial– ha sabido crecer y tiene en la arquitectura uno de sus logros. Es una retrospectiva con mayor énfasis en lo contemporáneo, cristalizada en las últimas experiencias, manteniendo la tesis cierta de que “la arquitectura es el reflejo de la cultura que la produce”. Y esta premisa la comparte con su aliado Luis Fernández Galiano, que ha producido un proyecto editorial paralelo que, de un modo más científico y riguroso, se concibe como acompañamiento coral a la exposición americana para el consumo local. Este volumen es un “guión de la historia”, y así estructura los últimos veinticinco años de arquitectura española como complemento histórico al catálogo de la exposición en el MoMA. Se atiende cronológicamente los treinta años desde la desaparición del franquismo, fecha en que los dos historiadores sitúan el origen del despliegue cultural en España, subdivididos en seis períodos separados por eventos significativos. Se clasifican los arquitectos por generaciones y bloques de afinidad programática, cronológica o estética.

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Febrero 12, 2006

ARCO: 16 proyectos

Originalmente en EL CULTURAL

Son 16 artistas de 16 galerías. Y poco tienen en común, salvo que todos son españoles. Todos jóvenes. Y todos han sido seleccionados por María de Corral para celebrar este 25 aniversario de ARCO, de arte, al cabo. Y les hemos pedido que expliquen aquí sus proyectos, pensados específicamente para esta edición de la feria. Vídeos, montajes, pinturas, esculturas e instalaciones que dan buena muestra de lo que hoy acontece en el arte español. En el pabellón 7, al fondo. No se lo pierdan.

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Sergio Prego
Se trata de un vídeo compuesto por imágenes fotográficas encadenadas que recogen diferentes configuraciones de humo procedentes de explosiones pirotécnicas. En este caso, el vídeo es el medio que permite el registro y la impresión del acontecimiento que produce el humo. El suceso está registrado en un contexto real: el interior de una fábrica abandonada de la periferia industrial de Bilbao. En un movimiento de la cámara alrededor del suceso se establece un transcurso temporal y por lo tanto un transcurso narrativo básico. Las formas de las explosiones son accidentales, producto de un acontecimiento, a la vez que un reflejo de una iconografía implícita que el espectador proyecta en su carácter figurativo más básico. A veces reproducen, por ejemplo, la silueta del hongo de una explosión atómica y con ello se establece un nexo entre lo monstruoso como expresión de una amenaza al cuerpo y la catástrofe como acontecimiento aleatorio.

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Febrero 05, 2006

ENTREVISTA: Sabine Breitwieser - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en Babelia:

Sabine
PREGUNTA. Cada vez hay más ferias de arte y cada vez son más concurridas y lucrativas. En su opinión, ¿qué papel debería tener Arco -u otra feria de arte, por así decir, periférica- para ser más competitiva en una industria global multibillonaria?

RESPUESTA. A las personas que trabajamos en un museo, y a cada vez más coleccionistas privados, nos interesa un programa que sea sugestivo y claramente definido, un programa que implique una reflexión crítica de los problemas y fenómenos de nuestro tiempo y su relación con el arte contemporáneo. Durante la pasada década, Arco se hizo un hueco importante dentro del circo de las ferias de arte y, por lo que parece, ha sido muy fructífero porque ha creado un lugar de encuentro donde caben directores de museo, comisarios o críticos internacionales que integran los diferentes paneles de charlas y discusiones. Recuerdo haber participado en dos mesas durante una misma edición hace unos años, una era sobre las colecciones corporativas, otra sobre media art en las colecciones. Se podría decir que tiene cierto sentido invitar a un país diferente cada año y presentar sus instituciones, programas culturales y artistas no sólo en Arco, sino también en galerías, museos y centros artísticos de Madrid. Pero en cierto sentido, esa estrategia -me refiero a que el país invitado funcione como patrocinador- puede resultar un tanto arbitraria, ya que el concepto mismo de "financiar" se convierte en el programa.

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Arco: con un 'picasso' en el bolsillo - FIETTA JARQUE

Originalmente en Babelia:

Arco
Las cosas han cambiado mucho en 25 años para la feria madrileña. El galerista italiano Lucio Amelio llevó a la primera edición de Arco obras de Mario Merz, de arte povera y de la transvanguardia. Los precios estaban entre las 50.000 y 80.000 pesetas (300 y 480 euros), para las pequeñas, y entre 200.000 y 350.000 (1.200 y 2.000 euros), las de gran formato. Eran precios inferiores a los habituales de su galería. No vendió nada. "Si las obras hubieran estado expuestas en la feria de Basilea se habrían vendido en una hora", comentó entonces. El galerista murciano Nacho Ruiz, autor del libro Arco: arte y mercado en la España democrática (Arco/Región de Murcia, 2004), divide la evolución de la feria madrileña en tres etapas. "De 1982 a 1984 fue la época del entusiasmo. Culturalmente fue muy buena, económicamente casi un desastre", dice. "Arco era una feria imposible en la España de 1982. No era un proyecto viable, pero funcionó". Dos años después en la revista de "la movida" -un ambiente que influyó mucho en Arco- La Luna de Madrid, titulaba "La vanguardia es el mercado". En esa edición algunos galeristas españoles vendieron hasta el 90%. En Arco 1986 la cifra media de un cuadro era de medio millón de pesetas (3.000 euros), según una encuesta informal de la feria.

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Enero 14, 2006

Apaga y vamonos - Juan Antonio Álvarez Reyes

A propósito de Light art from artificial light, ZKM. Originalmente en abc.es

Hoeller Y X
La luz, sobre todo la proyectada sobre pantallas, viene centrando en los últimos años algunas de las exposiciones más relevantes del panorama internacional. Si Into the light abrió el camino en el Whitney Museum y Sons et Lumières lo continuó exhaustivamente en el Pompidou, ahora le llega el turno a Light Art from Artificial Light en el ZKM, que se llena de tubos fluorescentes, neones, lámparas, algunas proyecciones y experimentos ópticos para ampliar la Historia que se nos contó en esas muestras precedentes.

Tras la resaca luminosa navideña, puede ser oportuno detenerse en esta megaexposición europea que intenta estudiar la importancia de la luz artificial en el arte del último siglo (y los comienzos del presente), además de cómo ésta se ha convertido en una especie de nuevo género artístico con dos posibles denominadores comunes: el síndrome de la tienda de lámparas y el mal del neón. El primero bien puede ser ejemplarizado por dos artistas actuales como Jorge Pardo y Tobias Rehberger, mientras el segundo inicia su andadura con el arte conceptual (Kosuth) y povera (Merz), hasta llegar a nuestros días envuelto en estrategias de mensajes publicitarios (de Silvie Fleury a Kendell Geers).

Junto a todo esto, hay en la caótica instalación del ZKM varias sensaciones que nos resultan completamente familiares. Una es la señalada al principio, la navideña, de la que hace gala John M. Armleder y sus esculturas estrelladas de lucecitas. Otra puede ser la de sentirnos inmersos en una feria, cuya atracción principal sería el túnel de bombillas y espejos de Carsten Höller. Por último, pero no menos importante, el ambiente discotequero, ya sea en una disco-armario de Bernhard Martin o en las tradicionales bolas de espejitos, esta vez en versión del omnipresente Armleder.

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Enero 11, 2006

Alterados en Los Ángeles - EDWARD LUCIE-SMITH

Originalmente en el CULTURA | S de La Vanguardia

Un signo de los tiempos que vive el arte es una ambiciosa exposición organizada en la Geffen Contemporary de Los Ángeles. Este espacio cavernoso, un antiguo garaje de policía, es una dependencia del elegante pero pequeño Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (MOCA), y suele utilizarse para proyectos que son demasiado atrevidos y ambiciosos para el propio MOCA. La muestra, con su hincapié en lo trascendente, Éxtasis. En y sobre estados alterados, tiene un sabor muy de la Costa Oeste norteamericana. Puede interpretarse como una mirada a la muy influyente panorámica histórica de Maurice Tuchman, Lo espiritual en el arte, que triunfó en el Museo del Condado de Los Ángeles a mediados de los años ochenta. Ahora bien, existen diferencias importantes. Mientras que Lo espiritual en el arte se centraba en la pintura de forma más o menos exclusiva, Éxtasis es un acontecimiento multimedia, con muchas instalaciones, aunque muy pocos vídeos. Eso ya constituye en sí mismo un signo de que el mundo del arte contemporáneo está entrando en una época de cambio, puesto que los vídeos han dominado durante mucho tiempo las grandes exposiciones internacionales.

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Enero 01, 2006

ENTREVISTA: Robert Storr - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en Babelia

Robert Storr (Portland Maine, Estados Unidos, 1949) es pintor, profesor, crítico y curador de la bienal de Venecia de 2007, cargo para el que ha sido nombrado con tres años de antelación, un hecho sin precedente, gracias a una estructura de bienal más flexible que combina la aportación pública y privada. Ha comisariado las retrospectivas de Elizabeth Murray (ahora en el MOMA), Gerhard Richter, Robert Ryman y Philip Guston. Cuando se le pregunta qué valora y conoce más de España, responde que "el Instituto Valenciano de Arte Moderno y el trabajo de Kosme de Barañano".

La entrevista tiene lugar en el marco del simposio Modernidad múltiple y salón global, el pasado 9 de diciembre, en Venecia. Allí, Storr reunió a historiadores, críticos, filósofos, sociólogos y artistas de todo el mundo con el objetivo de debatir y lanzar ideas en una suerte de aggiornamento de la biennale. ¿Un punto de inflexión? "Son 110 años de historia. Ahora es necesario mirar atrás, pensar en la mejor forma de adaptarse a las circunstancias emergentes, replantear la estructura de pabellones nacionales en relación a un contexto en el cual este modelo de bienal ha sido asimilado por un centenar de ciudades y países, ver el impacto que este acontecimiento tiene en el público local e intentar conquistar otras audiencias. No existe una realidad artística única, sino un número infinito de redes y muchas historias interconectadas. Todavía no sabemos si el fenómeno de las bienales tiene un efecto positivo en el trabajo del artista", afirma.

PREGUNTA. Ha definido la biennale como una nave transoceánica que, a pesar de su envergadura, puede ser flexible, una especie de Queen Mary que necesita ser dirigida de forma "elegante" por su capitán. Recuerde que el Titanic se hundió...

RESPUESTA. La diferencia es que el Titanic se hundió repentinamente, en su inicio. Pero no nos engañemos, también podemos encontrarnos un gran iceberg. En este tipo de instituciones tan grandes, hay que ser muy cauto, hay grandes riesgos y peligros que debemos conocer. Gramsci hablaba del pesimismo del intelecto y del optimismo de la voluntad. Él solía decir que es preferible apoyarse en algo degradado, pero vivamente sentido, que sobre insignes instituciones.

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Diciembre 26, 2005

Pipilotti Rist: «Los prejuicios se combaten con fotos y no con eslóganes» - Javier Diaz-Guardiola

Originalmente en abc.es

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El taller de Pipilotti Rist en Zúrich, que comparte con otros dos artistas, es como una pequeña factoría: de sus techos penden maquetas de los espacios para los que prepara o ha realizado instalaciones; sus paredes rebosan anotaciones con objetivos, recuerdos e indicaciones; sus ordenado- res albergan imágenes de todas sus obras, de las más antiguas a las más recientes, como el proyecto al aire libre que, junto al arquitecto Carlos Martínez, preparó para la localidad de St. Gallen y del que se siente tan orgullosa. Parte de este universo se ha trasladado a España, al MUSAC de León, una vez más de la mano de Rafael Doctor, su «descubridor» en nuestro país. Vídeo en movimiento para mover cuerpos y conciencias.

¿Qué es Pipilotti Rist: un personaje, una marca, un pseudónimo?
Es difícil responder. Hace unas semanas, leí una entrevista a Boris Groys, al que también le pedían que se definiera. Él contestaba que la expresión más grande de uno es su propia muerte. Yo soy muy compleja: soy muy modesta, muy trabajadora y no soy idéntica a mi obra. Sin embargo, la gente se hace suposiciones cuando ve mi trabajo y escucha mi nombre. Mi nombre y mi obra crean un personaje. Con frecuencia, cuando hablo con la gente siento que no se está hablando conmigo, sino con esa idea que tienen de mí. Si esa idea les da esperanza, no me parece mal. Sin embargo, yo estoy llena de miedos y tengo mis contradicciones, pero para mí es más importante que la obra aporte algo. A veces me da un poco de miedo decepcionar, porque no soy tan alocada como piensan. Yo me puse mi mote antes de saber que iba a ser artista, que se basa, por supuesto, en una historia familiar.

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Diciembre 15, 2005

«Utilizo el tiempo como excusa para hablar de otros problemas existenciales» - Javier Díaz-Guardiola

Entrevista con Martí Anson. Originalmente publicada en abc.es

Por absurdo que parezca, un reloj parado da la hora correcta dos veces al día. Un trabajo de Martí Anson (Mataró, 1967) llevaba un título parecido. Este análisis exhaustivo del paso del tiempo forma ya parte del devenir de su obra. Su nueva exposición en Toni Tàpies recupera en forma de vídeo su proyecto Fitzcarraldo para el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona -se trataba de construir un velero en 55 días a sabiendas de que luego no podría salir por la puerta por una cuestión de tamaño: cinco centímetros. Era un barco en una botella- y las fotos de su estudio en días laborables de la serie «Mataró/Barcelona».


Resulta curioso que un artista tan obsesionado con el tiempo titule su nueva exposición con un espacio -«Mataró/Barcelona»-. ¿Es un cambio en sus planes?
Yo nací y vivo habitualmente en Mataró. A la gente de allí se nos llama capsgrossos (de cabeza grande). El motivo es que se cuenta que un pescador construyó una barca de pesca dentro de su casa, y, cuando la terminó, la tuvo que destruir porque era más grande que la puerta de salida. Lo mismo ocurrió en mi proyecto Fitzcarraldo del Centro de Arte Santa Mónica, del que ahora presento el documental de su ejecución acompañado de unas fotografías de mi estudio de Mataró en un día laboral.

«Si el paso del tiempo es imparable, aún es más desasosegante ver cómo en ese dramático transcurrir no pasa realmente nada». Lo escribe Rosa Olivares con relación a su interés por lo temporal. ¿Por qué obsesionarse entonces?
Puede que utilice el tiempo cómo excusa para hablar de los problemas existenciales. Cómo dice un personaje del vídeo: «Es una lástima, trabajando tantas horas aquí para después destruirlo».

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Premio Turner:Y con él llegó el espectáculo (mediático) - Juan Antonio Álvarez Reyes

Originalmente en abc.es

Inscrito en la lógica de la cultura del espectáculo, el Premio Turner ha sabido manejar las claves de su éxito para desarrollar un producto que consigue atraer la atención mediática, utilizando claras herramientas publicitarias como pueden ser los reclamos de la innovación, lo chocante, el escándalo simulado, la falsa interacción del público mediante la votación popular y la retransmisión en directo de una gala por un canal televisivo en la que se da a conocer el ganador. Es decir, cultura, democracia y comunicación unidas y rebajadas en esa lógica del capitalismo cultural que incluye también saber hacer, corrección organizativa -profesionalidad, por tanto- y olfato para las oportunidades, algo que contribuye necesariamente a que esta competición simulada sea incluso potable para el sector artístico, frente a otros intentos geográficos caracterizados por la inoperancia o los chanchullos (ver, sin ir más lejos, nuestro Premio Velázquez).

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Diciembre 03, 2005

Entrevista El Perro - JAVIER DIAZ-GUARDIOLA.

Originalmente en abc.es

Ramón Mateos (1968), Iván López (1970) y Pablo España (1970) conforman el núcleo duro de El Perro, un colectivo que tan pronto pone en pie sus propios proyectos de cariz social y político (como Democracia, el que ahora les lleva a la galería madrileña Salvador Díaz) como comisaría los de otros (a finales de este mes verá la luz A Brave New World, en las Salas de la Comunidad de Madrid). El «momento dulce» que ahora viven coincide con la publicación de un libro que repasa parte de su trayectoria.

Definamos el concepto de democracia y las desviaciones que dan pie a este proyecto.
La democracia en la que vivimos hoy es una democracia de marcado carácter empresarial. Sus objetivos y su poder se concentran en torno a intereses económicos corporativos. En ese sentido, nos pareció oportuno crear una especie de marca comercial que se llamara «Democracia». Como concepto, el de democracia es mucho más complejo, pero tampoco se trataba de acotar el término. Nuestra visión es muy parcial, pero existe y tiene mucha presencia. Se trataba más bien de cuestionar un término que, como el de libertad, se ha vaciado de contenido y se emplea como patente de corso, como un aval para no discutir nada de aquello a lo que se asocia.

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Testmadrid, el Matadero como laboratorio artístico - Elena VOZMEDIANO

Originalmente en EL CULTURAL


Cuatro artistas –Lara Almárcegui, Ángel Borrego, Francisco Ruiz de Infante y El Perro– participan en una experiencia pionera en varios sentidos que acaba de inaugurarse en el antiguo Matadero de Arganzuela. Iniciativa de la Escuela Superior de Arte y Arquitectura de la Universidad Europea de Madrid, ha podido llevarse a cabo gracias al apoyo del Ayuntamiento, que abre con estas intervenciones una nueva etapa para un magnífico conjunto arquitectónico que pronto acogerá la Colección ARCO y, esperémoslo, otros muchos espacios para la cultura y el arte contemporáneo.

Legazpi está patas arriba. Las obras del metro, las de la M-30, las del interior del recinto del viejo Matadero y las que diversas constructoras efectuan para transformar una zona industrial en residencial hacen que sea realmente difícil llegar a un destino que es todo polvo y ruido. En la Nave de Terneras, la única que fue ya acondicionada por el Ayuntamiento para fines culturales, el cuerpo siente las vibraciones de la taladradora que orada bajo la vecina circunvalación. Este estado de transformación, de transición y, hasta cierto punto, de incertidumbre, es lo que ha interesado a la comisaria de este evento, Helena Cabello, que ha propuesto a un grupo reducido de artistas que reflexionaran sobre estos espacios, sus características físicas, sus usos y su significado en la ciudad.

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Noviembre 27, 2005

La videoinvasión - JUAN BUFILL

Sobre "Loop 05", 3ª edición de la feria en Barcelona. Originalmente publicado en LA VANGUARDIA DIGITAL

Por lo visto en Loop 05, está claro que Barcelona está en condiciones de liderar internacionalmente el mercado del videoarte y que esta feria se puede convertir en un punto de encuentro internacional imprescindible para sus profesionales y recomendable para todos los interesados en él. Por fin surge en Barcelona un acontecimiento artístico que puede tener éxito y futuro. Incluso los políticos locales se han dado cuenta y lo apoyan. Y otro apoyo fundamental ha sido también la presencia en Loop de los responsables de los departamentos audiovisuales de instituciones como el MoMa, la Documenta, la Tate Modern o el Centro Pompidou y del director del Macba.

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Noviembre 20, 2005

Novena edición de Paris Photo con España como país invitado

originalmente en El CULTURAL

El 17 de noviembre abre la novena edición de Paris Photo con España como país invitado. A la selección de ocho fotógrafos españoles jóvenes realizada por Rosa Olivares, comisaria invitada, se une la presencia, como exposición central del programa español, de parte de los fondos fotográficos de la Comunidad de Madrid. Hay que destacar también las seis galerías españolas que acuden a la sección general de la feria y el ciclo de vídeos españoles.

“Espagne à l'honneur”. Cuidado que son redichos estos franceses. El caso es que Paris-Photo, la feria de arte fundada hace nueve años para fomentar el mercado de la fotografía, dirige su mirada hacia el Sur de Europa y ha elegido a España como país invitado en la edición de este año. Las anteriores estuvieron dedicadas a Suiza, México, los Países Bajos o Alemania. Un itinerario bastante ecléctico que hace dudar de sus motivaciones, ¿mercado, creación plástica o subvenciones? Pero, al fin y al cabo, es de justicia reconocer que la estrategia del país invitado no es exclusiva de esta feria.

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Noviembre 19, 2005

Una trienal algo agitada - EDWARD LUCIE-SMITH

Originalmente en LA VANGUARDIA DIGITAL

La trienal de Yokohama, que ahora celebra su segunda edición, forma parte de las nuevas exposiciones bienales y trienales que están apareciendo por el mundo. Algunas tienen como escenario lugares mucho más improbables que Yokohama. Acaba de celebrarse una en Tirana, Albania, y hay otra planeada en Luanda (Angola) para el año 2006. Estas grandes exposiciones panorámicas se han convertido en algo frecuente en el universo en expansión del arte contemporáneo.

En realidad, la nueva muestra de Yokohama ha tenido un discurrir inusualmente agitado. El director original, el gran arquitecto japonés Arata Isozaki, dimitió de improviso, alegando que la situación era caótica y que las autoridades municipales no estaban dispuestas a permitirle postergar la inauguración y darle tiempo para preparar el tipo de muestra que deseaba ver. Lo sustituyó el artista arquitectónico Tadashi Kawamata, que nunca había organizado una muestra de este tipo antes, aunque había exhibido en grandes bienales tradicionales, como Venecia, São Paulo y la Documenta de Kassel. En tales circunstancias no deja de sorprender que haya logrado montar una exposición (y más aún en el caso de una tan grande como ésa, que ocupa dos enormes almacenes de la fachada marítima de Yokohama).

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La experiencia como bienal - JOANA HURTADO MATHEU

Originalmente en LA VANGUARDIA DIGITAL

No es el mismo el tiempo vivido que el que marca el reloj. La experiencia del tiempo es siempre relativa y aun así buscamos su representación objetiva, para medirlo, llenarlo, convertirlo en productivo, lejos del tiempo muerto o perdido. Pero a veces el cronómetro se para o va hacia atrás aunque la vida continúe.

Echar un vistazo al retrovisor sin bajarse del coche, sin dejar de ir hacia delante es lo que plantea la octava edición de la Bienal de arte contemporáneo de Lyon. Lejos de las retrospectivas a las que nos han acostumbrado los museosbaúl, lejos también del virus bienal que todo lo renueva, ésta es una muestra difícil de etiquetar. Bienal, sí, pero no a la manera de las monumentales exposiciones internacionales, amantes del zapping de lo más raro, joven y desconocido del panorama global. Comisariada este año por los directores del Palais de Tokyo de París, Nicolas Bourriaud y Jérôme Sans, se presenta con el título Expérience de la durée. Vistos los tiempos amnésicos que corren, acelerados hacia un futuro desprovisto de cualquier meta esperanzadora, Bourriaud y Sans han echado mano del pasado para analizar el presente y quizá sólo así abrir una puerta al futuro. Herederos de las teorías del pliegue y el rizoma de Deleuze y Guattari, el tiempo deja de progresar como deja de ser irreversible. Las viejas raíces vuelven a ser de actualidad: todo es contemporáneo.

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Noviembre 13, 2005

Entrevista con Vanessa Beecroft - Javier Díaz-Guardiola

Originalmente en abc.es

Lo de Vanessa Beecroft (Génova, 1969) no es precisamente la premura. De hecho, sus performances, aquéllas que le han valido el reconocimiento internacional que ahora sustenta, se basan en el estatismo de sus modelos, siempre mujeres, que interactúan psicológicamente con el espectador. VB53 ?que no es el nombre de un perfume, aunque la estética que rodea a muchas de sus actuaciones pudiera hacerlo pensar, sino las iniciales de la artista seguidas del número de obra que hacen? es la carta de presentación de esta creadora en nuestro país, que, con su exposición en el CACMálaga, entra por primera vez en nuestros museos de forma individual. Y en este proyecto hay mucho de atemporalidad, de llamada a los clásicos, de reminiscencias pictóricas... De, en definitiva, Vanessa Beecroft.

VB53 es en el CAC una exposición fundamentalmente fotográfica que nace de una performance anterior en Florencia. ¿En qué consistió la performance y qué es lo que se exhibe en Málaga?
La performance a la que se refiere VB53 tuvo lugar el año pasado en el Tepidarium de Roster, en el invernadero de Florencia. Las modelos de las que me serví se presentaban como si hubieran sido plantadas en la tierra ante el público asistente. Algunas de ellas llevaban alas, mientras que otras destacaban por su propia cabellera muy larga. Según pasaba el tiempo, las mujeres se iban sentando o se dejaban caer sobre el suelo, manchándose con la tierra. El trabajo contiene referencias a cómo María Magdalena fue retratada por los padres del Renacimiento italiano. Las fotografías que se exponen en Málaga son tan sólo instantes de algunos momentos de la performance.

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Entrevista con Willie Doherty - Javier HONTORIA

Originalmente en El Cultural

Willie Doherty ha venido tratando el conflicto armado de Irlanda del Norte desde mediados de los ochenta. Hoy inaugura en Pepe Cobo su primera individual en España con un nuevo vídeo y una serie de fotografías. El Cultural ha hablado con él sobre la relación entre imagen y violencia en el contexto de su país y en particular de Derry, “una de las ciudades más fotografiadas de Europa”.

Willie Doherty nació en Derry en 1959. Vio caer los trece cuerpos fulminados por helicópteros ingleses en el Bloody Sunday y lo sabe todo de un conflicto que parece ahora encontrarse en un momento esperanzador. Desde mediados de los ochenta ha sido silencioso testigo directo de refriegas y masacres, filtrándose entre los diferentes niveles de complejidad que el propio conflicto ha generado. Pero Doherty se sitúa siempre en un lugar indeterminado y evita el posicionamiento. Desde el caso concreto del problema en Irlanda del Norte trata en su obra asuntos tan amplios como la relación entre imagen y representación, la noción de “verdad” tradicionalmente asociada a la fotografía y la negociación permanente con el espectador, al que sitúa en un punto intermedio desde el que poder extraer multitud de conclusiones.

–Hábleme de Derry, escenario del conflicto y de buena parte de su obra.
–Derry ha sido durante mucho tiempo el centro del problema en Irlanda del Norte, el lugar donde el conflicto se ha desarrollado con mayor intensidad. Es un lugar en el que la gente ha vivido sumida en la desesperación durante muchísimos años. Al mismo tiempo, tiene ciertas particularidades muy interesantes como el hecho de ser uno de los lugares más fotografiados de Europa.

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Octubre 30, 2005

Durar, perdurar - Miguel Cerceda.

Leído en abc.es

Con la aparición de los nuevos medios técnicos de comunicación, la idea de fama, las ideas de mérito y excelencia, y la propia concepción y transmisión del saber parecen haberse trastornado por completo. No hay más que ver cómo los jóvenes de hoy consideran más meritorio y encomiable estar tan sólo un día en la casa de Gran Hermano que tener, no ya una carrera superior, sino tan sólo el bachillerato terminado, para comprender hasta qué punto nos encontramos en una sociedad completamente trastornada en sus valores. Ya Warhol pronosticó que en el futuro todo el mundo podría disfrutar de sus quince minutos de fama. Hoy, incluso, quince segundos en televisión se consideran preferibles a toda la gloria de la inmortalidad.

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Octubre 22, 2005

“Ferias y bienales libran una batalla ideológica” Una entrevista con Liam Gillick - Javier HONTORIA

Originalmente publicada en EL CULTURAL

Liam Gillick nació en Aylesbury, Reino Unido, en 1964. Su trabajo lo hemos conocido España tras sus individuales en la galería Javier López de Madrid y su participación en colectivas como Minimal Maximal, celebrada en el CGAC en 1999. Ahora se pueden ver dos proyectos simultáneos, uno en el CAC de Málaga y otro en en La Casa Encendida, que inaugura hoy. No espere el visitante encontrar soluciones concluyentes en una exposición de Liam Gillick. Su trabajo es críptico, con multitud de significados entrecruzados y abiertos, si bien éste de La Casa Encendida es más accesibles, tanto en lo formal como en lo conceptual, pues lo que se verá en la exposición es traducción directa de lo que cuenta la historia por él escrita –el cierre de una fábrica y sus posibilidades de continuidad–, fragmento de un libro futuro que se llamará Construction of One. Desde hace casi veinte años especula, a través de sus libros y los proyectos expositivos que éstos generan, sobre cómo se construyen las sociedades actuales y cómo forjamos nuestro futuro. Es un artista de ideas en movimiento y en su trabajo coinciden las formas escultóricas sólidas de aspecto minimalista con conceptos que fluyen invisibles en los espacios, sean públicos o privados, siempre en permanente circulación.

–¿Cuáles son sus primeras fuentes, sus primeras influencias?
–Inicialmente lo que me interesaba no tenía nada que ver con el arte sino con esa idea enraizada en la posguerra de reconstruir las cosas, esa idea de un “modernismo aplicado” centrado en la reconstrucción de viviendas públicas, de nuevos espacios sociales, de una nueva visión para el futuro. Pero pronto se nos dijo que esas cosas no funcionarían, que sólo constituirían un fracaso, diluyéndose así, en los primeros años setenta, toda esta voluntad de reconstrucción. Me interesaba esa noción que se encontraba de las calles, ese deseo colectivo de renovación.

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Octubre 17, 2005

La melancolía, de Hipócrates al Prozac - OCTAVI MARTÍ

Reenviamos desde ELPAIS.es

Una exposición con 300 obras celebra en el Grand Palais de París la fluctuación histórica y artística en Occidente de un estado de ánimo o enfermedad. El Grand Palais de París propone un viaje histórico y artístico a través de la melancolía, con una exposición de 300 obras sobre un estado de ánimo o una enfermedad. El comisario, Jean Clair, sitúa este "movimiento del alma" en la cultura occidental, con los orígenes en Hipócrates y Aristóteles, y atraviesa las interpretaciones del cristianismo y de los científicos como Charcot y Freud. También se alude a la aparición del medicamento Prozac, pero la muestra ilustra la melancolía con obras de Cranach, Durero, Botticelli, Zurbarán, Goya, Van Gogh, Rodin, Picasso, Hopper, Kiefer, Parmiggiani y otros. París completa su oferta con Dada (Centro Pompidou), Rusia (D'Orsay) y Viena 1900 (Grand Palais).

El origen griego del término melancolía remite a "bilis negra", es decir, al peor de los "humores", según la interpretación científica que se hacía en la antigüedad del funcionamiento de nuestro cuerpo. La melancolía era para Hipócrates uno de los cuatro humores que componían ese cuerpo humano; para el cristianismo, asociada a la pereza o a la introspección, sólo puede ser causa de pecado; para el Renacimiento es la enfermedad del genio o del artista; los románticos la asociarán a la soledad de un mundo que se ha quedado sin Dios; el cientifismo de las Luces o de finales del XIX la califica de neurastenia, depresión o esquizofrenia. En 1988 se trata con Prozac.

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Octubre 15, 2005

Dada: La vida, la libertad - José JIMÉNEZ

Originalmente publicado en EL CULTURAL DE EL MUNDO

lhooq.jpg“Que cada hombre grite: hay un gran trabajo destructivo, negativo, por cumplir. Barrer, limpiar”. Tristan Tzara dejaba las cosas claras ya desde el primer Manifiesto dada, de 1918. Lo que llamamos DADA implicaba un corte con todo lo anterior. Un rasgo común, por otra parte, al conjunto de las vanguardias artísticas del primer tercio del siglo veinte. Pero mientras que en otros casos se trataba de reubicar “el” arte en un espacio nuevo, distinto, la actitud DADA va mucho más allá. Se trata de llevar hasta las últimas consecuencias la voluntad de negar y limpiar, incluyendo también lo que durante siglos se había considerado la máxima expresión espiritual de la cultura europea: “el” arte.

¿Qué fue DADA? ¿Qué alcance tiene DADA hoy, en el ámbito de la cultura y las artes de nuestro tiempo? Para intentar dar respuesta a esas cuestiones, el Centro Pompidou ha organizado una magna e incisiva muestra en la línea de las grandes exposiciones históricas e interdisciplinares que dieron notoriedad internacional a la institución, y que sin embargo parecía algo olvidada en los últimos años. Es importante decirlo de entrada: esta exposición DADA es excelente, magnífica. Rigurosa en sus planteamientos conceptuales, alejada de una presentación meramente visual o volcada hacia lo espectacular, respetuosa con las piezas reunidas y con la sensibilidad plural de los públicos que la visitarán. Todo un ejemplo, en una época en que éstos no abundan.

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En los limites del imperio - Juan Antonio Álvarez Reyes

Sobre la Bienal de Estambul. Originalmente publicado en | ABCD las artes y las letras |

Puesta bajo el amparo conceptual de Giorgio Agamben y su ensayo La Comunidad que viene, la novena Bienal de Estambul continúa en la estela de la imbricación de comunidades, espectador, política de lo cotidiano, urbanismo, sociología y documentos visuales. En este sentido, su inspiración más inmediata es la Bienal de Berlín del pasado año, en la que el propio espacio geográfico, cultural, social y político era el objeto de estudio. Ahora lo es Estambul, la ciudad más populosa de Europa y en la que, seguramente, haya más contradicciones, antagonismos, alianzas y vida social del continente.

Los comisarios, Charles Esche y Vasif Kortun, han querido una bienal «por y sobre Estambul», pero, como uno de los artistas invitados ha visto claramente, esto «no es realmente así o no sólo» (Dan Perjovschi). Para empezar, pese a que se ha huido de lo turístico al abandonar el sector y los edificios históricos de la ciudad y centrarse en Beyoglu y Galata, el barrio comercial y de ocio, se han dejado de lado otras muchas realidades de esta conurbación.

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He vendido mi alma al ordenador.Es una forma totalmente diferente de dibujar - Javier Díaz-Guardiola

Reenviamos esta entrevista con Julian Opie, a propósito de su exposición en «La Chocolatería», un nuevo espacio en Santiago de Compostela. Originalmente publicada en | ABCD las artes y las letras |

Galicia aumenta sus expectativas en torno al arte contemporáneo. En Santiago de Compostela se abre una nueva sala: La Chocolatería, un espacio promovido por David Barro y Agar Ledo situado en una antigua fábrica del siglo XIX que vuelve a calentar sus fogones para presentar las corrientes más actuales de la creación nacional e internacional. Esta puesta en marcha corre a cargo del vigués Diego Santomé y del británico Julian Opie (Londres, 1958), cuya selección de obras redunda en su concepción de la imagen y sus ideas en torno al movimiento y al retrato clásico.

Su proyecto para Santiago es significativo para el espacio que lo recibe por ser el primero que alberga, pero, ¿cómo encaja en su carrera?
Intento no pensar en mi carrera, porque me pone nervioso, así que procuro concentrarme en hacer una buena exposición en todo momento. También intento centrarme en la arquitectura en su sentido más amplio: cómo entra la gente en el espacio, cómo sale de él, cuáles son sus cualidades físicas. Sólo de esa forma decido cómo utilizar mi obra, cómo combinarla con el espacio y conseguir que sea una experiencia lo más interesante posible para el visitante.

¿Cómo ha funcionado La Chocolatería?
Aquí, en Santiago, el público entra desde la calle a una especie de fachada de tienda, un espacio único, y salen de él por el otro lado para llegar a un jardín lleno de calma que es el final de la experiencia. Por eso he intentado presentar un conjunto de obra bastante variado, porque si te basas solamente en una obra o un tipo muy específico de trabajo, el espectador lo asume enseguida y no favoreces que transite por el espacio. En los últimos años, para que este tipo de espacios funcione, he tendido a presentar obras de escalas muy diferentes y de técnicas muy variadas bajo un tema unificado, lo que da al espectador una razón para seguir andando e investigar cada una de las piezas. Lo que me gusta cuando la gente ve mis obras no es que se quede de pie juzgando si le gusta o no, sino que se pregunte «¿qué es?», «¿cómo se mueve?», «¿de qué está hecho?». Éstas son formas más interesantes y atractivas de contemplar algo, incluso si lo que te preguntas es «¿cuánto ha costado?».

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Septiembre 24, 2005

El examen de los artistas - Elena VOZMEDIANO

Reenviamos esta conversación con cinco artistas -Pablo Genovés, Eugenio Ampudia, Ana Carceller, Marina Núñez y Helena Cabello- que reflexionan sobre la reforma del MNCARS. Originalmente publicada eb El Cultural de El Mundo

cincoartistas.jpgJean Nouvel presenta mañana a la prensa su ampliación del MNCARS, que se abrirá al público después de ser inaugurada por la Reina el día 26. Lloverán los artículos, los reportajes, las opiniones. El Cultural ha preferido que sean los artistas, el colectivo que mejor sabe qué está en juego, quienes examinen arquitectura y plan museológico. Creadores en torno a los 40 y con lenguajes de hoy a los que han dejado a la puerta de un museo que quiere dejar de ser centro de arte.

Además de las dos salas de exposiciones que ya conocemos, se desvelarán, tras casi cuatro años de obras, la biblioteca, la librería y la tienda, el restaurante, dos auditorios, los despachos y una sala de protocolo. 30.000 metros cuadrados y 90 millones de euros. En la siguiente etapa se modificará el edificio Sabatini para dedicarlo íntegramente a museo, con excepción de una parte del sótano, que será sala de exposiciones. Se cumpliría entonces la sentencia pronunciada en el plan museológico de Ana Martínez de Aguilar, su directora, contra el “centro de arte” que hasta ahora compartía sede con el “museo”. Las críticas no han amainado desde que tales intenciones se hicieron públicas. Hemos convocado a un pequeño grupo de artistas, que representan a muchos otros no sólo por circunstancias compartidas (el museo les excluye, por su edad, de su colección y de sus exposiciones) sino como miembros de equipos directivos de distintas asociaciones (AVAM, Instituto de Arte Contemporáneo), para que evalúen lo que está sucediendo en este momento crucial en el que el Reina Sofía alcanza mayores dimensiones y decide su futuro.

–Cerca de 100 millones de euros para un edificio que es básicamente de servicios. ¿Se necesitaba?
–Helena Cabello: No creo que haya que plantearlo en términos de gasto. Si el proyecto lo merece, si consiste no sólo en una ampliación física, sino en una ampliación conceptual, que sí sería precisa... Pero he visto muchos centros de arte en lugares destartalados que funcionan, con mucha energía y muy en contacto con su medio social y artístico.
–Marina Núñez: Tampoco yo creo que sea cuestión de dinero: hay que invertir en cultura. Pero el edificio me decepciona doblemente por ser de Nouvel que, aunque es un arquitecto irregular, ha hecho cosas buenas. Un arquitecto estrella para que haga un proyecto mediocre...
–Ana Carceller: Como centro de arte, el Reina Sofía necesitaba una ampliación, aunque no necesariamente ésta. También podría haberse extendido a otras sedes, fuera de Madrid. El edificio de Nouvel fue elegido en un concurso. Lo que ocurre es que a los interlocutores sociales se les deja siempre al margen de esos concursos, al igual que estamos fuera de los proyectos museísticos. No se informó del proceso ni a la comunidad artística ni a los usuarios del museo.
–Pablo Genovés: En el edificio Sabatini nunca me ha abandonado la sensación de hospital. Eran deseables espacios diseñados para el arte.

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Paso a paso - BEA ESPEJO

A propósito de 'London in six...' una imagen múltiple que se desconecta de los Young British Artists. Originalmente publicado en Culturas de LA VANGUARDIA DIGITAL

Del arte británico conocemos, así de entrada, su peculiar humor, el sentimiento ambivalente ante el drama físico y existencial de lo orgánico o corporal, la manera de teatralizar el espacio, la observación directa o ese distanciamiento siempre congelador. Así lo mostró Freeze en la todavía era Thatcher, en tres exposiciones que montaron Damien Hirst, August Fairhurst, Gary Hume o Sarah Lucas entre otros, en un almacén al este de Londres. Fue el primer paso para que Reino Unido se viera a sí mismo y por primera vez, como un centro, si no el centro mundial de la invención artística, independiente a cualquier otro lugar. A ello ayudó sin duda, una cultura en expansión en torno a ese nuevo arte, un público cada vez mayor, nacional e internacional y un coleccionista, Charles Saachi, que con sus adquisiciones hizo poner los pelos de punta a medio mundo. Era 1998, el fenómeno de los Young British Artists (YBA) y la generación Sensation, donde los que decidían no eran los comisarios sino los propios artistas, coleccionistas e incluso, marchantes y que puso en primer término el dinero, el éxito social o el ruido en los medios de comunicación. Un fenómeno que se hizo efectivo por su sencillez y su capacidad para evitar la diversidad, para así operar como un logo corporativo de un producto que combinaba juventud, identidad nacional y cultura.

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Septiembre 17, 2005

Entrevista con Enrique Juncosa - Paula ACHIAGA

Reenviamos esta entrevista, originalmmente aparecida en El CULTURAL de El Mundo

Enrique Juncosa llega a Madrid desde su museo dublinés para comisariar Hasta pulverizarse los ojos, una exposición que inaugura el 22 de septiembre el ciclo BBVA contemporáneos, con el que la entidad se mete de lleno en el arte español actual reuniendo a catorce artistas entre los que se encuentran Barceló, Montse Soto, Uslé o Susy Gómez. Aprovechando su viaje a España, hablamos con Juncosa de esta muestra y de la situación del arte en general.

Enrique Juncosa (Palma de Mallorca, 1961) dirige desde 2003 el Museo Irlandés de Arte Moderno (IMMA), aunque, como él dice, “aún viviendo en Dublín, soy parte de la vida artística española”. Ahora está en Madrid, montando la exposición Hasta pulverizarse los ojos, la primera del programa BBVA contemporáneos. Además, prepara una muestra de los vídeos de la irlandesa Dorothy Cross para el CAC de Málaga y una importante retrospectiva del pintor británico Howard Hodgkin que ha seleccionado en colaboración con Nicholas Serota y que se inaugura en Dublín en febrero, viajará a la Tate Gallery de Londres en primavera y llegará al Reina Sofía el próximo otoño.

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John Baldessari:« Me siento como un escritor fracasado » - Javier Díaz-Guardiola

Entrevista con Baldessari, con ocasión de su exposición en la Galería Pepe Cobo de Madrid. Originalmente publicada en | ABCD las artes y las letras |

Lo primero que me sorprendió cuando llegué a la galería Pepe Cobo, espacio en el que John Baldessari (EE.UU. 1931) expone sus trabajos más recientes, es lo alto que es. Uno se lo imaginaba más bajito. También es destacable que, pese a ser uno de los padres del conceptualismo, pese a que su discurso gira en torno a este movimiento tan recurrente hoy y tan farragoso en muchos artistas, su diálogo es fluido, comprensible y hasta fácilmente identificable. Será cuestión de prejuicios. Y es que precisamente sobre esto, sobre primeras impresiones, sobre significados de primera mano que atribuímos a uno u otro individuo en función de experiencias pretéritas, trata Prima Facie, la penúltima parada de Baldessari en Europa antes de que Nimes le dedique en octubre una gran antológica.

A más de treinta años vista, ¿qué es el arte conceptual?
Lo de conceptual realmente es una etiqueta que resulta muy útil aplicar cuando un movimiento comienza o cuando varios artistas hacen un trabajo similar y precisas de algo que los englobe. Lo mismo ocurrió con el pop o con el minimalismo. Pero llega un momento en el que los autores que han sido englobados bajo el mismo paraguas empiezan a desarrollar sus personalidades, de forma que las etiquetas no tienen sentido.

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Septiembre 09, 2005

“Siempre habrá violencia en mi obra” - Javier HONTORIA

Reenviamos esta entrevista con Shirin Neshat, realizada con ocasión de su exposición en el MUSAC, León. Originalmente publicada en EL CULTURAL


Shirin Neshat abandonó Irán cuando sólo tenía 17 años para ir a estudiar a la Universidad de Berkeley. El impacto que experimentó esa joven iraní al llegar a California fue importante, pero nada comparable al que sufrió al regresar en 1990, con 32 años y la cultura occidental asimilada en su cerebro, y comprobar el deterioro total de su país y el daño causado por la Revolución Islámica. Dice Neshat que el retorno fue triste y que aquel Irán era aterrador y excitante al tiempo.

–¿Qué país se encuentra en 1990 después de una década de ausencia?
–A principios de los noventa, cuando regresé a Irán, la situación era mucho menos moderada que hoy. Siempre digo que fue una experiencia muy intensa porque nunca había estado en un lugar en el que la ideología tuviera tanto peso. La Revolución cambió drásticamente todos los aspectos de la vida en Irán. Además, al margen de la presión política, el país se encontraba aún recuperándose de una larga guerra contra Irak así que en líneas generales fue un retorno muy triste. El Irán que encontré era por un lado aterrador y por otro muy excitante. El país había estado tan aislado que en cierto modo parecía que uno entraba en otro mundo completamente distinto. Esto tenía cierto atractivo especialmente viniendo de occidente, del capitalismo y el individualismo propios del primer mundo. Pero cuando una se enfrentaba con aspectos tan cruciales como la ausencia de derechos humanos y de libertad de expresión, daban ganas de salir corriendo.

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Septiembre 03, 2005

ENTREVISTA a Regis Durand - ALBERTO MARTÍN

Reenviamos entrevista originalmente publicada en ELPAIS.es - Babelia

El Jeu de Paume se alza en los jardines de las Tullerías parisienses como un monumento del pasado. Pero en su interior se ejerce una política de avanzada que lo liga a la fotografía y a las artes de la imagen.

El parisiense Jeu de Paume, tras someterse a una profunda reestructuración, se ha convertido desde el año 2004 en el espacio de referencia para la imagen (fotografía, vídeo, cine y multimedia) en Francia. Su director, Régis Durand, fue con anterioridad el responsable del Centro Nacional de la Fotografía.

PREGUNTA. ¿El Jeu de Paume representa una avanzadilla o es el símbolo de lo que podríamos considerar una reordenación de la política cultural con relación al campo de la imagen?

RESPUESTA. El campo artístico, y especialmente el de la imagen, está en constante transformación mientras que las instituciones se mantienen a menudo estáticas o evolucionan con un retraso considerable. El Centro Nacional de la Fotografía, que he dirigido de 1996 a 2004, había registrado ya una evolución así: se trataba de situar a grandes artistas, como Thomas Ruff, Thomas Struth, Jean-Marc Bustamante, Hanna Collins, Valérie Jouve y tantos otros, en el corazón de la actividad fotográfica de dichos años y de su evolución. El Jeu de Paume tiene la suerte de poder situarse, de entrada, en el campo ampliado de la imagen (y no sólo de la fotografía) y también de ser posiblemente más reactivo que ciertas instituciones más pesadas.

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Agosto 28, 2005

El esplendor de la era «Aquarius» - José Manuel Costa

A propósito de «SUMMER OF LOVE», en la Tate de Liverpool. Originalmente publicado en | ABCD las artes y las letras |

summer.jpg«¿Vas a Liverpool? No hay mucho Arte allí». Me advertía un amigo mientras paseábamos por Open Systems, Rethinking Art c. 1970, en la Tate Modern de Londres, llena de objetos anti-Arte que han acabado siendo Gran Arte. Al día siguiente, y en la ciudad negrera por antonomasia (suerte que nacieron los Beatles para difuminar esa lacra), la división liverpooliana de esa misma Tate abría sus puertas a un paseo por el Summer Of Love (el de 1967), aquella corta fase de la cultura en la que el arte popular, aplicado ?o como quiera llamársele? ocupó el panorama de lo visual, no tanto por su «dominancia» cuanto por su innegable novedad y su intencionada estridencia. Un panorama seguramente algo distorsionado e impredecible. No en vano, esto se llamó psicodelia.

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Julio 16, 2005

Entrevista con Hal Foster - Anna María Guasch

Reenviamos entrevista con Hal Foster. Originalmente publicada en | ABCD las artes y las letras |

El pasado mes de junio, Hal Foster participó en el seminario Problemas en el arte y arquitectura de la contemporaneidad organizado por el Cendeac (Centro de Documentación y Estudios Avanzados de Arte Contemporáneo de Murcia). En él, Foster, Profesor de Arte y Arqueología de la Universidad de Princeton, y, sin duda, una de las figuras más reconocidas en el ámbito de la teoría y crítica de arte contemporáneas, resumió algunas de las cuestiones de mayor actualidad.

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Junio 29, 2005

ENTREVISTA con John Berger

Reenviamos esta entrevista de JOSÉ ANDRÉS ROJO a propósito de la exposición de Juan Muñoz en Casa Encendida, Madrid. Originalmente publicada en ELPAIS.es

berger.jpgJuan Muñoz murió el 28 de agosto de 2001 en Santa Eulalia (Ibiza). Tenía 48 años. Han pasado por tanto casi cuatro años desde la desaparición de uno de los artistas más originales del panorama internacional, cuya obra fue reconocida y admirada mucho antes fuera que dentro de su país de origen, España. La Casa Encendida inauguró el 16 de marzo una antología que muestra la variedad de sus registros y que revela el extraño mundo de emociones y de ideas que alimentó su trabajo. El novelista, dramaturgo y crítico de arte John Berger (Londres, 1926) ha venido a Madrid para volver a acordarse de su amigo, y para cerrar con broche de oro la muestra. El viernes, el sábado y el domingo intervendrá en la performance que ambos titularon Will it be a Likeness? (¿Será un retrato?), que se representó en Francfort en 1996 y que dirigió Juan Muñoz (con Tom Stromberg) sobre un texto del propio Berger. La versión radiofónica de la propuesta, que se emitió en la Heissischer Rundfunk y la BBC al mismo tiempo en que se representaba, se puede escuchar en una de las salas de la exposición.

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Junio 26, 2005

Okwui Enwezor dirigirá la segunda Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla

El nigeriano Okwui Enwezor, ha sido designado como director técnico de la segunda Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla (Biacs2). Sucede en el puesto al recientemente fallecido Harald Szeemann. Enwezor nació en Kalaba (Nigeria) en 1963 y acaba de ser nombrado co-director del nuevo Centro para la Práctica Pública del Art Institute de San Francisco. Fue además director artístico de Documenta 11 en 2002. En palabras del presidente de la Fundación Biacs, Fernando Franco, «queremos que con con la Biacs2 la ciudad vibre», y además señaló que Ewenzor responde a la idea de «globalización y contraste de culturas que se pretende».
Noticia recogida de abc.es

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Junio 25, 2005

Picasso debe estar en el Reina Sofía - Entrevista con Ana Martínez de Aguilar

Reenviamos entrevista con Ana Martinez de Aguilar aparecida en abc.es| CULTURA

Ha tardado más de un año en conceder entrevistas. Y había demasiadas preguntas en el cajón. Desde su propio nombramiento y el de la subdirectora, hasta su Plan Museológico... todo ha sido muy discutido. Martínez de Aguilar entona un «mea culpa» y reconoce errores y equivocaciones MADRID. A la espera de comparecer en el Congreso, a petición del PP, para explicar su polémico Plan Museológico, y tras el éxito de la exposición de Gris, Ana Martínez de Aguilar habla de su gestión al frente del museo, donde brillan más las sombras que las luces.

-Su nombramiento, el Plan Museológico... han estado envueltos en polémica. ¿A qué lo achaca?
-Lógicamente tienen que surgir distintas opiniones. Yo me precio de ser una persona independiente. No he militado en partidos, no soy nada gremial. Y eso no es fácil de asimilar a veces. Un puesto de tanta trascendencia y envergadura genera expectación. Son el tiempo y las realizaciones los que hacen que los juicios sean más acertados o no.

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ENTREVISTA: Ana Martínez de Aguilar - F. SAMANIEGO

Renviamos entrevista con la directora del Reina Sofía publicada en EL PAÍS - Cultura - 25-06-2005

aguilar.jpgAna Martínez de Aguilar, de 50 años, cumplió el 8 de junio su primer aniversario como directora del Museo Nacional Reina Sofía, de Madrid. El día anterior, ante la ministra de Cultura, Carmen Calvo, explicó a los medios y a los 400 trabajadores del centro su proyecto museológico, con la reordenación de la colección permanente en el edificio Sabatini, el avance del programa de exposiciones hasta 2008 y la apertura en septiembre de la ampliación en el edificio Nouvel. Ayer recibió a los periodistas para comentar el efecto de sus propuestas en el mundo del arte y reafirmarse en los nuevos planteamientos de la colección, con una revisión histórica de sus núcleos fundamentales y el compromiso con el presente, desde los años ochenta. "No me gusta la cultura espectáculo y estoy en contra del museo como parque temático. Prefiero el museo como lugar de disfrute y conocimiento".

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Junio 18, 2005

La bienal de bienales - Miguel Cereceda

Reseña de la Bienal de Venecia, originalmente publicada en

abc.es | ABCD las artes y las letras

Todo se ha confabulado para que la Bienal de Venecia sea un éxito. A la alegría inicial de que, por primera vez en la Historia, los responsables generales sean dos mujeres, debe unirse la alegría de que sean precisamente españolas -dos profesionales de gran prestigio y consolidada experiencia internacional como María Corral y Rosa Martínez- las designadas para desarrollar el programa expositivo de la muestra internacional de arte contemporáneo más importante del mundo. Si a eso le añadimos que sus propuestas no sólo han sido coherentes y bien pensadas, sino también expuestas con considerable claridad y limpieza, y que este año hasta el clima ha querido acompañarnos durante la inauguración, es forzoso reconocer que hay sobrados motivos para estar de enhorabuena.

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Junio 15, 2005

“Quiero hacer del pabellón español un lugar de debate” - Javier HONTORIA

Entrevista con Muntadas, a propósito de su participación en la Bienal de Venecia. Originalmente publicada en El Cultural de El Mundo

Como viene siendo habitual, los artistas que participan en el pabellón español de Venecia se muestran reacios a enseñar previamente sus cartas. Si en 2003 Santiago Sierra quiso jugar con el factor sorpresa –más que justificado, visto lo visto–, Muntadas apela a una idea central en su trayectoria artística, esa idea de proceso, de un proyecto que se dilata en el tiempo, siempre en el marco de la relación entre el arte y los media. Así que lo que presenta a partir de hoy en el pabellón español se inscribe en su proyecto On Translation, iniciado en 1995, y del que ya nos ha mostrado un buen número de entregas. En todas ellas, el artista catalán adapta su creación artística al ámbito de la traducción, o mejor, al intercambio sistemático de ideas.

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Junio 05, 2005

el «aAbanderado» Antoni Muntadas - Anna Maria Guasch

Reenviamos el análisis de la participación de Muntadas en el Pabellón español de la Bienal de Venecia. Originalmente publicado en ABCD las artes y las letras

El próximo fin de semana, la bienal de venecia abrirá de nuevo sus puertas. El pabellón español será ocupado por antoni muntadas, cuyo proyecto, que diseccionamos en estas páginas de la mano del artista, niega las esencias de esta cita internacional.


Antoni Muntadas tampoco en esta ocasión ha renunciado al work in progress en el que lleva trabajando desde 1995, su macro-proyecto On Translation (con el que participó en otra de las grandes citas internacionales en 1997, la Documenta X de Catherine David, con su Internet Project). En este caso, el «aquí y ahora» de Venecia y, más en concreto, los Giardini como territorio de observación y claro precedente de los parques temáticos con sus metas pseudoculturales han supuesto un nuevo reto en el trabajo de Muntadas basado en la especificidad del lugar y en su reflexión sobre la traducción y los procesos de interpretación y codificación derivados de ésta. En este caso, el pabellón se convertirá en un «laboratorio» desde donde interactúan los diferentes mecanismos significantes que median entre el propio pabellón (lugar-nación), los Giardini (lugar físico, paisajístico y discursivo) y la bienal (lugar-territorio).

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Abril 02, 2005

Nace el Musac, primer museo del presente - F. SAMANIEGO

Marti
Noticia originalmente publicada en EL PAÍS - Cultura - 02-04-2005

El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, Musac, es el primer centro dedicado al arte del presente, con obras de artistas emergentes del cambio de siglo. Los príncipes de Asturias, acompañados por el presidente de la Junta de Castilla y León, Juan Vicente Herrera, inauguraron ayer en León el edificio, proyectado por los arquitectos Emilio Tuñón y Luis Moreno Mansilla, y que ha sido financiado por la Junta de Castilla y León. La primera exposición, Emergencias, reúne obras de 53 artistas del primer catálogo de la colección, que en los últimos dos años se ha formado con 700 piezas de 153 autores. Dentro de 10 años estará formada una colección de museo que ofrecerá una visión del arte en el cambio de los siglos XX y XXI.

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Marzo 25, 2005

Un museo del presente  - FIETTA JARQUE

Reenviamos el artículo de FIETTA JARQUE sobre el MUSAC, originalmente publicado en BABELIA el 26-03-2005

Musac
El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (Musac), que se inaugura el próximo viernes en León, se propone ante todo ser testigo de su época y mostrar las creaciones producidas durante el cambio de milenio. Una colección de 900 obras de 153 artistas -la mitad de ellos españoles- es la primera entrega de un proyecto con el objetivo de hacer historia al andar.

Un imponente edificio de fachada multicolor y más de 21.000 metros cuadrados parece mucho museo para una ciudad como León, en la que el arte contemporáneo es una asignatura pendiente. El director del Musac, Rafael Doctor (Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 1966) no ve en esto mayor problema porque parte del proyecto consiste en atraer al público local y de ciudades cercanas con guías permanentes para la visita y actividades para acercar el arte contemporáneo a la gente. "A muchos les parece incomprensible el arte actual, pero la mayoría de las obras son muy fáciles de entender, aunque a veces hace falta una explicación", afirma Doctor. "Por eso hemos editado también un libro que explica pieza a pieza la colección y quién es cada artista".

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Marzo 13, 2005

'Desacuerdos': el eterno retorno  - Angela Molina

REENVIAMOS esta interesante conversación entre 4 artistas participantes en "Desacuerdos", publicada en BABELIA - 12-03-2005

La entradilla que le ponen en Babelia no deja de tener su miga: ¿es posible una contradicción tan flagrante en tan solo 2 frases? léase:

"Fuera del circuito más convencional de los museos y centros de arte, se plantea un proyecto de discusión teórica sobre los modelos historiográficos que han dominado la escena artística española de las tres últimas décadas. Desacuerdos. Sobre arte, políticas y esfera pública en el Estado español es también una exposición que se desarrolla en el Macba y en el Centro José Guerrero de Granada. Babelia ha convocado a cuatro artistas para discutir sobre el tema de la muestra".

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Marzo 09, 2005

Corral y Martínez prometen una Bienal veneciana "sin ruidos ni repeticiones"  

Reenviamos artículo de JESÚS RUIZ MANTILLA en
ELPAIS.es - edición impresa - Cultura publicado originalmente el 9-03-2005

El regreso de los españoles.

Pretenden que sea un cruce, "un roce, un encuentro festivo", en palabras de Rosa Martínez, que junto a María Corral han organizado las dos grandes exposiciones de la 51ª Bienal de Venecia, una de las concentraciones creativas más importantes del mundo que reunirá a 73 países, y en la que también se estrenarán tres óperas españolas, de Luis de Pablo, Jesús Rueda y José Manuel López López. Corral se ha encargado del presente, con su exposición La experiencia del arte, en la que reivindicará "el placer junto a la reflexión", y Martínez, del futuro, con su muestra Siempre un poco más lejos.

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Marzo 05, 2005

Los límites entre arte y no-arte - FIETTA JARQUE

CORRALMARTINEZ.jpgREENVIAMOS una entrevista de FIETTA JARQUE con María Corral y Rosa Martínez, a propósito de su proyecto para la BIENAL DE VENEZIA 2006

Publicado originalmente en BABELIA el 5 de Marzo de 2005

Hace sólo cinco meses que se dio la noticia de que dos españolas serán las comisarias de la exposición internacional en la 51ª edición de la Bienal de Venecia, que se desarrollará del 12 de junio al 6 de noviembre próximos. Ellas empezarán esta semana a presentar su programa en distintas ciudades. María de Corral y Rosa Martínez explicaron a Babelia algunas de las líneas generales de sus respectivos proyectos y las ideas que tienen sobre el mundo del arte hoy.

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