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Julio 16, 2006

En el país de Alicia - Javier Montes

Originalmente en abc.es

No mucha gente sabe que el Atomium es un trabajo de Marcel Broodthaers. Por lo menos, una pequeña parte, y de la forma más literal posible. En 1957 el artista, como buen belga, se alistó voluntario en las obras de construcción del edificio-emblema de la Exposición Universal de Bruselas de 1958. «Habría que haber llamado Moleculium al Atomium -escribió luego al contar su experimento-, porque representa, monstruosamente agrandada, la imagen de una estructura molecular. Creo que la intención de sus promotores fue la de construir un símbolo. Es el reflejo de un gusto de nuestra época. Este objeto inmenso habla más a nuestra imaginación que nuestra razón. Forma parte de nuestra imaginería moderna, genialmente intuida por Julio Verne. El romanticismo del XIX contenía ya ese elemento fantástico que hoy se confunde con la realidad científica. ¡Qué singular asociación de palabras: ciencia-ficción! Sobre este maravilloso juego de malabarismo uno cree estar a bordo de un barco o de un globo».

Casi medio siglo después, Alicia Framis recordaba una impresión idéntica después de pasar una noche a solas en la esfera del Atomium que debía remodelar antes de la reinauguración del «edificio» -usemos la palabra a falta de otra mejor- a bombo y platillo en febrero de este año: «Lo que no me esperaba es que el Atomium se mueve igual que un barco, una sensación realmente extraña, estar tan alto, en el aire, y sentirte como en un barco». Por caminos distintos, Broodthaers y Framis han acabado percibiendo de forma similar el carácter desaforadamente romántico -digno de un Piranesi del siglo XXI- del Atomium y su potencia como símbolo de la modernidad. O como broma irónicamente desmesurada a su costa. Por algo Alicia Framis pensó también en las películas de Jacques Tati al pasear por su interior. Al fin y al cabo, tal vez sea el Monsieur Hulot de Mi tío el último de los románticos a la antigua usanza, perplejo ante la parafernalia de la era atómica.

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Matta-Clark construcción y fractura - José MARIN MEDINA

Originalmente en EL CULTURAL

Para decir algo que sea auténticamente nuevo, es preciso inventar nuevas palabras, denominaciones inéditas, un nuevo lenguaje. En la pasión de esa doble urgencia innovadora se produjo la sección fundamental de la escultura de la década de 1970. Fueron años marcados, de una parte, por el concepto de reducción estructural, por los sistemas modulares, por los problemas de escala, por los efectos de presencia, por la relación del arte con el mundo tecnológico y la máquina, por la creación de ambientes, por la aspiración al espacio total, por las connotaciones desfuncionalizadas y por el ejercicio de la crítica social derivados del arte minimalista así como, de otra parte, por las formas y acciones inéditas surgidas del arte de comportamiento (body art), e igualmente por el empleo analítico y –a veces– tautológico del lenguaje (desde el principio de “el arte como idea”), promovido por el conceptualismo. Una de las figuras que vivió más intensamente y que representa mejor la complejidad de aquel tiempo y el particular ambiente deslizante ocasionado por los frecuentes cruces de caminos estéticos, los cuales configuraban una época carente de “un” estilo global propio, fue Gordon Matta-Clark, nacido en 1943 en Nueva York, donde moriría de cáncer en plena juventud en 1978. De aquella vivencia personal –experimentada a tumba abierta, entre Nueva York y París– y de aquella atmósfera tan compleja y especial da fe esta exposición verdaderamente importante que el Reina Sofía dedica a la memoria y a la vigencia de este escultor y arquitecto neoyorkino, hijo del también arquitecto y pintor surrealista chileno Roberto Matta.

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Julio 09, 2006

¡Anímate un poco! - Anna María Guasch

Originalmente en abc.es

Ya en la última Bienal de Venecia, en la muestra La experiencia del arte comisariada por María de Corral, una de las piezas que gozó de unánime aceptación por parte del público fue la vídeo-proyección un tanto inclasificable del artista sudafricano William Kentridge Journey to the Moon, la misma pieza que ahora abre la exposición Historias animadas, y que hasta cierto modo sirve para «bautizar» esta nueva modalidad de cine a caballo entre el arte, la cultura popular y el documento: la del cine animado incluyendo las más recientes tecnologías digitales, desde la imagen de síntesis en 3-D, a las técnicas híbridas que incluyen el compositing o el dibujo animado digital. Y si bien Kentridge puede considerarse un pionero -con una obra que es además todo un homenaje al creador de este género, el cineasta Georges Méliès, que en 1902, en El viaje a la Luna, usó por primera vez trucos para hacer aparecer y desaparecer objetos-, la muestra presenta otros muchos y bien seleccionados ejemplos de este intento de incorporar ilusionismo, fantasía y escenografía teatral a las estrategias documentales: Benoit Broisat, Kota Ezawa, Ruth Gómez, Sheila M. Sofian, Lev Yilmaz y, en especial, Carlos Amorales (con su obra Espejo oscuro, una vídeo-proyección de dos canales, claro homenaje a la primera época del cine de animación que -recordémoslo- fue anterior a la primera película de cine de los Lumière) son algunos de los artistas escogidos por los comisarios para explorar la cualidad narrativa del cine que no retrata la realidad, sino que más bien la recrea y la inventa.

Nada es lo que parece.
En esta particular batalla contra las formas de representación unidas al parecido, la «analogía» y las estrategias documentales basadas en la idea de transparencia, credibilidad y certeza sobresalen, por ejemplo, obras como las de Benoit Broisat (Plaza Franz Listz, París, 2006) o Shelley Eshkar y Paul Kaiser (Pedestrian, 2002), en las que la cotidianeidad de espacios públicos recorridos por transeúntes aparece constantemente transgredida por elementos de una inquietante extrañeza que rayan lo irreal y, más directamente, lo uncanny.

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Adrian Tyler, aforismo de fantasmas - Abel H. POZUELO

ORIGINALMENTE EN EL CULTURAL

El hogar es una reliquia de nuestro pasado como sociedad. Un aforismo escrito por fantasmas que aún recuerdan algunos. En torno al fuego del hogar, el espíritu de las cosas en transformación y del tiempo, se movía gran parte de la existencia humana. El hogar era cruce animista, social, familiar y terrenal. Quizá por ello, pocas cosas son más dulcemente aterradoras que la visión de un antiguo hogar abandonado. Cualquiera que haya pisado la ruina de una casa vieja y desertada es capaz de percibir sin demasiado esfuerzo romántico ni testimonios costumbristas el calor de sus paredes negras, la grasa y el agua derramándose, olor de madera quemada durante siglos. Algo se conmueve, algo se espanta en su frío y su polvo. Algo se reconoce y sirve de espejo.

En esta serie de imágenes de Adrian Tyler (1963), el hogar es el afortunado leitmotiv que nos lleva a profundizar más allá del simple recorrido con la vista. El fotógrafo británico, aunque afincado en Madrid, muestra en esta serie el resultado de un viaje a las islas Hébridas, al norte de Escocia. Un viaje múltiple.

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Julio 01, 2006

Testigos: nuevos aires sobre arte-naturaleza - José MARIN MEDINA

Originalmente en EL CULTURAL

Abierta en 2001 en una dehesa de Vejer de la Frontera, Cádiz, la Fundación Montenmedio Arte Contemporáneo (NMAC) desarrolla actividades sobre escultura, intervenciones arquitectónicas e instalaciones al aire libre, con proyectos específicos y realizados in situ. Invita a artistas internacionales, tanto emergentes como reconocidos (como Sol Lewitt, Marina Abramovic, Olaffur Eliasson, Richard Nonas, Huang Young Ping, Santiago Sierra, Pilar Albarracín, Ester Partegàs, Alicia Framis y Fernando Sánchez Castillo), artistas que residen un tiempo en el parque y con cuyas realizaciones se celebran exposiciones bienales. La fundación adquiere parte de las obras para su colección. Además de su programa expositivo, visitas guiadas y talleres didácticos, la NMAC mantiene relaciones con los centros de arte-naturaleza que hoy hay en Europa (unos setenta), y coordina proyectos del programa Cultura 2000 de la Comisión Europea.

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Junio 24, 2006

Experimentar la naturaleza - ALBERTO MARTÍN

Originalmente en ELPAIS.es

Suele apuntarse que los trabajos fotográficos de Olafur Eliasson (Copenhague, 1967) son en cierta medida apuntes o esbozos para el desarrollo posterior de sus instalaciones, y, probablemente, el hecho de que no muestre simultáneamente ambos tipos de propuestas redunde en dicha apreciación. Pero sus series fotográficas, generosamente representadas en esta exposición, muestran una autonomía y un interés absolutamente destacable dentro de su producción artística, configurando en la actualidad uno de los tratamientos más complejos de la representación de la naturaleza a través de la imagen.

Eliasson viaja regularmente a Islandia, país con el que mantiene una estrecha relación, y recorre su territorio tomando imágenes de elementos característicos del paisaje y de sus formaciones geológicas con las que posteriormente elabora sus obras. Ahí residen, de entrada, dos componentes esenciales de su trabajo fotográfico. Por un lado, y reelaborando algunos de los presupuestos del land-art, su propuesta parte de una experiencia del territorio, la experiencia física que supone trabajar en la naturaleza, el tiempo del recorrido, el esfuerzo en la localización y la implicación del observador en la construcción de un punto de vista (algo especialmente visible en obras como Serie de caminos o Serie de Alftawatn en primer plano).

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Junio 14, 2006

¿Lo ves o no lo ves? - Anna María Guasch

Originalmente en abc.es

Pocas veces como en ésta se produce una confluencia tan clara de ideas e intereses de un artista, por un lado, y, por otro, de la voluntad y vocación de un centro expositor. La integración que ha logrado esta nueva versión de las cabanes éclatées de Daniel Buren y el Espai de Castellón es el mejor ejemplo de que, contra lo que algunos creían, el concepto de «pintura expandida» que formulaba Buren en los años ochenta no es un proyecto obsoleto ni están agotadas sus premisas fundacionales.

De hecho, ya desde la primera presentación de este tipo de trabajos en 1984 ?con construcciones todavía bastante simples en las que plafones de contrachapado servían para colocar telas de bandas verticales blancas y azules?, Daniel Buren ha ido concibiendo cada una de sus «cabañas» a modo de manifiesto que resumía su manera de entender el hecho pictórico tras su experiencia BMPT y su crítica a los conceptos de ilusionismo, expresión, subjetividad, oficio, estética y mensaje. A partir de esos momentos, lo más importante era el trabajo del artista y su relación con el taller (o de la ausencia de taller), siguiendo la tradición situacionista de formular una crítica a las instituciones, al museo y al medio artístico (lo que se conoce como crítica institucional).

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Mayo 27, 2006

Axel Hütte: «Soy un viajero en el tiempo y en el espacio» - Javier Díaz -Guardiola.

Originalmente en abc.es

La «nueva fotografía alemana» tuvo en Axel Hütte (Esen, 1951) a uno de sus máximos exponentes. Con el tiempo, sus intereses más objetivos y racionalistas han dado paso a una fotografía más reflexiva en la que lo real y lo imaginario se confunden y lo subjetivo tiene la última palabra. Viajero infatigable, sus paisajes le han hecho famoso en todo el mundo (el mismo que ha recorrido de cabo a rabo). Hütte vuelve a Madrid, a su galería Helga de Alvear, con la muestra North / South (Norte / Sur), un juego de contrastes en el que también se diluyen las fronteras entre géneros.

La exposición del Palacio de Velázquez en Madrid hace un par de años le permitió reencontrarse con la ciudad y con su público. ¿Se prepara entonces de otra manera una segunda individual?
Yo no reflexiono sobre la percepción del público en cada país, sino que pienso más en la percepción en general. Marcel Duchamp dijo una vez: «El cuadro en realidad se hace en el ojo del espectador». También mi obra tiene que ver con la percepción. Mi trabajo no cuenta una historia por medio de la foto, sino que la fotografía se utiliza como base para la imaginación del espectador. Por eso tengo que decir que, con respecto a esto, estoy totalmente de acuerdo con Duchamp.

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Construcciones para la mente - Arnau Puig

Originalmente en abc.es

Ante los espacios luminosos y en movimiento de Chema Alvargonzález (Jerez de la Frontera, 1960), conseguidos mediante recursos fotográficos y digitales, uno ha de preguntarse de nuevo acerca de los límites de la fotografía y del pretendido objetivismo que se creyó la caracterizaba. Hemos asumido muy bien que en la actualidad el objetivo fotográfico capta como un ojo humano, es decir, con sentido, y actúa, además, como un pincel o un cincel en manos de quien los maneja; en la foto hay lo que la sensibilidad quiere o piensa percibir. Hasta aquí, de acuerdo; pero cuando lo que aparece en la foto plantea la cuestión de la objetividad, quizá tengamos que reflexionar de nuevo acerca de aquello a lo que atribuíamos la realidad. ¿Hay una realidad que sustenta la foto, o bien la pretendida realidad no es más que la ocasión para desencadenar un proceso imaginario? Aquí hemos de recoger algo de lo que apunta verbalmente Alvargonzález: que él muestra en sus fotos, además de la imagen, la memoria que ésta lleva asociada; que la foto es objetiva y subjetiva al mismo tiempo. Pero, ¿qué memoria desvelan las imágenes así obtenidas, la personal, la histórica, o bien aquel otro matiz que atraía la atención de los surrealistas: la evocación, el delirio, o el subconsciente reprimido? Creemos que ahí se plantea la cuestión de las fotos luminosas y cajas dinámicas que ahora nos propone el artista.

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Beth Moysés: Cómo cambiar el amor - Pilar RIBAL

Originalmente en EL CULTURAL

El traje de novia, símbolo de esperanza de una felicidad a menudo fracasada, es prácticamente inseparable del trabajo de Beth Moysés (Brasilia, 1960). Igual que sus acciones con mujeres maltratadas que vuelven a vestirse de blanco –con los trajes que usaron el día de la boda– para experimentar ese afecto fracasado que las retiene y liga su memoria a un sueño que no fue. No es casual que su trabajo en la Comisaría de la Mujer en Brasil durante un año, orientara la obra de Moysés hacia esos derroteros, y que tratara de dar voz a esas mujeres que silenciaban su maltrato por vergüenza y que ella misma conoció. La utilización del bordado y de objetos procedentes del ajuar de novia se relaciona directamente con ese deseo de redención de la condición femenina a través de la liberación del vínculo sentimental que estos ejemplifican. Pero todo ese complejo mundo de sentimientos, que halla su medio natural en esa acción en vivo a la que nos introducen videos como Memoria del afecto (2002), queda un tanto descontextualizado cuando las piezas se integran en un espacio museístico. Incluso el Espai Quatre queda convertido en una especie de almacén de silencios y frustraciones, en un depósito de vivencias que nos es vedado compartir por hallarnos confinados a la distancia que impone la observación. Sí podemos, no obstante, entablar un contacto más directo con todas esas historias individuales que integran el relato colectivo Cómo cambiar el amor, tomando en nuestras manos los pañuelos delicadamente bordados con mensajes que la artista ha depositado en los muros de la sala. Es esa intimidad compartida la que sin duda provoca nuestra empatía, al situarnos entre lo propio y lo ajeno que es siempre sinónimo de comunicación.

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Mayo 25, 2006

Cool Drama. La nocturna experiencia del hundimiento en Avelino Sala - Jose Luis Corazón Ardura

La ficción publicitaria que Avelino Sala inició con su proyecto surfista La espera (2004), en paralelo a su trabajo como creador de la revista Sublime y como videoartista, escultor, dibujante, pintor, comisario o crítico de arte, continúa en una nueva invención mediática, titulada irónicamente Cool Drama. El drama es un género literario que pertenece más a lo teatral y a la acción de la pesantez sobre la vida del héroe que desconoce lo que le va a ocurrir, mientras todos aguardan un desenlace previsible. Es una situación tan natural que de repente aparece cuando menos lo esperamos, es el caso del hundimiento de las ideologías, la caída de los muros, el derrocamiento de los ídolos o el desfondamiento ético. En cualquier caso, la parte cool del drama es que todo vuelve a repetirse, aspirando a la emergencia provocada por una ironía maliciosa.

Si Avelino Sala ha intervenido desde hace tiempo en el paisaje mediante una reflexión del vacío propiciada por una escultura ingrávida con la intrusión de perros vigilantes o con figuras como el Ícaro extrañado que cae en un acantilado, ahora le ha llegado el espíritu de la pesantez y la experiencia de un hundimiento que no sólo espera la ola perfecta, sino también otros lugares como el fondo de un mar metafórico y subliminal al que se llega arrastrando una tabla de valores pesada y aparentemente inútil. Este esfuerzo heroico que propone la tarea del arte como una actitud vital, muestra que las apariencias engañan y en consecuencia llega lo inesperado. La marca registrada en la playa es el resto de una acción tragicómica, porque nadie espera que los valores se hundan con la propia tabla, esta inversión es el peligroso acceso que nos sumerge en un espacio acuático que se quiere aislado de todo. Un arte que ya no busca sólo en la superficie sino en la profundidad en donde somos conscientes de la continuidad del vacío, donde el vacío termina por tomar cuerpo. Por otro lado, Avelino Sala presenta una reflexión acerca de la aparente escisión entre el arte y el diseño, para hablar del lugar donde podemos distinguirlos, entre los objetos que poseen una utilidad –en este caso, la práctica del surf- y los que son artificialmente inútiles –una tabla que se va a hundir con seguridad-, pero que van a conducir a una experiencia del hundimiento del pensar. Es decir, se trata de marcar una diferencia entre los objetos, registrando así que lo que hace que algo sea arte está vinculado, más que a su apariencia engañosa, al uso que paradójicamente hagamos de ello.

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Mayo 24, 2006

Sandison, mundo, sujeto y lenguaje - Ramón ESPARZA

Sobre Charles Sandison, The Reading Room, en Koldo Mitxelena. Originalmente en EL CULTURAL

El llamado giro lingüístico, la consciencia de que no poseemos el lenguaje, sino que somos poseídos por él, que la lengua estructura y determina nuestro conocimiento del mundo, fue una idea de consecuencias paralelas al otro gran giro del conocimiento humano: el que determinó Copérnico al establecer que la Tierra no era el centro del Universo. La Enciclopedia de Diderot fue el intento del racionalismo de encerrar todo el mundo en el lenguaje, de hacerlo cognoscible mediante una herramienta que se considera transparente, pero hoy día sabemos que no es así, que es el lenguaje el que nos rodea, el que envuelve todo: a nosotros y a nuestra idea del mundo. Las palabras no son sólo signos, también modelos cognitivos. Benjamín Whorf señala que los individuos que utilizan gramáticas diferentes se ven dirigidos por ellas hacia tipos de observación diferentes y a evaluaciones distintas de actos de observación similares.

Toda la obra de Charles Sandison se plantea en torno a esta relación entre lenguaje, mundo e individuo. Y encuentra un entorno apropiado como pocos en el edificio que ocupa el centro Koldo Mitxelena dedicado, en su mayor parte, a albergar una biblioteca, con la sala de exposiciones situada en la planta de sótano, con dos patios de luces que permiten desde ella ver las estanterías cubiertas de libros. Las reflexiones de Sandison sobre la relación entre el mundo y el lenguaje se refuerzan al plantearse en una sala sobre la cual se almacenan miles de libros

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Mayo 14, 2006

Respirar-Una mujer espejo - JUAN JOSÉ SANTOS

Tras el complicado aunque sugerente título Respirar-Una mujer espejo se esconde el último proyecto multidisciplinar de la coreana Kimsooja (1957). Atrás quedan sus vídeos y sus bottari (telas con los que envuelve ropas u otros objetos). Ahora su interés se centra en una idea que exige más que nunca la participación del espectador, una instalación que gravita en la franja que separa el arte conceptual del ocio más accesible.

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La revolución de los círculos negros - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en Babelia

El envoltorio es un pensamiento, pura jouissance, espacio del significante, transporte. Paquete vaciado, no vacío. Abstracción visible. El museo, ese gran símbolo de la cultura visual que regula la semántica de la historia, ha convertido la cáscara en pura voluptuosidad, una membrana que rompe el infinito vicioso de los cuerpos sonoros transformados en fetiche. Nada de sentido, nada de metáfora. Sólo la forma pura. Bienvenidos a la verdad del Zen.

La mirada erotizada por la fantasmagoría encuentra en Vinilo. Discos y carátulas de artistas su marco. Detrás de él no hay nada; y sin embargo, las 750 fundas de disco de 33 revoluciones por minuto que se exponen en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba) desbaratan la propia idea de exhibición. El museo como paisaje que escucha. Pero, ¿dónde está la música? ¿Dónde hacer girar los círculos negros? ¿Dónde se esconde el objeto con aura, lo gracioso, lo gratuito de la obra artística? Aquí no hay trampa, pero sí cartón.

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Daniel Buren, un espíritu rebelde - José Luis CLEMENTE

Originalmente en EL CULTURAL

Las cabañas de cerámica y espejo consiste en un contundente proyecto concebido por Daniel Buren para el Espai d’Arte Contemporani de Castellón, mediante el que trata de abundar en una de las ideas que ha vertebrado su trabajo: el cuestionamiento del museo como estructura ideológica y social. Para ello, Buren ha hecho construir seis grandes cubículos que, entrelazados, se apoderan del espacio expositivo, provocando en él una explosiva disfunción y la ruina de su funcional arquitectura. Este proyecto que se deriva de intervenciones similares, ideadas como cabanes éclatés (cabañas explosionadas), presenta el atractivo de introducir, como novedad, el uso de piezas de cerámica, en sustitución de la pintura y plásticos con los que ha trabajado antes.

Tras abandonar el caballete, Buren formó junto a Mosset, Parmentier y Toroni el grupo BMPT. Con el grupo fraguó una alternativa a los modelos impuestos por la figuración narrativa, proponiendo un modo de actuación artística coincidente con el Situcionismo. Así, antepuso al arte representacional toda forma de posición política, invalidando la idea de creación y desluciendo el aura de la obra de arte, para promover la crítica a los museos, instituciones y al medio artístico. Esta comprometida posición –común entre una nueva generación de artistas vinculada entonces al arte conceptual– definiría su estrategia fuera del marco de la pintura, hasta reducir todo el contenido pictórico a franjas de color verticales de 8,7 cm. de ancho, situadas sobre cualquier superficie. Desde ese momento, las franjas de color de repetición invariable, en línea con el más depurado Ad Reinhardt, han fundamentado su proceso de trabajo. Sin embargo, negando con ello toda posibilidad de evolución estilística, y neutralizando el carácter vocacional del artista, cabe preguntarse ahora si, con el paso del tiempo, paradójicamente no se ha convertido, esa misma estrategia de negación, en la afirmación última de su propio estilo y señal identitaria.

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Mayo 06, 2006

La angustia de la influencia - CARLOS JIMÉNEZ

Originalmente en Babelia

"La angustia de las influencias" podría ser el nombre o el resumen de lo que se me quedó en la cabeza cuando concluí mi visita a la gran exposición que Bernardí Roig celebra actualmente en DA2 de Salamanca. Y no porque yo me angustie mucho por las influencias ni porque crea que él sea especialmente víctima de ese mal -anunciado o denunciado in illo tempore por el crítico norteamericano Harold Rosenberg-, sino porque hay muchos críticos y aficionados que cuando ven su obra piensan inmediatamente en la de Juan Muñoz como un antecedente, una referencia ineludible o una influencia aplastante. Cierto: no les falta del todo asidero a esta clase de comentarios que se han vuelto insistentes e inclusive insolentes desde cuando Roig abandonó hace años la pintura para concentrarse en los terrenos del objeto, la escultura y la instalación.

La huella de Juan Muñoz está ahí, en lo que hace, y no vale la pena negarlo. Pero eso de "la huella" puede objetar poco o nada a nadie y más en una coyuntura artística como la actual que podríamos calificar, acogiéndonos al uso y sobre todo al abuso del prefijo pos, como posapropiacionista. Coyuntura signada por el copyleft más que por el copyright, coyuntura consecuente o consecutiva a obras como la de Cindy Sherman, donde eso de la originalidad y la autoría indubitable de los trabajos importan o deberían importarnos poco o nada.

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Abril 29, 2006

Muntadas, el gato y el ratón - José MARIN MEDINA

Originalmente en EL CULTURAL

Las relaciones entre la sociedad de consumo y la práctica del arte han acelerado los ritmos de esa especie de carrera persecutoria que se han marcado entre sí, hasta el punto de que ya no es fácil saber quién corre detrás de quién: si es el gato de la globalización el que persigue al ratón de la actividad artística para neutralizarla, o si son los artistas “sociológicos” quienes tratan de atrapar las imágenes de la propaganda, de los medios de información y de la industria del espectáculo, para relativizarlas, sometiéndolas a la estrategia del distanciamiento. Este arte se propone, ante todo, estimular al espectador –y también al gran público– a una estimación crítica sobre las alternativas de integración y marginación respecto al sistema vigente de valores. ¿Cómo hacerlo?

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Abril 22, 2006

2ª Convocatoria Feedback - Javier HONTORIA

Originalmente en El CULTURAL

Siete han sido los artistas seleccionados en la segunda convocatoria Feedback de Arte Contemporáneo, cuyos trabajos se pueden ver en la galería ArteVeintiuno de Madrid. Destaca, por su rigor y coherencia, la obra de Esther Mañas (1974), Hueco I, Hueco II, Hueco III, un avance con respecto a su obra anterior. Mañas revela una nueva concepción del espacio en la que los elementos de carácter escultórico le otorgan una más amplia dimensión conceptual. La mayor presencia de objetos –cajas de fruta intervenidas pictóricamente– se impone a esa idea ligada al trampantojo y a lo intuido que ha caracterizado su obra hasta el momento.Llaman también la atención los trabajos del zaragozano Enrique Radigales (1970), dibujos digitales en los que un tipo de línea aparentemente fortuita sugiere una frágil figuración sobre un fondo negro rotundo. Se enfrenta así la dureza del contexto a la levedad casi evanescente del trazo. La obra fotográfica de Eva Davidova (1969) sitúa a la figura humana en el centro del discurso de la manipulación digital. Los cuerpos se descontextualizan, hablan a la arquitectura de tu a tu y asisten al paso despiadado del tiempo en imágenes cargadas de extrañamiento. Miguel Ángel Fernández (Albacete, 1976) también habla del tiempo pero lo retiene conciezuda y sistemáticamente en dibujos de marcada raíz abstracta deudores del automatismo. Más inclinadas hacia el concepto del espacio se encuentran las fotografías de Begoña Morea (Zaragoza, 1975) y los collages de Cristina Fontsaré (Barcelona, 1969) mientras el jovencísimo Oliver Añón (1982), también barcelonés, juega, desde una decidida precariedad, con el humor y el absurdo en frescos cortes de vídeo.

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Shoja Azari, tras el cristal - Javier HERNANDO

Originalmente en EL CULTURAL

Las disfunciones psíquicas que generan comportamientos injustos para los demás y que en sus grados extremos pueden derivar en violencia física, psicológica, o en perversiones sexuales; la interiorización de modelos de identidad sexual o étnica aprendidos durante la infancia; la vivencia forzosa de situaciones dolorosas, como la reclusión o la soledad, tienen sus manifestaciones más explícitas en el ámbito privado, o sea, al otro lado del cristal y del muro. Sólo cuando el desquiciamiento del sujeto alcanza cotas máximas, sus acciones pueden suceder en el marco público. Todos los cortometrajes que conforman el proyecto Windows de Shoja Azari abordan alguna de aquellas disfunciones: violencia, incesto, alienación, infidelidad, soledad, reclusión, incomunicación… Y lo hace, como señala el título, situando la cámara delante de la ventana, aunque a veces también al otro lado, o sea en el interior, cuando el evento narrado se hace permeable o se desarrolla simultánea o alternativamente en ambos espacios: público y privado.

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Abril 14, 2006

La ventana indiscreta - Laura Revuelta

Originalmente en abc.es

Shoja Azari proviene del mundo del cine y, contemplando las piezas de la serie que ahora expone, uno no tiene más remedio que recordar el título de una cinta clásica en la historia cinematográfica, La ventana indiscreta, de Hitchcock. No sólo porque este conjunto de nueve vídeos se llame Ventanas (2003-2005) sino además porque lo que descubriremos en estas secuencias son escenas que observamos con una ventana de por medio: de dentro para afuera o de fuera para adentro. En La ventana insdiscreta se presentaba una alegoría del voyeurismo trufada de un truculento sentido del humor, pero al final lo que se resuelve es un crimen. Nosotros cotilleábamos al vecindario a través de los ojos o de la cámara del protagonista apostado junto a un ventanal, y también fisgoneábamos a él, a su novia... Aquí, en la serie de Azari, el ejercicio de voyeurismo no está trufado con aditamento alguno, ni con fina ironía ni con crudo sarcasmo, la crítica es crítica sin mayores ni menores remilgos; bastante cruda. Y los reproches a la sociedad norteamericana, a la sociedad occidental por extensión, resultan tan directos que pueden atragantarnos.
Aunque el origen iraní de Azari y su condición de exiliado político nos pudieran haber llevado a suponer que hacia donde dirigiría su intensa mirada acusadora es a su país de origen ?ahora en el centro de la diana bélica?, no ocurre así, prefiere no recordar su pasado. Algo que le diferencia claramente de los trabajos de su mujer, la también artista y más que reputada, Shirin Neshat. Estados Unidos es su país de adopción y sobre él vierte todas sus decepciones.

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Shoja Azari: «soy un hombre sinidentidad, sin fronteras» - Javier Díaz-Guardiola

Originalmente en abc.es

Es casi su primera vez, pero se encuentra cómodo y distendido. Shoja Azari (Irán, 1958) ha elegido España para escenificar su irrupción definitivo como artista, con la presentación de la serie «Windows» en forma de instalación. Su calidad como cineasta ya está más que comprobada y su entrada en el mundo del arte no está dejando a indiferente. Será porque este hombre de verbo pausado y discurso intenso, exiliado de Irán y desencantado de Occidente, sin perder nunca la esperanza, está acostumbrado a situarse en la frontera.

¿Qué metáfora de la ventana ?como límite, pantalla o frontera? es la que ofrece «Windows»?
Windows hace alusión a todas esas realidades. Quizás la metáfora más evidente para mí sea la de frontera. Las ventanas se relacionan con los muros. Los muros son límites físicos que levantamos frente a nosotros mismos para separarnos unos de otros, y las ventanas son conexiones, aberturas transparentes que necesitamos, aunque luego las cubramos con cortinas. Lo que quiero resaltar es esa imposibilidad absoluta del individuo para esconderse. En la serie hay un vídeo cuya historia se nos cuenta desde un ojo, lo que introduce la idea del voyeurismo. Es una pieza muy importante porque subraya muy bien la idea de metáfora: el ojo es la entrada a los secretos de quien los guarda.

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Abril 13, 2006

Vértigo en tiempos de cambio - Elena VOZMEDIANO

ORIGINALMENTE EN EL CULTURAL

Llega el momento, en el reparto mundial de riqueza y poder, de los gigantes asiáticos, China e India, y podríamos pensar que la creación contemporánea en ambos países va a vivir en breve una explosión similar. En el caso de China, es cierto que el mercado occidental ha demostrado enorme interés por sus artistas desde hace años, y el arte chino actual ha sido objeto de numerosas colectivas en importantes museos y centros: ahora mismo, en el PS1 neoyorquino, The Thirteen: Chinese Video Now; en la Haus der Kulturen der Welt, Berlín, la itinerante Between Past and Future. New Photography and Video from China; en el Davis Museum de Wellesley, On the Edge: Contemporary Chinese Artists Encounter the West; y en el Kunstmuseum de Berna, una selección de una de las mayores colecciones occidentales de arte chino, la de Uli Sigg (1.200 obras). Pero para que el arte chino sea fuerte, debe, sobre todo, consolidar su presencia en el interior. Y eso es algo que ha comenzado a suceder sólo muy recientemente. Hasta principios de los 90 no había mercado nacional, ni apenas centros de arte, ni suficiente información. Hoy hay algunos espacios no gubernamentales, galerías y casas de subastas que prosperan espectacularmente y un proceso de modernización de las enseñanzas artísticas; ciertos museos estatales exponen arte actual y se han establecido la Bienal de Shanghai y la Trienal de Guangzhou, así como la feria de Beijing (que pronto será el mayor evento artístico asiático). Impresionantes logros, pero es sólo un principio. En cuanto a la censura, se dice que ya no se cierran exposiciones, como ocurría hace poco. Si se respetan los mínimos se hace la vista gorda.

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Abril 08, 2006

LA PIEDRA HABITADA - JUAN JOSÉ SANTOS

La última obra de Aitor Ortiz -Bilbao, 1971- habita las salas de la Galería Max Estrella y del Museo Artium de Vitoria de manera simultánea. Y en ambos espacios, el fotógrafo interviene en las paredes haciéndo de su trabajo algo más que una mera exposición de instantáneas.

Al igual que sus paisajes, que son algo más que una simple muestra de volúmenes inmensos, de un juego de luces y sombras. Las imágenes de su serie Muros de Luz generan arquitecturas mentales, sensaciones de aislamiento, frío y misterio.

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Abril 02, 2006

En estado de devenir - Alberto Ruiz de Samaniego

Originalmente en abc.es

«Detente, instante, eres tan bello». El verso goethiano da voz al deseo imposible de capturar un proceso que no se detiene. Hay en él un indudable poso nostálgico, cierta melancolía. La nostalgia entonces que se acomoda como una brisa triste en lo que ha sido, lo que una vez se hizo presente, cierta verdad desaparecida con el instante. La melancolía surge de la aspiración incumplida por proyectar un momento a lo largo del tiempo; por apropiarnos del destino de la Historia que se va conformando a través de la supremacía de un instantáneo autónomo. Nostalgia, melancolía; pero también proyección o tensión vulnerada hacia algo.

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Marzo 25, 2006

La muerte como 'ready-made' - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en Babelia

El símbolo filosófico ya no es la cueva de Platón, ni la isla desierta de Robinson, ni el laberinto recto de Borges. El símbolo del pensamiento del nuevo milenio es una pantalla de vídeo frente a la que nos instalamos de golpe para percibir el mundo. En ella contemplamos sus designaciones posibles, pensamos su sentido, interactuamos. Entramos en una infinita regresión. Nos sentimos atrapados en un anillo de Moebius donde el exterior se confunde con el interior, lo que está fuera está dentro, lo real es sueño y el sueño es real. Levitamos. Vivimos en el cuento de Alicia. El barómetro ni sube ni baja, sino que va a lo largo. Las nubes descargan la lluvia en horizontal. ¡Una máquina de estirar las canciones! Una pantalla de cine, multiplicada, hecha pura superficie, fotograma a fotograma. Psicosis. La escena del horror paralizada y que nos paraliza. La derecha se vuelve izquierda, el espectador es sujeto y objeto. En la contemplación de esa película sin volumen perdemos nuestro nombre, es un espejo que nos refleja y que ahuyenta la falsa profundidad. La canción es la realidad. Tararea, en un tono de peregrino de Canterbury: "Lo que quieres que te diga... Ya estoy muerto".

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Marzo 22, 2006

SOLILOQUIO - M. Mansilla.

Sobre HANAMARO CHAKI

Hanamaro Chaki (1976) nació y creció en Tokio. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Brighton en Inglaterra. Vive y trabaja en Barcelona. Sus últimas exposiciones fueron In-Out en la Sala d´Art Jove de la Generalitat de Catalunya e Irresistible Paint en A&D Gallery de Londres. Aunque han pasado nueve años desde que Hanamaro Chaki (Tokio, 1976) inició su carrera y ha demostrado su talento en ciudades tan diversas como Tokio, Brighton, Londres o Tokio, hay una cualidad que se mantiene, que distingue y singulariza su pintura: la introspección en sí misma.

En Soliloquio, una vez más, Hanamaro nos explica a su manera que la pintura no es una forma ni un uso, sino tan sólo el gesto fruto de una fantasía abierta al recuerdo de una emoción. Las observaciones continuas, pictóricas y poéticas, que componen cada obra de la exposición mantienen el secreto de los momentos de concentración de la artista a lo largo de estos años, de su entrega a las cosas sensibles como una coleccionista obsesiva que se mueve entre lo visible y lo invisible, entre la vigilia y el sueño.

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Metáforas de la opulencia - ROCÍO DE LA VILLA

Sobre la exposicióón de Erwin Wurm The Idiot, en SALA DE EXPOSICIONES CANAL DE ISABEL II MADRID. Originalmente publicada en LA VANGUARDIA DIGITAL

En el vídeo, el Fat Car de mofletes gomosos se lamenta: "Estoy lleno, estoy gordo, soy feo, soy" (Coche Gordo Hablando/ Amo mi Tiempo. No me gusta mi Tiempo, 2003). Al principio fue proyectado dentro de la Fat House. Ese mismo año, como si se tratara de una máquina que alimenta a otra, Wurm produce Fat House Speaking,dotando del mismo discurso ingenuo a su primera obra monumental: "Hay muchas criaturas gordas en el mundo, como animales o plantas, y también hay muchas estructuras gordas en el mundo, como empresas, cuentas, propiedades, fuerzas, ciudades". El trazo de cómic y la expresión infantil, indecisa, no impide que la metáfora sea menos efectiva. Wurm habla del binomio de la opulencia: obesidad y sedentarismo, cuyos ejemplos figurados serían los conductores de ese cinturón de tocino de casas unifamiliares de las periferias que engordan los núcleos urbanos del siglo XXI. En el paroxismo, sus habitantes necesitan tenerlo todo en casa para sentirse seguros. Es impresionante el vídeo de la entrevista a la familia Wohlmuther: sobre el fondo de una casa-despensa hasta los topes, la mujer, profesora de escuela, afirma sin pestañear que llevan "una vida completamente normal", aunque entre sus hábitos se cuente revisar las existencias por la noche y nos asegure que "eso es una muy buena sensación, cuando lo tenemos todo aquí y sobre todo no sólo un paquete, sino dos, tres e incluso mas".

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Marzo 18, 2006

Pureza entre la impureza - Laura Revuelta

Originalmente en abc.es

Por muy improbable que parezca y aunque pocos se lo crean, con los agitados vientos que soplan, apetece hablar bien del Museo Reina Sofía. Toca ser positivo. Sobre todo porque la crítica no siempre nace de la obsesión fulminante sino del deseo de que este espacio recién remodelado por Jean Nouvel despegue de una vez para colocarse donde le corresponde después de tantos y prolongados vaivenes. Más allá de sucesos de diversa índole y catadura lo que realmente ha clamado al cielo es el pésimo programa de exposiciones, que al cabo, perdonen que lo recuerde, es lo que define si un museo da la talla o no frente a tantas instituciones nacionales e internacionales. Aunque también los sucesos de fondo hacen ruido, mucho ruido, y al final, ya les digo, pocas nueces. Desde la aclamada por unanimidad -hasta por parte del público en sus comentarios (soy testigo)-, como pésima muestra sobre el conceptual español y sus asuntos hasta la del Quijote revisitado por los artistas contemporáneos, el panorama del Museo Reina Sofía ha sido demoledor para cualquier alma y cuerpo con ganas de todo menos de jota.

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Con un cuerpo insoportable - Anna María Guasch

Originalmente en abc.es

Gloria Moure, en esta individual del artista fílmico norteamericano Paul Sharits (1943-1993), la primera que se realiza en España, insiste en el carácter innovador de este creador que, en una poco habitual trayectoria desde la pintura al cine, realizó a lo largo de los años sesenta y setenta algunas de las más notables aportaciones a este medio: los Flicker Films (filmes parpadeo) ?que le llevaron a ser incluido en la importante exposición Structural Film que P. Adams Sitney organizara en 1969 junto con otros cineastas no convencionales? y los posteriores Locational Films.

Luego vinieron los ochenta y los noventa, años de olvido y de escasa actividad expositiva, que, según algunas versiones, estarían en el origen de su suicidio con cincuenta años. ¿Dónde situar a un cineasta (o quizás mejor, artista fílmico) tan poco convencional como Sharits, que buscaba expandir el relato cinematográfico a las técnicas y procedimientos de la pintura, por un lado y que, por otro, buscaba ?como también lo hacían los escultores minimalistas? salirse de la especificidad del medio e invadir el espacio con la incorporación del espectador? Sin duda, el tiempo ha acabado situando a Sharits allí donde el contexto teórico de los años ochenta y noventa no lo permitía: en un campo «expandido» más cerca del museo que de la sala de cine, y más cerca de la acción y la instalación que del fotograma y el celuloide.

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¿Una generación urbanita? - David BARRO

Originalmente en EL CULTURAL

Urbanitas es el resultado de una exposición esperada, necesaria para medir la temperatura de un contexto como el gallego, demasiado dependiente de una hipotética salida provinciana para triunfar en Madrid. Así ha sido Atlántica y una posterior generación de artistas que buscaron un sitio para situarse aunque obligados a tener la mirada puesta en el espejo retrovisor, pensando en ensayar un mismo modelo. Ese mismo esquema dominó el sentido de dos exposiciones que hoy estudiamos como referenciales en Galicia, 30 años en el 2000 y Nuevos caminantes, ambas comisariadas por Miguel Fernández-Cid, una de las personas que ha seguido más atentamente a los artistas salidos de la factoría pontevedresa. Más desafortunados han sido los intentos de desembarco madrileño al estilo Atlántica, que resultarán frustrados.

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Marzo 11, 2006

Menores sin reparos - Ramón ESPARZA

Originalmente en EL CULTURAL

En la sociedad actual hay una cierta tendencia a considerar que publicaciones como Big, The FACE o Dazled son revistas de pensamiento, confundiendo el rápido consumo de ideas, nombres y estilos reducidos a lo que las propias publicaciones denominan tendencias.

Para todos los públicos, la exposición que presenta la sala Rekalde, comisariada por Xabier Arakistain, no se sustrae a este principio. En su declaración de intenciones, reúne la obra de veintiocho artistas (nada menos) cuya obra gira sobre la redefinición de algo que queda tan poco definido como el espacio público tradicional, en referencia a la construcción de la realidad por los medios.

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Diane Arbus: Latidos compartidos - MERY CUESTA

Originalmente en LA VANGUARDIA DIGITAL

La obra de Arbus discurrió por el camino que marcó la exploración personal de su autora, por el sendero que le dictó su tormento interno. Entender su obra es comprender su vida, que comienza así como bastante normalita (padres acomodados, marido currante, dos hijas) y acaba tan desnortada como los protagonistas de sus últimas fotografías, enfermos mentales. Hagamos un retrato de la propia Arbus alrededor de los cuatro ejes temáticos fundamentales de su trabajo, cuatro latidos específicos de la esclerótica sociedad norteamericana en los que otros creadores -y nos centraremos en los cinematográficos- han detectado la misma elocuencia descarnada.

1. La deformidad.

Decía Bazin a propósito de los desgraciados que desfilaban por Los olvidados de Buñuel que "los rostros más repulsivos no dejan de ser la imagen del hombre". Sin embargo, arranca un rictus de desprecio aquel que es más alto (King Kong o el gigante judío), más pequeño (el increíble hombre menguante o los enanos rusos), el deforme (el adolescente motero de Máscara o el enano mexicano), el que nace por partida doble (las siamesas de El resplandor son una cita a las de Arbus) o incluso tener alguna facultad poco común (el hombre que tenía rayos X en los ojos o la tragasables). La singularidad y la malformación física son una constante en el Universo Arbus. Pero aquí los enanos, jorobados u hombres sin cabeza son reales, como los que pueblan Freaks de Browning. Porque de todos aquellos, la bella Cleopatra era la única criatura no deforme, pero sí la verdaderamente monstruosa, de la misma manera que para Arbus esos ricos y aristócratas jugando al brigde o tomando pastas son los auténticos engendros de la sociedad.

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Febrero 25, 2006

El proceso va por dentro - Javier Montes

Sobre Madrid-proceso-redes. Varios artistas. Originalmente en abc.es

Casi han coincidido en Madrid dos proyectos centrados en el arte actual como proceso y work in progress, más que como creación de obra «acabada». El espacio alternativo Liquidación Total montó a principios de febrero su Exposición Falada con material de artistas muy diferentes (de Bleda y Rosa a Nacho Criado o Bárbara Fluxá) para mostrar el proceso que daba lugar a sus trabajos.

Y otros dos colectivos independientes, AVAM y RMS, presentan ahora con más medios -patrocina la Comunidad- el resultado de Madrid-Procesos-Redes, con participantes interesados por la investigación en equipo y el trabajo de campo en y sobre Madrid. Tanto o más que la exposición, en este caso conviene visitar la página web (www.madridprocesos.org) donde los artistas dan cuenta pormenorizada de sus intenciones, medios y coartadas intelectuales. Si Liquidación Total ofrecía más bien pistas del proceso personal que lleva a la obra, Procesos-Redes pone el énfasis en el proceso como obra.

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Colección Herbert: Maneras de pensar - Anna Maria Guasch

Originalmente en abc.es

El matrimonio de Gante (Bélgica) compuesto por Annick y Anton Herbert nunca supuso que una colección constituyese, como así pensaba Walter Benjamin, un particular modo de entrar en relación con el pasado, ni un modo de «cita» del objeto fuera de su contexto, lo cual habría acabado por destruir el orden en que este objeto encuentra valor y sentido. Los Herbert han conformado su colección en contacto directo con su época y en sintonía con los acontecimientos revolucionarios y cuestionadores del sistema ocurridos a partir de mayo de 1968, que les dejaron vivamente impresionados y que están en el origen de sus decisiones en su largo viaje como coleccionistas, el cual se inicia en el año 1973 y que, con interrupciones en los pictoricistas y neoexpresionistas años ochenta, sigue hasta la actualidad.

En realidad, la Colección Herbert que se muestra por primera vez de un modo exhaustivo en el MACBA barcelonés (tras dos más reducidas presentaciones en Eindhoven, en 1984, y en Luxemburgo, en 2000) está llena de decisiones personales, de parti-pris, que, más allá de los gestos subjetivos del matrimonio, nos remiten ?y ello es lo que creemos verdaderamentete destacable? a un determinado espíritu de época, aquél que recorre los episodios «anti-formalistas» de la modernidad: el minimalismo «contestatario» (y su defensa de la alusión, la teatralidad y una sensibilidad pervertida por el teatro), siguiendo con los distintos deslizamientos procesuales que culminaron con el conceptual, el povera, así como los diversos capítulos de crítica institucional (desde Buren a Broodthaers).

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Febrero 05, 2006

Julia Montilla, otros escenarios - Javier HONTORIA

Originalmente en EL CULTURAL

Buena parte del trabajo que Julia Montilla viene realizando en los últimos años tiene que ver con cómo hemos claudicado definitivamente ante las herramientas de seducción de las grandes potencias de la cultura del entretenimiento. En sus últimas series, la artista barcelonesa (1970) ha tratado el tema de las telenovelas, los fenómenos paranormales, el género del musical hollywoodiense o la música pop para subrayar no ya sólo –lo hace subterráneamente– el asombroso poder de este sector sino también la condición globalizada de sus triunfos, el modo en que ha conseguido conquistar y dominar hasta el rincón más desangelado del planeta. Pero no es la suya la típica reflexión crítica hacia el lastimoso destino de las masas. Su trabajo alude también al encuentro entre las diferentes entidades culturales y a las relaciones humanas que éstas propician, siempre en el contexto de este fenómeno universal que es la industria del ocio. En este sentido, en su último proyecto, Too much heaven, con el que inaugura el nuevo espacio de la galería Trama en Madrid –ciudad en la que nunca había expuesto de forma individual–, se condensan muchas de sus inquietudes estéticas.

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Febrero 01, 2006

Sergio Prego: El truco está al descubierto - ROCÍO DE LA VILLA

Originalmente en CULTURA | S

Aunque Sergio Prego (Fuenterrabía, 1969) se dio a conocer y ha sido incluido en numerosas colectivas de vídeo (Luces, cámara, acción, IVAM, 1997; Monitor: Volume I, Gagosian Gallery, 2001; Bad Boys, Biennale di Venezia, 2003, entre otras), detesta el monocanal. Su investigación, centrada en el espacio, está enraizada en la evolución de la tradición escultórica vasca (Oteiza, Badiola), con la incorporación de las reflexiones minimalistas y performativas acerca de los límites de su experimentación corporal y visual. Los conceptos de Bruce Naumann de observación de manipulaciones y manipulación de observaciones, así como los de amplificación y privación, como estrategias para poner en marcha los mecanismos psicofisiológicos de defensa ante la confusión gestáltica, continúan siendo útiles para entender su trabajo, caracterizado por la utilización de medios electrónicos lowtech al servicio de una rara habilidad ingeniera, con resultados muy impactantes.

A lo largo de la última década, Prego ha intentado demostrar que la "música es figurativa, un signo del mismo espacio en que se encuentra" en la instalación sonora de la pasarela que une el viejo y el nuevo edificio del Museo de Bellas Artes de Bilbao, donde se pretendía redefinir los límites del espacio por la percepción del sonido de quienes lo transitaban. Y ha ensayado a organizar situaciones colectivas, como la fiesta de Absolut, donde el dispositivo de flashes fotográficos al atravesar los torniquetes de control de acceso generaba a la vez que documentaba el evento. La reja modular de acero que entonces separaba las dos zonas se ha reinstalado en la galería, formando un rectángulo de treinta metros cuadrados vacío, al que se accede por una angosta apertura lateral, y cuyo resultado final dista mucho del inquietante, óscuro y sórdido lugar, abandonado y postindustrial, del evento original. Transtodo (2003) aísla, además, las instalaciones de dos importantes piezas producidas en 2005 y que ahora se muestran en la segunda individual del artista en Soledad Lorenzo.

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Enero 28, 2006

Carrusel de identidades - ALBERTO MARTÍN

Originalmente en ELPAIS.es

Hay determinadas prácticas de la fotografía cuyo desarrollo y difusión han estado ligadas durante décadas a un cierto modelo de festival. De hecho, en la etapa en que la cultura fotográfica luchaba aún por su plena aceptación y normalización, especialmente en el ámbito del arte, los festivales fotográficos cumplieron un papel de agitación y llamada de atención sobre la madurez e importancia del medio. Lógicamente, la aceptación de la fotografía por las instituciones y circuitos artísticos, así como su progresiva disolución en múltiples prácticas, hasta el punto de que desde determinadas posiciones se cuestiona si realmente se trata de algo identificable como fotografía, terminó por poner en crisis muchos festivales o al menos dejó sin justificación a algunos de ellos, haciendo necesaria una reformulación de los mismos. En este contexto, sorprende la aparición y progresivo afianzamiento de Fotoencuentros. La razón de su éxito y continuidad probablemente haya que buscarla en el hecho de haberse centrado con nitidez en un territorio que podríamos definir como de difusión y reconocimiento de la cultura fotográfica. A este principio responden algunas de las señas de identidad de este festival.

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Jan de Cock de módulos, estructuras y programas - Rocío DE LA VILLA

Jan de Cock de módulos, estructuras y programas:

La trayectoria fulgurante de Jan de Cock hace palidecer la acepción habitual del término “emergente”: en cinco años ha intervenido algunos de los espacios más interesantes de la escena internacional y todavía no ha cumplido los treinta. Esta primera individual en España presenta parte de los últimos módulos de lo producido en 2004. A falta del encargo de alguna institución de nuestro país -el rasero del conservadurismo y de la precariedad presupuestaria afecta a todas por igual, pese a la disparidad de tendencias–, hay que agradecer una vez más que lo reciente llegue de la mano del riesgo asumido por el sector galerístico.

El trabajo de este joven artista belga demuestra la vitalidad del “arte en contexto” como un género bien asentado en la tradición postmoderna. De Cock interviene espacios públicos, extrayendo resultados de la fricción en su uso privado. En la primera fase, se traslada al lugar, estudia la arquitectura y los modos de habitarla. De vuelta a su estudio, investiga la historia del edificio y comienza a desarrollar, a partir de módulos, la estructura que recubrirá las zonas externas y/o internas de la edificación y que, posteriormente, terminará de ser adaptada, en un lento proceso de ensamblaje de carpintería. Después, una vez que se ha devuelto el espacio intervenido al uso de particulares y público, dirige a un fotógrafo “operador”, quien toma las escenas que finalmente serán presentadas en cajas de luz, en forma de trípticos, dípticos o imágenes singulares, como últimos módulos de este método sistemático, a menudo en aquellos mismos espacios. Asemejando el efecto especular de las muñecas rusas. En definitiva, este es el producto restante (y comercializable) tras el desmantelamiento o fin del proceso que lleva en sí toda construcción que se refiera al ensamblaje o a una construcción progresiva. En una entrevista reciente, De Cock aseguraba que un ayudante revisa con un programa informático las proporciones de los módulos realizados a fin de que las estructuras no sean repetidas.

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Ojo viajero, ojo reflejado - Iván de la Torre Amerighi.

Originalmente en abc.es

¡Ah! Ya lo entiendo, ahora, sí: es una provocación, una conmoción. ¿Cómo dice? Digo que el vídeo es una provocación y ni siquiera habría que verlo entero para comprender el juego al que nos somete. No entiendo nada. Pues yo, sí. Al principio me incomodó, llegué incluso a aburrirme. ¿Pero si sólo dura siete minutos? Como si durase setenta. Eso no es lo importante, ahora lo entiendo.

En el caso de Chema Alvargonzález (Jerez de la Frontera, 1960) el viaje no puede ser considerado como un objetivo, una finalidad, tal y como frecuentemente es asimilado a la hora de analizar de modo crítico su discurso narrativo. Como acto debe ser entendido en cuanto que herramienta de búsqueda dentro de una doble dirección. El viaje no es más que una ecuación entre espacio y tiempo, cociente que entre ambos factores se mensura por medio de la velocidad. A mayor espacio recorrido en el menor lapso temporal, mayor será la velocidad. Pero la matemática, y eso lo sabe bien el artista, es incapaz de calcular ni el impacto ni el sentido de sus ecuaciones. Toda periégesis comporta, además del descubrimiento ?por lo demás, un efecto inevitable?, una voluntad de huida. Emprendemos camino dejando siempre algo tras de nosotros; lo importante es trasladarse. Permanencia es sinónimo de estancamiento: es el signo de los tiempos. Ninguna de las imágenes de Alvargonzález escapa a esa mezcla de nostalgia, alivio y dinámica extrañeza, siempre presente en la mayor parte de sus fotografías, instalaciones, piezas escultóricas y vídeo-creaciones.

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Enero 21, 2006

Rosemarie Trockel: Subversivamente femenina - HELENA TATAY

Originalmente en CULTURA | S

Es sorprendente ver Post menopausia en grandes letras, dada la invisibilidad social que el tema suele tener. Este es el título que Rosemarie Trockel le ha dado a su exposición retrospectiva en el Museo Ludwig de Colonia, su ciudad natal. El título alude al final de un ciclo creativo, porque esta exposición es una mirada atrás a 30 años de trabajo, pero lo hace desde una perspectiva femenina, y a la vez juega a nombrar públicamente lo que se suele mencionar en privado, resucitando en el espectador los sentimientos contradictorios y las ansiedades que los clichés de genero suelen provocar.

Desde el principio, su trabajo se ha caracterizado por tomar en cuenta las condiciones sociopolíticas en las que se da (y se ha dado) la producción artística, y por mantener un perspicaz, irónico y subversivo punto de vista femenino.

Trockel pertenece a lo que podríamos llamar la tercera generación de los artistas alemanes que se dieron a conocer internacionalmente en los años 80. Sus compañeros de generación eran casi todos hombres y pintores. Ella fue prácticamente la única que se interesó por temas como el cuerpo o la construcción social del sujeto que tan relevantes son ahora. En estos 30 años, ha empleado casi todos los medios conocidos del dibujo al vídeo, para elaborar un trabajo que abarca un amplio espectro de temas e intereses tan diversos como: Los animales y su función como espejo de nuestro inconsciente (recordemos que su participación en Documenta X fue una casa para cerdos); la belleza, su relación con los iconos sociales femeninos; el fenómeno de la moda; la historia del arte; la antropología; la cultura popular y un largo etcétera.

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Enero 14, 2006

Li Wei: El ejemplo del acróbata - Fernando Castro Florez

abc.es | ABCD las artes y las letras | Toda la actualidad cultural :

En una libro de conversaciones con Sylvere Lotringer titulado Amanecer crepuscular, Paul Virilio habla en términos bastante apocalípticos del body art, llegando a ponerlo en relación con la ingeniería genética e, incluso, nombrando a Stelarc y Orlan, lo hace en preocupante vecindad con los sueños siniestros de Mengele. «El otro día vi ?dice el famoso teórico de La estética de la desaparición? a un profesor de Historia del arte contemporáneo que enseña en colegios que me dijo: "Cuando llego a la automutilación, eso ya no sé cómo enseñarlo"». La interlocutora intenta proyectar al visionario pensador hacia un tiempo remoto y le sugiere que acaso hay alguna conexión con las huellas de las manos mutiladas sobre las paredes de las cavernas prehistóricas, comentario que Virilio apostilla a la carrera: «Sí, pero yo no podría ir y decirles a los chicos: "Agarren la navaja y denle duro"». Parece sensato evitar que los niños, después de la magia de los Reyes Magos, se coman cebollas a bocados como si fueran manzanas, se peguen tiros en el brazo o, para colmo del furor fetichista, se líen a tatuar líneas en la espalda de sus amigos más íntimos. Y, por supuesto, hay que esconder los cuchillos, no vaya a ser que algún insensato tome la drástica decisión de cortarse en rodajas el miembro viril. Pero tampoco podemos pensar ?así, sin más? que el arte surgido tras la gran demolición es meramente el «suicidio simbólico» de una cuadrilla de cretinos o la manifestación de unas provocaciones pactadas por una serie de snobs. En una época, literalmente anestesiada, sometida al tratamiento «Ludovico», acostumbrada a la sobredosis del horror, acaso tengan que generarse otro tipo de acontecimientos, performances que sean capaces de activarnos, demostraciones drásticas que den qué pensar.

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Miguel Ángel Gaüeca: Raro, raro, raro - Alicia Fernández.

Originalmente en abc.es

Rarities and Curiosities son las consignas que presiden esta esperada exposición de Miguel Angel Gaüeca. Curiosidades y rarezas sueltas aquí reunidas, que bien sirven para definir el escenario particular donde se desarrolla su trabajo en torno al individuo contemporáneo, o bien se constituyen en sugerentes metáforas sobre el papel del artista en la sociedad, sobre los diferentes roles y prototipos que aparenta, sobre sus querencias y aspiraciones personales. Desde hace años, Gaüeca está inmerso en estas cuestiones, prestando especial atención tanto a los comportamientos que configuran la figura del artista (y, en particular, su propia identidad) como a las presiones ajenas que a menudo intervienen en su camino. La fama y el éxito unidos al egocentrismo; la vanagloria, el poder, la autocomplacencia, el talento; el mito del arte joven y demás artificios presentes en el entramado artístico y social actual degeneran la función del creador hasta convertirlo en una marioneta del mercado, edulcorada además por una supuesta modernidad estética.

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Sergio Prego: En una era de belleza asequible , la fealdad tenía algo de heráldico - Javier Montes

Originalmente en abc.es

En 1998, Sergio Prego presentó en la antigua fábrica de Consonni en Bilbao la pieza que le dio a conocer y que al cabo de los años sigue siendo emblemática: marcaba ciertas pautas a las que se ha atenido ?en líneas generales? en su coherente trayectoria posterior. Tetsuo Bound to Fail representaba imágenes del propio artista por medio de un dispositivo que incluía cuarenta cámaras fotográficas que se disparaban simultáneamente. Mediante un laboriosísimo montaje videográfico posterior, un sólo instante ?el segundo que tardaba en derramarse, por ejemplo, una taza de líquido? era representado desde múltiples puntos de vista, creando una brecha inquietante entre tiempo y espacio reales y representados. Era una aproximación pionera y en cierta forma artesana a la técnica del bullet time (que congela la acción mientras la cámara parece seguir moviéndose alrededor de la escena) que un año más tarde ?no antes? popularizó en todo el mundo Matrix y que ahora puede verse en cualquier vídeo pop o anuncio de televisión, en cuanto uno hace algo de zapping. El resultado ofrecía imágenes que se proponían cortocircuitar nuestra percepción habitual del tiempo y del espacio a partir de un trabajo a medio camino entre el bricolaje y la alta tecnología, entre lo extremadamente manual ?artesanal, casi?, el aura fría y la pátina despersonalizada que daba el uso de la videografía digital y los sonidos sintetizados electrónicamente.

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Enrique Marty hasta que la muerte no separe - David BARRO

Originalmente en EL CULTURAL

Comienzo con el típico ejemplo de una escuela de periodismo: si un perro muerde a un cartero no es noticia, pero si un cartero muerde a un perro sí lo es. Así de simple y así de complejo entiendo el trabajo de un Enrique Marty que acaba de diseñar en el MUSAC su particular Flaschengeist. Marty nos presenta una especie de Blade Runner, en un tiempo irrepresentable y siniestro donde el pasado y el futuro semejan extrañarse, o mejor, confundirse, ya que no es posible distinguir la realidad, del ejercicio de su propia construcción. Tal vez, podamos transportar las palabras del escritor Claudio Magris acerca del eclecticismo de Budapest: “su mezcla de estilos evoca, como cualquier Babel actual, un evento bullicioso de supervivientes de alguna catástrofe”. Aquí, en esta “parada de los monstruos” de Enrique Marty, esos supervivientes son personajes de feria que, por si fuera poco, nos miran de modo impertinente hasta coartar nuestra condición de tranquilos espectadores.

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Entre la máquina y el vídeo, Sergio Prego - José MARIN-MEDINA

ORIGINALMENTE en EL CULTURAL

Máquinas como cuerpos, video-performances y escultura mobiliar de realización técnica entre manufacturada e industrial: ésos son los dominios en que se desarrolla esta segunda presencia de Sergio Prego en la galería de Madrid –Soledad Lorenzo–, que lo representa desde 2002. Se trata de una muestra que testimonia un avance firme en sus trabajos con nuevas tecnologías, centrándose en la exploración de los procesos de cuerpo-espacio, en analizar las transformaciones que la actividad física violenta ocasiona en la apariencia externa del cuerpo humano, en integrar en la obra la totalidad del espacio de su localización, en hacer que se confundan los roles del arte y de la técnica, en incluir el sonido entre los elementos plásticos, en producir en el espectador efectos de extrañamiento sensorial (visual, acústico y espacial), y en investigar sobre las posibilidades dialécticas de la ciencia-ficción. Una exposición, pues, muy viva, imprescindible para los interesados en cuestiones referidas a la nueva materialidad de la obra de arte, y cuestionable para quienes sostienen –como Paul Virilio en El cibermundo, la política de lo peor– que “el uso –o abuso– de las tecnologías punta puede incrementar la alienación del ser humano y del lugar, alterando la magnitud espacio-temporal histórica”.

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Enero 07, 2006

Martí Anson o la estética de la frustración - Jaume VIDAL OLIVERAS

Originalmente en EL CULTURAL

La galería Toni Tàpies presenta la exposición Mataró/Barcelona, de Martí Anson, que comprende, por un lado, una serie de fotografías de su estudio de Mataró tomadas en 2005, y, por otro, un vídeo sobre un trabajo para el CASM de Barcelona titulado Fitzcarraldo. 55 días trabajando en la construcción de un velero Stela 34 que se inició a finales de 2004. Este último consistía efectivamente en la construcción de un barco en el espacio del centro de arte, que el artista adoptó como lugar de trabajo. Anson explicaba que el interés no estaba en el barco, destinado a no navegar jamás, ya que una vez construido no salía por la puerta, sino en el trabajo. Los 55 días que duró la construcción fueron grabados íntegramente en el vídeo, del cual se exhibe ahora una selección. En la galería Toni Tàpies se establece, pues, una confrontación entre dos espacios, el estudio y el lugar donde se construyó el velero.

¿Qué sentido tiene la construcción en una institución pública de un barco inútil destinado al desguace? Pues creo que no tiene ninguno. En mi opinión se trata de un monumento al absurdo. Martí Anson (Mataró, 1967) proviene de la tradición conceptual y uno de sus intereses es la percepción. Como él mismo ha explicado en alguna ocasión, su obra plantea expectativas que después nunca se realizan. El público se sitúa ante una paradoja, espera que se produzca algo y no pasa nada. Espera descubrir un “no sé qué” y al final todo resulta abstruso y autista. La estética de Martí Anson es la de la frustración, el aburrimiento, el silencio.

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En la comunidad de Sharon Lockhart - Ramón ESPARZA

Originalmente en EL CULTURAL

Resulta difícil encontrarla incluso en el último juguete de Google. Con el nombre de Pine Flat, en el servicio de mapas del buscador de internet aparecen farmacias, lugares, pero nada que pueda parecerse a lo que en Europa se considera una localidad. Pine Flat es el entorno en que la norteamericana Sharon Lockhart ha desarrollado su último trabajo, que se exhibe en la Sala Rekalde de Bilbao. Una comunidad rural, situada al norte de California que tiene para la artista el valor de poder ser cualquier sitio. Sin características peculiares, sin una estructura económica que determine el modo de ganarse la vida de la comunidad, sin unas características en su arquitectura o en los modos de vida de sus convecinos, la “comunidad rural” podría estar en cualquier otra parte de la inmensa superficie de los Estados Unidos.

La elección de un lugar así es ya un aviso de las intenciones de la autora. En sus trabajos fotográficos y cinematográficos, Lockhart desarrolla una mirada que busca apartarse de la tradición etnográfica del documentalismo convencional. En lo que podríamos llamar el estilo Nacional Geographic, el modelo tradicional, el relato documental implica la existencia de un observador (occidental, blanco) que mira, que ejerce el poder de contemplar y de registrar con su cámara aquello que, desde sus planteamientos etnocentristas, le resulta exótico y, al tiempo, la de un observado que no puede evitar serlo. No es que el trabajo de Sharon Lockhart busque enmarcarse en el ámbito del documentalismo, ni tan siquiera como una alternativa, pero sí se puede afirmar que el planteamiento de su obra es justamente el contrario. De ahí el choque y la sensación de disforia que sufre quien se enfrenta por primera vez a sus proyectos, donde, para empezar, no hay intención narrativa, ni disección de una diferencia. Hasta que aprende que lo importante es justamente eso, lo que no se ve.

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Enero 06, 2006

Joan Morey.... (title for show missing)**** -- Esther Planas

Cuando en el mundo del arte...( o comedia dell' arte?? )

todos parecemos alborotarnos(les artistes)..y salir y hacer ruido y provocar los sueños, (bueno, sueños.....), las siestas
perezosas de los que suelen rodear ese mundo y a sus cercanos....

les provocamos, pues la necesidad urge..o muerde

tambien provocamos a otros artistes......

En el momento en el que el artiste se pone a ACTUAR...y su pràctica se vuelve (escultura viva, ruido insoportable, tajo
en la cintura,sexo a pelo,sangre, orina, semen.......)exhibiciòn provocante sinsentido......es que.....

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Diciembre 26, 2005

Hiroshi Sugimoto: criar luciérnagas - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en Babelia

Todo lo que en Hiroshi Sugimoto parece descriptivo es realmente un engaño, pero un engaño que emana de una gran finura de espíritu. En su trabajo, cualquier paisaje, cualquier estado de cosas, se convierte inmediata y obstinadamente en una esencia de sutil aparición, el pequeño pliegue donde se ha pellizcado la vida, un arañazo de verdad, que es a la vez acontecimiento, espejo en el que nos miramos, no para vernos, sino para descubrir el silencio simbólico de la noche de los tiempos, la forma vacía del goce. "Ceder es conservarse íntegro / doblarse es enderezarse / estar vacío es llenarse", dice un maestro zen. Es difícil imaginar caminos más elocuentes que los que nos conducen al punto de partida, si es que existiera, de Historia de la Historia, en esta tapicería mineral que es la Japan Society, en Nueva York. Encuadrada en el vacío espiritual de la Gran Manzana, la Japan es ese espacio sustraído y desplazado, tan auténticamente moderno que aun sacrificado a la verosimilitud del progreso que la rodea es capaz de superarlo, simplemente, por la envoltura de su eficacia: su reversibilidad.

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Navegando con Pipilotti Rist - Rocío DE LA VILLA

Originalmente en EL CULTURAL

Obsesionada con el círculo, las videoinstalaciones de Rist envuelven en un giro ingrávido y psicodélico, en espiral. Este formato, subrayado ya hace tiempo en el estudio clásico de Rudolf Arnheim El poder del centro como el más apto para el placer sinestésico, domina el movimiento de la cámara fluida de Pipilotti, el remolino de elementos suspendidos y la disposición de las colchonetas interconectadas por tuberías de gomaespuma desde las que formar comunidad, mientras se disfruta de los loop audiovisuales, si es que no se está con amigos. “El museo –me dice la artista mientras se ultima el montaje– es un lugar de relación, de reunión, de confluencia de energías”.

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Madera de guasón (sobre Stephan Balkenhol) - Fernando Castro Flórez

abc.es | ABCD las artes y las letras | Toda la actualidad cultural

En la aspereza o lisura de la madera, el material anti-clásico, encontramos lo artesano, lo gótico, pero también lo real y lo profundo, aquello que está presto al sonido y, en última instancia, la apelación a la trascendencia mística. Bachelard hablaba en La poética del espacio de la experiencia de hundirnos en el bosque, en un mundo sin límites, en el que llegamos a perdernos, mientras que María Zambrano habló de la belleza como un centro o claro del bosque que nos abisma cuando se querría encontrar la culminación de la «vida de la visión». No siempre es posible entrar en el claro del bosque. A veces hay que contemplarlo desde la espesura, desde ese linde en el que no hay nada determinado, prefigurado, consabido: un lugar analógico con el templo, aunque vacío. El bosque está asociado tanto con la experiencia del acecho (aquel deseo que desencadena la metamorfosis de Acteón) cuanto con el terror, algo que, según Jung, en los cuentos infantiles simboliza el aspecto peligroso del inconsciente, su naturaleza devoradora y ocultante. En el corazón del bosque, ese lugar mágico, todo es presentimiento. Lejos de estas tonalidades místicas, Stephan Balkenhol utiliza la madera sin apelar a un simbolismo trascendente, como un material que le permite actuar de forma directa, manteniéndolo como algo muy rudo que él somete a la policromía. Este artista alemán, que ha realizado importantes exposiciones en espacios como The Irish Museum of Art, la National Galerie de Berlín o el Centro Gallego de Arte Contemporáneo, presenta en la galería Pepe Cobo una magnífica serie de obras que revelan su talante de escultor irónico e incluso burlón.

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Diciembre 18, 2005

El sedentario y los nómadas - Óscar Alonso Molina

Sobre Daniel Chust Peters-. Originalmente en abc.es

Recuerdo haber escuchado hace mucho a una folclórica de raza toda su cosmovisión encerrada en una sola frase de apariencia casual: «Mi casa es mi vida, crece y muere conmigo», dijo; ahí es nada. A buen seguro que Daniel Chust Peters (São Paulo, 1965), en caso de no sonarle demasiado trascendente, bien podría transformarla en «mi estudio es mi vida, cambia y muere conmigo». Y es que, desde hace quince años, este artista brasileño emplea como única herramienta de trabajo su propio taller, al tiempo que lo ha convertido en su obsesivo proyecto y en el resultado exclusivo de todas sus especulaciones. Reformándolo, reproduciéndolo, interviniéndolo... Su espacio de creación privado deviene aquí, tautológicamente, inacabable obra en proceso, infinito work in progress. Paradójicamente estático, sedentario radical que necesita este centro fijo como punto de cualquier arranque, el artista en alguna ocasión ha presentado su método de trabajo bajo tres premisas, tan simples y faltas de imaginación que mejor suponerlas irónicas. A saber: 1) tengo una idea: reproduzco mi taller; 2) no tengo ninguna idea: reproduzco mi taller; 3) tengo otra idea: reproduzco mi taller.

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«el arte te obliga a mojarte mucho más como persona» - Javier Díaz -Guardiola.

Entrevista a Ruth Gómez. Originalmente publicada en abc.es

Ruth Gómez (Valladolid, 1976) realiza su primera individual en un espacio privado y Oliva Arauna se apunta el tanto. Su obra, un magma que se nutre de la tecnología digital, del dibujo y del vídeo, ya se dio a conocer «a gran escala» gracias a una beca del MUSAC, contacto que le permitió incluso realizar un vídeo para el grupo Fangoria. Esta chica sabe moverse bien en las distancias cortas y así lo demuestra en Animales de compañía, su carta de presentación en Madrid. El mundo de la publicidad y la televisión ha perdido una pieza clave, pero el arte ha ganado a una creadora que tiene mucho qué contar.

Primera exposición en una galería, y vaya galería. ¿Cómo ha afrontado el reto?
La verdad es que he tenido muy poco tiempo para prepararla. He estado trabajando sin parar durante los últimos siete meses. Los vídeos están conformados por muchísimos dibujos, unos 24 fotogramas por segundo. Si multiplicas el número de obras por segundo de cada vídeo y las que se presentan «colgadas», la muestra la conforman más de dos mil. Hasta anoche mismo estaba haciendo las carátulas de los dvd y unos pequeños «monigotes» que quise esconder en el espacio de la galería el día de la inauguración. Ha sido duro: le he dedicado 14 o 16 horas al día, fines de semana, noches sin dormir... Pero me he apoyado, sobre todo, en mi ilusión. Inaugurar esta muestra ha sido como ver llegar uno de esos pocos días que se esperan y se recuerdan toda la vida.

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« Made in Taiwan » - Fernando Castro Flórez

Sobre Chen chien-Jen, originalmente publicado en abc.es

Pocas obras vienen, como dijera Said, de la primera línea del frente, allí donde se producen los conflictos, las fricciones y las mayores desigualdades. Casi siempre nos encontramos con un arte cínico, de completa retaguardia o ejecutado por los sarcásticos encargados del abastecimiento, cómplices de esos otros que reciclan más que nada su mediocridad. La fábrica está atestada de trileros, aunque afortunadamente aparece casi por sorpresa una mirada antropológica y cargada de una poesía corrosiva, capaz de ofrecer una «descripción cartográfica y arqueológica», por emplear los términos de Culture and Imperialism, de lo que, sin saber casi lo que decimos, llamamos «globalización».

Chen Chien-jen está empeñado en mostrar las dimensiones históricas y políticas de la imagen, abordando la cuestión de la situación económica de Taiwán, que ha visto cómo sus industrias -que habían experimentado un desarrollo impresionante desde los sesenta- se desmantelaban en beneficio de países como China, con una mano de obra abundante y baratísima. La fantástica muestra que ahora se presenta en La Fábrica, una de las mejores del año que concluye, nos permite volver a ver Factory (2003), que incluyera recientemente María Corral en La experiencia de arte, su propuesta en la pasada Bienal de Venecia, y enfrentarnos a Bade Arena (2005). Son dos trabajos excepcionales realizados en 16 mm y transferidos a dvd de larga duración, que, como he indicado, retratan la globalización como un proceso de precariedad vertiginoso, cuando la Fábrica del Imperio se desmantela aquí para reaparecer allí dejando a su paso ruinas babélicas.

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Diciembre 15, 2005

Ignasi Aballí, la obra abierta - Jaume VIDAL OLIVERAS

Originalmente en El CULTURAL

El MACBA dedica una exposición a Ignasi Aballí (Barcelona, 1958), artista que se presenta como relevo y continuación de la tradición conceptual en España. Su obra, se ha dicho, gira en torno al “inframince” (infraleve), noción duchampiana que expresa aquello que no se puede medir, ni pesar, ni descomponer químicamente. Éste es el territorio de lo indecible, lo inasible, lo extremadamente sutil y que, sin embargo, existe, aunque a menudo pase desapercibido. El calor de un asiento que se acaba de dejar, el sonido del roce de los pantalones al caminar, un dibujo al vapor de agua… Éste es el universo del “inframince” para Duchamp. En este mismo sentido, Aballí cita a Georges Perec, escritor fascinado por “el ruido de fondo, el murmullo de la cotidianidad, eso que no percibimos nunca”, y dice atender a los entresijos de lo cotidiano, a las situaciones apenas inadvertidas por su cercanía e inmediatez. En definitiva, su investigación se centra en la percepción y en los problemas derivados de ella, como la presentación y el contexto de la obra, la noción de artista, la naturaleza del arte, la dicotomía entre arte y no arte…

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El discurso excedido de Thomas Hirschhorn - David BARRO

Originalmente en El CULTURAL

Hace cinco años Thomas Hirschhorn se definía así: “Soy un artista, un trabajador, un soldado”, alegando tener una misión imposible y una herramienta: el arte. Hirschhorn apelaba a la energía y a la resistencia para continuar libre. De ahí que aclare que su intención no es hacer arte político sino hacer arte políticamente. El arte como herramienta para encara