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Julio 16, 2006

En el país de Alicia - Javier Montes

Originalmente en abc.es

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No mucha gente sabe que el Atomium es un trabajo de Marcel Broodthaers. Por lo menos, una pequeña parte, y de la forma más literal posible. En 1957 el artista, como buen belga, se alistó voluntario en las obras de construcción del edificio-emblema de la Exposición Universal de Bruselas de 1958. «Habría que haber llamado Moleculium al Atomium -escribió luego al contar su experimento-, porque representa, monstruosamente agrandada, la imagen de una estructura molecular. Creo que la intención de sus promotores fue la de construir un símbolo. Es el reflejo de un gusto de nuestra época. Este objeto inmenso habla más a nuestra imaginación que nuestra razón. Forma parte de nuestra imaginería moderna, genialmente intuida por Julio Verne. El romanticismo del XIX contenía ya ese elemento fantástico que hoy se confunde con la realidad científica. ¡Qué singular asociación de palabras: ciencia-ficción! Sobre este maravilloso juego de malabarismo uno cree estar a bordo de un barco o de un globo».

Casi medio siglo después, Alicia Framis recordaba una impresión idéntica después de pasar una noche a solas en la esfera del Atomium que debía remodelar antes de la reinauguración del «edificio» -usemos la palabra a falta de otra mejor- a bombo y platillo en febrero de este año: «Lo que no me esperaba es que el Atomium se mueve igual que un barco, una sensación realmente extraña, estar tan alto, en el aire, y sentirte como en un barco». Por caminos distintos, Broodthaers y Framis han acabado percibiendo de forma similar el carácter desaforadamente romántico -digno de un Piranesi del siglo XXI- del Atomium y su potencia como símbolo de la modernidad. O como broma irónicamente desmesurada a su costa. Por algo Alicia Framis pensó también en las películas de Jacques Tati al pasear por su interior. Al fin y al cabo, tal vez sea el Monsieur Hulot de Mi tío el último de los románticos a la antigua usanza, perplejo ante la parafernalia de la era atómica.

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Matta-Clark construcción y fractura - José MARIN MEDINA

Originalmente en EL CULTURAL

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Para decir algo que sea auténticamente nuevo, es preciso inventar nuevas palabras, denominaciones inéditas, un nuevo lenguaje. En la pasión de esa doble urgencia innovadora se produjo la sección fundamental de la escultura de la década de 1970. Fueron años marcados, de una parte, por el concepto de reducción estructural, por los sistemas modulares, por los problemas de escala, por los efectos de presencia, por la relación del arte con el mundo tecnológico y la máquina, por la creación de ambientes, por la aspiración al espacio total, por las connotaciones desfuncionalizadas y por el ejercicio de la crítica social derivados del arte minimalista así como, de otra parte, por las formas y acciones inéditas surgidas del arte de comportamiento (body art), e igualmente por el empleo analítico y –a veces– tautológico del lenguaje (desde el principio de “el arte como idea”), promovido por el conceptualismo. Una de las figuras que vivió más intensamente y que representa mejor la complejidad de aquel tiempo y el particular ambiente deslizante ocasionado por los frecuentes cruces de caminos estéticos, los cuales configuraban una época carente de “un” estilo global propio, fue Gordon Matta-Clark, nacido en 1943 en Nueva York, donde moriría de cáncer en plena juventud en 1978. De aquella vivencia personal –experimentada a tumba abierta, entre Nueva York y París– y de aquella atmósfera tan compleja y especial da fe esta exposición verdaderamente importante que el Reina Sofía dedica a la memoria y a la vigencia de este escultor y arquitecto neoyorkino, hijo del también arquitecto y pintor surrealista chileno Roberto Matta.

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Julio 09, 2006

¡Anímate un poco! - Anna María Guasch

Originalmente en abc.es

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Ya en la última Bienal de Venecia, en la muestra La experiencia del arte comisariada por María de Corral, una de las piezas que gozó de unánime aceptación por parte del público fue la vídeo-proyección un tanto inclasificable del artista sudafricano William Kentridge Journey to the Moon, la misma pieza que ahora abre la exposición Historias animadas, y que hasta cierto modo sirve para «bautizar» esta nueva modalidad de cine a caballo entre el arte, la cultura popular y el documento: la del cine animado incluyendo las más recientes tecnologías digitales, desde la imagen de síntesis en 3-D, a las técnicas híbridas que incluyen el compositing o el dibujo animado digital. Y si bien Kentridge puede considerarse un pionero -con una obra que es además todo un homenaje al creador de este género, el cineasta Georges Méliès, que en 1902, en El viaje a la Luna, usó por primera vez trucos para hacer aparecer y desaparecer objetos-, la muestra presenta otros muchos y bien seleccionados ejemplos de este intento de incorporar ilusionismo, fantasía y escenografía teatral a las estrategias documentales: Benoit Broisat, Kota Ezawa, Ruth Gómez, Sheila M. Sofian, Lev Yilmaz y, en especial, Carlos Amorales (con su obra Espejo oscuro, una vídeo-proyección de dos canales, claro homenaje a la primera época del cine de animación que -recordémoslo- fue anterior a la primera película de cine de los Lumière) son algunos de los artistas escogidos por los comisarios para explorar la cualidad narrativa del cine que no retrata la realidad, sino que más bien la recrea y la inventa.

Nada es lo que parece.
En esta particular batalla contra las formas de representación unidas al parecido, la «analogía» y las estrategias documentales basadas en la idea de transparencia, credibilidad y certeza sobresalen, por ejemplo, obras como las de Benoit Broisat (Plaza Franz Listz, París, 2006) o Shelley Eshkar y Paul Kaiser (Pedestrian, 2002), en las que la cotidianeidad de espacios públicos recorridos por transeúntes aparece constantemente transgredida por elementos de una inquietante extrañeza que rayan lo irreal y, más directamente, lo uncanny.

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Adrian Tyler, aforismo de fantasmas - Abel H. POZUELO

ORIGINALMENTE EN EL CULTURAL

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El hogar es una reliquia de nuestro pasado como sociedad. Un aforismo escrito por fantasmas que aún recuerdan algunos. En torno al fuego del hogar, el espíritu de las cosas en transformación y del tiempo, se movía gran parte de la existencia humana. El hogar era cruce animista, social, familiar y terrenal. Quizá por ello, pocas cosas son más dulcemente aterradoras que la visión de un antiguo hogar abandonado. Cualquiera que haya pisado la ruina de una casa vieja y desertada es capaz de percibir sin demasiado esfuerzo romántico ni testimonios costumbristas el calor de sus paredes negras, la grasa y el agua derramándose, olor de madera quemada durante siglos. Algo se conmueve, algo se espanta en su frío y su polvo. Algo se reconoce y sirve de espejo.

En esta serie de imágenes de Adrian Tyler (1963), el hogar es el afortunado leitmotiv que nos lleva a profundizar más allá del simple recorrido con la vista. El fotógrafo británico, aunque afincado en Madrid, muestra en esta serie el resultado de un viaje a las islas Hébridas, al norte de Escocia. Un viaje múltiple.

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Julio 01, 2006

Testigos: nuevos aires sobre arte-naturaleza - José MARIN MEDINA

Originalmente en EL CULTURAL

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Abierta en 2001 en una dehesa de Vejer de la Frontera, Cádiz, la Fundación Montenmedio Arte Contemporáneo (NMAC) desarrolla actividades sobre escultura, intervenciones arquitectónicas e instalaciones al aire libre, con proyectos específicos y realizados in situ. Invita a artistas internacionales, tanto emergentes como reconocidos (como Sol Lewitt, Marina Abramovic, Olaffur Eliasson, Richard Nonas, Huang Young Ping, Santiago Sierra, Pilar Albarracín, Ester Partegàs, Alicia Framis y Fernando Sánchez Castillo), artistas que residen un tiempo en el parque y con cuyas realizaciones se celebran exposiciones bienales. La fundación adquiere parte de las obras para su colección. Además de su programa expositivo, visitas guiadas y talleres didácticos, la NMAC mantiene relaciones con los centros de arte-naturaleza que hoy hay en Europa (unos setenta), y coordina proyectos del programa Cultura 2000 de la Comisión Europea.

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Junio 24, 2006

Experimentar la naturaleza - ALBERTO MARTÍN

Originalmente en ELPAIS.es

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Suele apuntarse que los trabajos fotográficos de Olafur Eliasson (Copenhague, 1967) son en cierta medida apuntes o esbozos para el desarrollo posterior de sus instalaciones, y, probablemente, el hecho de que no muestre simultáneamente ambos tipos de propuestas redunde en dicha apreciación. Pero sus series fotográficas, generosamente representadas en esta exposición, muestran una autonomía y un interés absolutamente destacable dentro de su producción artística, configurando en la actualidad uno de los tratamientos más complejos de la representación de la naturaleza a través de la imagen.

Eliasson viaja regularmente a Islandia, país con el que mantiene una estrecha relación, y recorre su territorio tomando imágenes de elementos característicos del paisaje y de sus formaciones geológicas con las que posteriormente elabora sus obras. Ahí residen, de entrada, dos componentes esenciales de su trabajo fotográfico. Por un lado, y reelaborando algunos de los presupuestos del land-art, su propuesta parte de una experiencia del territorio, la experiencia física que supone trabajar en la naturaleza, el tiempo del recorrido, el esfuerzo en la localización y la implicación del observador en la construcción de un punto de vista (algo especialmente visible en obras como Serie de caminos o Serie de Alftawatn en primer plano).

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Junio 14, 2006

¿Lo ves o no lo ves? - Anna María Guasch

Originalmente en abc.es

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Pocas veces como en ésta se produce una confluencia tan clara de ideas e intereses de un artista, por un lado, y, por otro, de la voluntad y vocación de un centro expositor. La integración que ha logrado esta nueva versión de las cabanes éclatées de Daniel Buren y el Espai de Castellón es el mejor ejemplo de que, contra lo que algunos creían, el concepto de «pintura expandida» que formulaba Buren en los años ochenta no es un proyecto obsoleto ni están agotadas sus premisas fundacionales.

De hecho, ya desde la primera presentación de este tipo de trabajos en 1984 ?con construcciones todavía bastante simples en las que plafones de contrachapado servían para colocar telas de bandas verticales blancas y azules?, Daniel Buren ha ido concibiendo cada una de sus «cabañas» a modo de manifiesto que resumía su manera de entender el hecho pictórico tras su experiencia BMPT y su crítica a los conceptos de ilusionismo, expresión, subjetividad, oficio, estética y mensaje. A partir de esos momentos, lo más importante era el trabajo del artista y su relación con el taller (o de la ausencia de taller), siguiendo la tradición situacionista de formular una crítica a las instituciones, al museo y al medio artístico (lo que se conoce como crítica institucional).

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Mayo 27, 2006

Axel Hütte: «Soy un viajero en el tiempo y en el espacio» - Javier Díaz -Guardiola.

Originalmente en abc.es

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La «nueva fotografía alemana» tuvo en Axel Hütte (Esen, 1951) a uno de sus máximos exponentes. Con el tiempo, sus intereses más objetivos y racionalistas han dado paso a una fotografía más reflexiva en la que lo real y lo imaginario se confunden y lo subjetivo tiene la última palabra. Viajero infatigable, sus paisajes le han hecho famoso en todo el mundo (el mismo que ha recorrido de cabo a rabo). Hütte vuelve a Madrid, a su galería Helga de Alvear, con la muestra North / South (Norte / Sur), un juego de contrastes en el que también se diluyen las fronteras entre géneros.

La exposición del Palacio de Velázquez en Madrid hace un par de años le permitió reencontrarse con la ciudad y con su público. ¿Se prepara entonces de otra manera una segunda individual?
Yo no reflexiono sobre la percepción del público en cada país, sino que pienso más en la percepción en general. Marcel Duchamp dijo una vez: «El cuadro en realidad se hace en el ojo del espectador». También mi obra tiene que ver con la percepción. Mi trabajo no cuenta una historia por medio de la foto, sino que la fotografía se utiliza como base para la imaginación del espectador. Por eso tengo que decir que, con respecto a esto, estoy totalmente de acuerdo con Duchamp.

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Construcciones para la mente - Arnau Puig

Originalmente en abc.es

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Ante los espacios luminosos y en movimiento de Chema Alvargonzález (Jerez de la Frontera, 1960), conseguidos mediante recursos fotográficos y digitales, uno ha de preguntarse de nuevo acerca de los límites de la fotografía y del pretendido objetivismo que se creyó la caracterizaba. Hemos asumido muy bien que en la actualidad el objetivo fotográfico capta como un ojo humano, es decir, con sentido, y actúa, además, como un pincel o un cincel en manos de quien los maneja; en la foto hay lo que la sensibilidad quiere o piensa percibir. Hasta aquí, de acuerdo; pero cuando lo que aparece en la foto plantea la cuestión de la objetividad, quizá tengamos que reflexionar de nuevo acerca de aquello a lo que atribuíamos la realidad. ¿Hay una realidad que sustenta la foto, o bien la pretendida realidad no es más que la ocasión para desencadenar un proceso imaginario? Aquí hemos de recoger algo de lo que apunta verbalmente Alvargonzález: que él muestra en sus fotos, además de la imagen, la memoria que ésta lleva asociada; que la foto es objetiva y subjetiva al mismo tiempo. Pero, ¿qué memoria desvelan las imágenes así obtenidas, la personal, la histórica, o bien aquel otro matiz que atraía la atención de los surrealistas: la evocación, el delirio, o el subconsciente reprimido? Creemos que ahí se plantea la cuestión de las fotos luminosas y cajas dinámicas que ahora nos propone el artista.

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Beth Moysés: Cómo cambiar el amor - Pilar RIBAL

Originalmente en EL CULTURAL

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El traje de novia, símbolo de esperanza de una felicidad a menudo fracasada, es prácticamente inseparable del trabajo de Beth Moysés (Brasilia, 1960). Igual que sus acciones con mujeres maltratadas que vuelven a vestirse de blanco –con los trajes que usaron el día de la boda– para experimentar ese afecto fracasado que las retiene y liga su memoria a un sueño que no fue. No es casual que su trabajo en la Comisaría de la Mujer en Brasil durante un año, orientara la obra de Moysés hacia esos derroteros, y que tratara de dar voz a esas mujeres que silenciaban su maltrato por vergüenza y que ella misma conoció. La utilización del bordado y de objetos procedentes del ajuar de novia se relaciona directamente con ese deseo de redención de la condición femenina a través de la liberación del vínculo sentimental que estos ejemplifican. Pero todo ese complejo mundo de sentimientos, que halla su medio natural en esa acción en vivo a la que nos introducen videos como Memoria del afecto (2002), queda un tanto descontextualizado cuando las piezas se integran en un espacio museístico. Incluso el Espai Quatre queda convertido en una especie de almacén de silencios y frustraciones, en un depósito de vivencias que nos es vedado compartir por hallarnos confinados a la distancia que impone la observación. Sí podemos, no obstante, entablar un contacto más directo con todas esas historias individuales que integran el relato colectivo Cómo cambiar el amor, tomando en nuestras manos los pañuelos delicadamente bordados con mensajes que la artista ha depositado en los muros de la sala. Es esa intimidad compartida la que sin duda provoca nuestra empatía, al situarnos entre lo propio y lo ajeno que es siempre sinónimo de comunicación.

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Mayo 25, 2006

Cool Drama. La nocturna experiencia del hundimiento en Avelino Sala - Jose Luis Corazón Ardura

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La ficción publicitaria que Avelino Sala inició con su proyecto surfista La espera (2004), en paralelo a su trabajo como creador de la revista Sublime y como videoartista, escultor, dibujante, pintor, comisario o crítico de arte, continúa en una nueva invención mediática, titulada irónicamente Cool Drama. El drama es un género literario que pertenece más a lo teatral y a la acción de la pesantez sobre la vida del héroe que desconoce lo que le va a ocurrir, mientras todos aguardan un desenlace previsible. Es una situación tan natural que de repente aparece cuando menos lo esperamos, es el caso del hundimiento de las ideologías, la caída de los muros, el derrocamiento de los ídolos o el desfondamiento ético. En cualquier caso, la parte cool del drama es que todo vuelve a repetirse, aspirando a la emergencia provocada por una ironía maliciosa.

Si Avelino Sala ha intervenido desde hace tiempo en el paisaje mediante una reflexión del vacío propiciada por una escultura ingrávida con la intrusión de perros vigilantes o con figuras como el Ícaro extrañado que cae en un acantilado, ahora le ha llegado el espíritu de la pesantez y la experiencia de un hundimiento que no sólo espera la ola perfecta, sino también otros lugares como el fondo de un mar metafórico y subliminal al que se llega arrastrando una tabla de valores pesada y aparentemente inútil. Este esfuerzo heroico que propone la tarea del arte como una actitud vital, muestra que las apariencias engañan y en consecuencia llega lo inesperado. La marca registrada en la playa es el resto de una acción tragicómica, porque nadie espera que los valores se hundan con la propia tabla, esta inversión es el peligroso acceso que nos sumerge en un espacio acuático que se quiere aislado de todo. Un arte que ya no busca sólo en la superficie sino en la profundidad en donde somos conscientes de la continuidad del vacío, donde el vacío termina por tomar cuerpo. Por otro lado, Avelino Sala presenta una reflexión acerca de la aparente escisión entre el arte y el diseño, para hablar del lugar donde podemos distinguirlos, entre los objetos que poseen una utilidad –en este caso, la práctica del surf- y los que son artificialmente inútiles –una tabla que se va a hundir con seguridad-, pero que van a conducir a una experiencia del hundimiento del pensar. Es decir, se trata de marcar una diferencia entre los objetos, registrando así que lo que hace que algo sea arte está vinculado, más que a su apariencia engañosa, al uso que paradójicamente hagamos de ello.

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Mayo 24, 2006

Sandison, mundo, sujeto y lenguaje - Ramón ESPARZA

Sobre Charles Sandison, The Reading Room, en Koldo Mitxelena. Originalmente en EL CULTURAL

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El llamado giro lingüístico, la consciencia de que no poseemos el lenguaje, sino que somos poseídos por él, que la lengua estructura y determina nuestro conocimiento del mundo, fue una idea de consecuencias paralelas al otro gran giro del conocimiento humano: el que determinó Copérnico al establecer que la Tierra no era el centro del Universo. La Enciclopedia de Diderot fue el intento del racionalismo de encerrar todo el mundo en el lenguaje, de hacerlo cognoscible mediante una herramienta que se considera transparente, pero hoy día sabemos que no es así, que es el lenguaje el que nos rodea, el que envuelve todo: a nosotros y a nuestra idea del mundo. Las palabras no son sólo signos, también modelos cognitivos. Benjamín Whorf señala que los individuos que utilizan gramáticas diferentes se ven dirigidos por ellas hacia tipos de observación diferentes y a evaluaciones distintas de actos de observación similares.

Toda la obra de Charles Sandison se plantea en torno a esta relación entre lenguaje, mundo e individuo. Y encuentra un entorno apropiado como pocos en el edificio que ocupa el centro Koldo Mitxelena dedicado, en su mayor parte, a albergar una biblioteca, con la sala de exposiciones situada en la planta de sótano, con dos patios de luces que permiten desde ella ver las estanterías cubiertas de libros. Las reflexiones de Sandison sobre la relación entre el mundo y el lenguaje se refuerzan al plantearse en una sala sobre la cual se almacenan miles de libros

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Mayo 14, 2006

Respirar-Una mujer espejo - JUAN JOSÉ SANTOS

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Tras el complicado aunque sugerente título Respirar-Una mujer espejo se esconde el último proyecto multidisciplinar de la coreana Kimsooja (1957). Atrás quedan sus vídeos y sus bottari (telas con los que envuelve ropas u otros objetos). Ahora su interés se centra en una idea que exige más que nunca la participación del espectador, una instalación que gravita en la franja que separa el arte conceptual del ocio más accesible.

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La revolución de los círculos negros - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en Babelia

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El envoltorio es un pensamiento, pura jouissance, espacio del significante, transporte. Paquete vaciado, no vacío. Abstracción visible. El museo, ese gran símbolo de la cultura visual que regula la semántica de la historia, ha convertido la cáscara en pura voluptuosidad, una membrana que rompe el infinito vicioso de los cuerpos sonoros transformados en fetiche. Nada de sentido, nada de metáfora. Sólo la forma pura. Bienvenidos a la verdad del Zen.

La mirada erotizada por la fantasmagoría encuentra en Vinilo. Discos y carátulas de artistas su marco. Detrás de él no hay nada; y sin embargo, las 750 fundas de disco de 33 revoluciones por minuto que se exponen en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba) desbaratan la propia idea de exhibición. El museo como paisaje que escucha. Pero, ¿dónde está la música? ¿Dónde hacer girar los círculos negros? ¿Dónde se esconde el objeto con aura, lo gracioso, lo gratuito de la obra artística? Aquí no hay trampa, pero sí cartón.

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Daniel Buren, un espíritu rebelde - José Luis CLEMENTE

Originalmente en EL CULTURAL

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Las cabañas de cerámica y espejo consiste en un contundente proyecto concebido por Daniel Buren para el Espai d’Arte Contemporani de Castellón, mediante el que trata de abundar en una de las ideas que ha vertebrado su trabajo: el cuestionamiento del museo como estructura ideológica y social. Para ello, Buren ha hecho construir seis grandes cubículos que, entrelazados, se apoderan del espacio expositivo, provocando en él una explosiva disfunción y la ruina de su funcional arquitectura. Este proyecto que se deriva de intervenciones similares, ideadas como cabanes éclatés (cabañas explosionadas), presenta el atractivo de introducir, como novedad, el uso de piezas de cerámica, en sustitución de la pintura y plásticos con los que ha trabajado antes.

Tras abandonar el caballete, Buren formó junto a Mosset, Parmentier y Toroni el grupo BMPT. Con el grupo fraguó una alternativa a los modelos impuestos por la figuración narrativa, proponiendo un modo de actuación artística coincidente con el Situcionismo. Así, antepuso al arte representacional toda forma de posición política, invalidando la idea de creación y desluciendo el aura de la obra de arte, para promover la crítica a los museos, instituciones y al medio artístico. Esta comprometida posición –común entre una nueva generación de artistas vinculada entonces al arte conceptual– definiría su estrategia fuera del marco de la pintura, hasta reducir todo el contenido pictórico a franjas de color verticales de 8,7 cm. de ancho, situadas sobre cualquier superficie. Desde ese momento, las franjas de color de repetición invariable, en línea con el más depurado Ad Reinhardt, han fundamentado su proceso de trabajo. Sin embargo, negando con ello toda posibilidad de evolución estilística, y neutralizando el carácter vocacional del artista, cabe preguntarse ahora si, con el paso del tiempo, paradójicamente no se ha convertido, esa misma estrategia de negación, en la afirmación última de su propio estilo y señal identitaria.

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Mayo 06, 2006

La angustia de la influencia - CARLOS JIMÉNEZ

Originalmente en Babelia

Roig
"La angustia de las influencias" podría ser el nombre o el resumen de lo que se me quedó en la cabeza cuando concluí mi visita a la gran exposición que Bernardí Roig celebra actualmente en DA2 de Salamanca. Y no porque yo me angustie mucho por las influencias ni porque crea que él sea especialmente víctima de ese mal -anunciado o denunciado in illo tempore por el crítico norteamericano Harold Rosenberg-, sino porque hay muchos críticos y aficionados que cuando ven su obra piensan inmediatamente en la de Juan Muñoz como un antecedente, una referencia ineludible o una influencia aplastante. Cierto: no les falta del todo asidero a esta clase de comentarios que se han vuelto insistentes e inclusive insolentes desde cuando Roig abandonó hace años la pintura para concentrarse en los terrenos del objeto, la escultura y la instalación.

La huella de Juan Muñoz está ahí, en lo que hace, y no vale la pena negarlo. Pero eso de "la huella" puede objetar poco o nada a nadie y más en una coyuntura artística como la actual que podríamos calificar, acogiéndonos al uso y sobre todo al abuso del prefijo pos, como posapropiacionista. Coyuntura signada por el copyleft más que por el copyright, coyuntura consecuente o consecutiva a obras como la de Cindy Sherman, donde eso de la originalidad y la autoría indubitable de los trabajos importan o deberían importarnos poco o nada.

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Abril 29, 2006

Muntadas, el gato y el ratón - José MARIN MEDINA

Originalmente en EL CULTURAL

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Las relaciones entre la sociedad de consumo y la práctica del arte han acelerado los ritmos de esa especie de carrera persecutoria que se han marcado entre sí, hasta el punto de que ya no es fácil saber quién corre detrás de quién: si es el gato de la globalización el que persigue al ratón de la actividad artística para neutralizarla, o si son los artistas “sociológicos” quienes tratan de atrapar las imágenes de la propaganda, de los medios de información y de la industria del espectáculo, para relativizarlas, sometiéndolas a la estrategia del distanciamiento. Este arte se propone, ante todo, estimular al espectador –y también al gran público– a una estimación crítica sobre las alternativas de integración y marginación respecto al sistema vigente de valores. ¿Cómo hacerlo?

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Abril 22, 2006

2ª Convocatoria Feedback - Javier HONTORIA

Originalmente en El CULTURAL

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Siete han sido los artistas seleccionados en la segunda convocatoria Feedback de Arte Contemporáneo, cuyos trabajos se pueden ver en la galería ArteVeintiuno de Madrid. Destaca, por su rigor y coherencia, la obra de Esther Mañas (1974), Hueco I, Hueco II, Hueco III, un avance con respecto a su obra anterior. Mañas revela una nueva concepción del espacio en la que los elementos de carácter escultórico le otorgan una más amplia dimensión conceptual. La mayor presencia de objetos –cajas de fruta intervenidas pictóricamente– se impone a esa idea ligada al trampantojo y a lo intuido que ha caracterizado su obra hasta el momento.Llaman también la atención los trabajos del zaragozano Enrique Radigales (1970), dibujos digitales en los que un tipo de línea aparentemente fortuita sugiere una frágil figuración sobre un fondo negro rotundo. Se enfrenta así la dureza del contexto a la levedad casi evanescente del trazo. La obra fotográfica de Eva Davidova (1969) sitúa a la figura humana en el centro del discurso de la manipulación digital. Los cuerpos se descontextualizan, hablan a la arquitectura de tu a tu y asisten al paso despiadado del tiempo en imágenes cargadas de extrañamiento. Miguel Ángel Fernández (Albacete, 1976) también habla del tiempo pero lo retiene conciezuda y sistemáticamente en dibujos de marcada raíz abstracta deudores del automatismo. Más inclinadas hacia el concepto del espacio se encuentran las fotografías de Begoña Morea (Zaragoza, 1975) y los collages de Cristina Fontsaré (Barcelona, 1969) mientras el jovencísimo Oliver Añón (1982), también barcelonés, juega, desde una decidida precariedad, con el humor y el absurdo en frescos cortes de vídeo.

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Shoja Azari, tras el cristal - Javier HERNANDO

Originalmente en EL CULTURAL

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Las disfunciones psíquicas que generan comportamientos injustos para los demás y que en sus grados extremos pueden derivar en violencia física, psicológica, o en perversiones sexuales; la interiorización de modelos de identidad sexual o étnica aprendidos durante la infancia; la vivencia forzosa de situaciones dolorosas, como la reclusión o la soledad, tienen sus manifestaciones más explícitas en el ámbito privado, o sea, al otro lado del cristal y del muro. Sólo cuando el desquiciamiento del sujeto alcanza cotas máximas, sus acciones pueden suceder en el marco público. Todos los cortometrajes que conforman el proyecto Windows de Shoja Azari abordan alguna de aquellas disfunciones: violencia, incesto, alienación, infidelidad, soledad, reclusión, incomunicación… Y lo hace, como señala el título, situando la cámara delante de la ventana, aunque a veces también al otro lado, o sea en el interior, cuando el evento narrado se hace permeable o se desarrolla simultánea o alternativamente en ambos espacios: público y privado.

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Abril 14, 2006

La ventana indiscreta - Laura Revuelta

Originalmente en abc.es

Shoja Azari proviene del mundo del cine y, contemplando las piezas de la serie que ahora expone, uno no tiene más remedio que recordar el título de una cinta clásica en la historia cinematográfica, La ventana indiscreta, de Hitchcock. No sólo porque este conjunto de nueve vídeos se llame Ventanas (2003-2005) sino además porque lo que descubriremos en estas secuencias son escenas que observamos con una ventana de por medio: de dentro para afuera o de fuera para adentro. En La ventana insdiscreta se presentaba una alegoría del voyeurismo trufada de un truculento sentido del humor, pero al final lo que se resuelve es un crimen. Nosotros cotilleábamos al vecindario a través de los ojos o de la cámara del protagonista apostado junto a un ventanal, y también fisgoneábamos a él, a su novia... Aquí, en la serie de Azari, el ejercicio de voyeurismo no está trufado con aditamento alguno, ni con fina ironía ni con crudo sarcasmo, la crítica es crítica sin mayores ni menores remilgos; bastante cruda. Y los reproches a la sociedad norteamericana, a la sociedad occidental por extensión, resultan tan directos que pueden atragantarnos.
Aunque el origen iraní de Azari y su condición de exiliado político nos pudieran haber llevado a suponer que hacia donde dirigiría su intensa mirada acusadora es a su país de origen ?ahora en el centro de la diana bélica?, no ocurre así, prefiere no recordar su pasado. Algo que le diferencia claramente de los trabajos de su mujer, la también artista y más que reputada, Shirin Neshat. Estados Unidos es su país de adopción y sobre él vierte todas sus decepciones.

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Shoja Azari: «soy un hombre sinidentidad, sin fronteras» - Javier Díaz-Guardiola

Originalmente en abc.es

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Es casi su primera vez, pero se encuentra cómodo y distendido. Shoja Azari (Irán, 1958) ha elegido España para escenificar su irrupción definitivo como artista, con la presentación de la serie «Windows» en forma de instalación. Su calidad como cineasta ya está más que comprobada y su entrada en el mundo del arte no está dejando a indiferente. Será porque este hombre de verbo pausado y discurso intenso, exiliado de Irán y desencantado de Occidente, sin perder nunca la esperanza, está acostumbrado a situarse en la frontera.

¿Qué metáfora de la ventana ?como límite, pantalla o frontera? es la que ofrece «Windows»?
Windows hace alusión a todas esas realidades. Quizás la metáfora más evidente para mí sea la de frontera. Las ventanas se relacionan con los muros. Los muros son límites físicos que levantamos frente a nosotros mismos para separarnos unos de otros, y las ventanas son conexiones, aberturas transparentes que necesitamos, aunque luego las cubramos con cortinas. Lo que quiero resaltar es esa imposibilidad absoluta del individuo para esconderse. En la serie hay un vídeo cuya historia se nos cuenta desde un ojo, lo que introduce la idea del voyeurismo. Es una pieza muy importante porque subraya muy bien la idea de metáfora: el ojo es la entrada a los secretos de quien los guarda.

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Abril 13, 2006

Vértigo en tiempos de cambio - Elena VOZMEDIANO

ORIGINALMENTE EN EL CULTURAL

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Llega el momento, en el reparto mundial de riqueza y poder, de los gigantes asiáticos, China e India, y podríamos pensar que la creación contemporánea en ambos países va a vivir en breve una explosión similar. En el caso de China, es cierto que el mercado occidental ha demostrado enorme interés por sus artistas desde hace años, y el arte chino actual ha sido objeto de numerosas colectivas en importantes museos y centros: ahora mismo, en el PS1 neoyorquino, The Thirteen: Chinese Video Now; en la Haus der Kulturen der Welt, Berlín, la itinerante Between Past and Future. New Photography and Video from China; en el Davis Museum de Wellesley, On the Edge: Contemporary Chinese Artists Encounter the West; y en el Kunstmuseum de Berna, una selección de una de las mayores colecciones occidentales de arte chino, la de Uli Sigg (1.200 obras). Pero para que el arte chino sea fuerte, debe, sobre todo, consolidar su presencia en el interior. Y eso es algo que ha comenzado a suceder sólo muy recientemente. Hasta principios de los 90 no había mercado nacional, ni apenas centros de arte, ni suficiente información. Hoy hay algunos espacios no gubernamentales, galerías y casas de subastas que prosperan espectacularmente y un proceso de modernización de las enseñanzas artísticas; ciertos museos estatales exponen arte actual y se han establecido la Bienal de Shanghai y la Trienal de Guangzhou, así como la feria de Beijing (que pronto será el mayor evento artístico asiático). Impresionantes logros, pero es sólo un principio. En cuanto a la censura, se dice que ya no se cierran exposiciones, como ocurría hace poco. Si se respetan los mínimos se hace la vista gorda.

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Abril 08, 2006

LA PIEDRA HABITADA - JUAN JOSÉ SANTOS

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La última obra de Aitor Ortiz -Bilbao, 1971- habita las salas de la Galería Max Estrella y del Museo Artium de Vitoria de manera simultánea. Y en ambos espacios, el fotógrafo interviene en las paredes haciéndo de su trabajo algo más que una mera exposición de instantáneas.

Al igual que sus paisajes, que son algo más que una simple muestra de volúmenes inmensos, de un juego de luces y sombras. Las imágenes de su serie Muros de Luz generan arquitecturas mentales, sensaciones de aislamiento, frío y misterio.

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Abril 02, 2006

En estado de devenir - Alberto Ruiz de Samaniego

Originalmente en abc.es

«Detente, instante, eres tan bello». El verso goethiano da voz al deseo imposible de capturar un proceso que no se detiene. Hay en él un indudable poso nostálgico, cierta melancolía. La nostalgia entonces que se acomoda como una brisa triste en lo que ha sido, lo que una vez se hizo presente, cierta verdad desaparecida con el instante. La melancolía surge de la aspiración incumplida por proyectar un momento a lo largo del tiempo; por apropiarnos del destino de la Historia que se va conformando a través de la supremacía de un instantáneo autónomo. Nostalgia, melancolía; pero también proyección o tensión vulnerada hacia algo.

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Marzo 25, 2006

La muerte como 'ready-made' - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en Babelia

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El símbolo filosófico ya no es la cueva de Platón, ni la isla desierta de Robinson, ni el laberinto recto de Borges. El símbolo del pensamiento del nuevo milenio es una pantalla de vídeo frente a la que nos instalamos de golpe para percibir el mundo. En ella contemplamos sus designaciones posibles, pensamos su sentido, interactuamos. Entramos en una infinita regresión. Nos sentimos atrapados en un anillo de Moebius donde el exterior se confunde con el interior, lo que está fuera está dentro, lo real es sueño y el sueño es real. Levitamos. Vivimos en el cuento de Alicia. El barómetro ni sube ni baja, sino que va a lo largo. Las nubes descargan la lluvia en horizontal. ¡Una máquina de estirar las canciones! Una pantalla de cine, multiplicada, hecha pura superficie, fotograma a fotograma. Psicosis. La escena del horror paralizada y que nos paraliza. La derecha se vuelve izquierda, el espectador es sujeto y objeto. En la contemplación de esa película sin volumen perdemos nuestro nombre, es un espejo que nos refleja y que ahuyenta la falsa profundidad. La canción es la realidad. Tararea, en un tono de peregrino de Canterbury: "Lo que quieres que te diga... Ya estoy muerto".

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Marzo 22, 2006

SOLILOQUIO - M. Mansilla.

Sobre HANAMARO CHAKI

Hanamaro Chaki (1976) nació y creció en Tokio. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Brighton en Inglaterra. Vive y trabaja en Barcelona. Sus últimas exposiciones fueron In-Out en la Sala d´Art Jove de la Generalitat de Catalunya e Irresistible Paint en A&D Gallery de Londres. Aunque han pasado nueve años desde que Hanamaro Chaki (Tokio, 1976) inició su carrera y ha demostrado su talento en ciudades tan diversas como Tokio, Brighton, Londres o Tokio, hay una cualidad que se mantiene, que distingue y singulariza su pintura: la introspección en sí misma.

En Soliloquio, una vez más, Hanamaro nos explica a su manera que la pintura no es una forma ni un uso, sino tan sólo el gesto fruto de una fantasía abierta al recuerdo de una emoción. Las observaciones continuas, pictóricas y poéticas, que componen cada obra de la exposición mantienen el secreto de los momentos de concentración de la artista a lo largo de estos años, de su entrega a las cosas sensibles como una coleccionista obsesiva que se mueve entre lo visible y lo invisible, entre la vigilia y el sueño.

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Metáforas de la opulencia - ROCÍO DE LA VILLA

Sobre la exposicióón de Erwin Wurm The Idiot, en SALA DE EXPOSICIONES CANAL DE ISABEL II MADRID. Originalmente publicada en LA VANGUARDIA DIGITAL

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En el vídeo, el Fat Car de mofletes gomosos se lamenta: "Estoy lleno, estoy gordo, soy feo, soy" (Coche Gordo Hablando/ Amo mi Tiempo. No me gusta mi Tiempo, 2003). Al principio fue proyectado dentro de la Fat House. Ese mismo año, como si se tratara de una máquina que alimenta a otra, Wurm produce Fat House Speaking,dotando del mismo discurso ingenuo a su primera obra monumental: "Hay muchas criaturas gordas en el mundo, como animales o plantas, y también hay muchas estructuras gordas en el mundo, como empresas, cuentas, propiedades, fuerzas, ciudades". El trazo de cómic y la expresión infantil, indecisa, no impide que la metáfora sea menos efectiva. Wurm habla del binomio de la opulencia: obesidad y sedentarismo, cuyos ejemplos figurados serían los conductores de ese cinturón de tocino de casas unifamiliares de las periferias que engordan los núcleos urbanos del siglo XXI. En el paroxismo, sus habitantes necesitan tenerlo todo en casa para sentirse seguros. Es impresionante el vídeo de la entrevista a la familia Wohlmuther: sobre el fondo de una casa-despensa hasta los topes, la mujer, profesora de escuela, afirma sin pestañear que llevan "una vida completamente normal", aunque entre sus hábitos se cuente revisar las existencias por la noche y nos asegure que "eso es una muy buena sensación, cuando lo tenemos todo aquí y sobre todo no sólo un paquete, sino dos, tres e incluso mas".

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Marzo 18, 2006

Pureza entre la impureza - Laura Revuelta

Originalmente en abc.es

Por muy improbable que parezca y aunque pocos se lo crean, con los agitados vientos que soplan, apetece hablar bien del Museo Reina Sofía. Toca ser positivo. Sobre todo porque la crítica no siempre nace de la obsesión fulminante sino del deseo de que este espacio recién remodelado por Jean Nouvel despegue de una vez para colocarse donde le corresponde después de tantos y prolongados vaivenes. Más allá de sucesos de diversa índole y catadura lo que realmente ha clamado al cielo es el pésimo programa de exposiciones, que al cabo, perdonen que lo recuerde, es lo que define si un museo da la talla o no frente a tantas instituciones nacionales e internacionales. Aunque también los sucesos de fondo hacen ruido, mucho ruido, y al final, ya les digo, pocas nueces. Desde la aclamada por unanimidad -hasta por parte del público en sus comentarios (soy testigo)-, como pésima muestra sobre el conceptual español y sus asuntos hasta la del Quijote revisitado por los artistas contemporáneos, el panorama del Museo Reina Sofía ha sido demoledor para cualquier alma y cuerpo con ganas de todo menos de jota.

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Con un cuerpo insoportable - Anna María Guasch

Originalmente en abc.es

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Gloria Moure, en esta individual del artista fílmico norteamericano Paul Sharits (1943-1993), la primera que se realiza en España, insiste en el carácter innovador de este creador que, en una poco habitual trayectoria desde la pintura al cine, realizó a lo largo de los años sesenta y setenta algunas de las más notables aportaciones a este medio: los Flicker Films (filmes parpadeo) ?que le llevaron a ser incluido en la importante exposición Structural Film que P. Adams Sitney organizara en 1969 junto con otros cineastas no convencionales? y los posteriores Locational Films.

Luego vinieron los ochenta y los noventa, años de olvido y de escasa actividad expositiva, que, según algunas versiones, estarían en el origen de su suicidio con cincuenta años. ¿Dónde situar a un cineasta (o quizás mejor, artista fílmico) tan poco convencional como Sharits, que buscaba expandir el relato cinematográfico a las técnicas y procedimientos de la pintura, por un lado y que, por otro, buscaba ?como también lo hacían los escultores minimalistas? salirse de la especificidad del medio e invadir el espacio con la incorporación del espectador? Sin duda, el tiempo ha acabado situando a Sharits allí donde el contexto teórico de los años ochenta y noventa no lo permitía: en un campo «expandido» más cerca del museo que de la sala de cine, y más cerca de la acción y la instalación que del fotograma y el celuloide.

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¿Una generación urbanita? - David BARRO

Originalmente en EL CULTURAL

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Urbanitas es el resultado de una exposición esperada, necesaria para medir la temperatura de un contexto como el gallego, demasiado dependiente de una hipotética salida provinciana para triunfar en Madrid. Así ha sido Atlántica y una posterior generación de artistas que buscaron un sitio para situarse aunque obligados a tener la mirada puesta en el espejo retrovisor, pensando en ensayar un mismo modelo. Ese mismo esquema dominó el sentido de dos exposiciones que hoy estudiamos como referenciales en Galicia, 30 años en el 2000 y Nuevos caminantes, ambas comisariadas por Miguel Fernández-Cid, una de las personas que ha seguido más atentamente a los artistas salidos de la factoría pontevedresa. Más desafortunados han sido los intentos de desembarco madrileño al estilo Atlántica, que resultarán frustrados.

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Marzo 11, 2006

Menores sin reparos - Ramón ESPARZA

Originalmente en EL CULTURAL

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En la sociedad actual hay una cierta tendencia a considerar que publicaciones como Big, The FACE o Dazled son revistas de pensamiento, confundiendo el rápido consumo de ideas, nombres y estilos reducidos a lo que las propias publicaciones denominan tendencias.

Para todos los públicos, la exposición que presenta la sala Rekalde, comisariada por Xabier Arakistain, no se sustrae a este principio. En su declaración de intenciones, reúne la obra de veintiocho artistas (nada menos) cuya obra gira sobre la redefinición de algo que queda tan poco definido como el espacio público tradicional, en referencia a la construcción de la realidad por los medios.

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Diane Arbus: Latidos compartidos - MERY CUESTA

Originalmente en LA VANGUARDIA DIGITAL

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La obra de Arbus discurrió por el camino que marcó la exploración personal de su autora, por el sendero que le dictó su tormento interno. Entender su obra es comprender su vida, que comienza así como bastante normalita (padres acomodados, marido currante, dos hijas) y acaba tan desnortada como los protagonistas de sus últimas fotografías, enfermos mentales. Hagamos un retrato de la propia Arbus alrededor de los cuatro ejes temáticos fundamentales de su trabajo, cuatro latidos específicos de la esclerótica sociedad norteamericana en los que otros creadores -y nos centraremos en los cinematográficos- han detectado la misma elocuencia descarnada.

1. La deformidad.

Decía Bazin a propósito de los desgraciados que desfilaban por Los olvidados de Buñuel que "los rostros más repulsivos no dejan de ser la imagen del hombre". Sin embargo, arranca un rictus de desprecio aquel que es más alto (King Kong o el gigante judío), más pequeño (el increíble hombre menguante o los enanos rusos), el deforme (el adolescente motero de Máscara o el enano mexicano), el que nace por partida doble (las siamesas de El resplandor son una cita a las de Arbus) o incluso tener alguna facultad poco común (el hombre que tenía rayos X en los ojos o la tragasables). La singularidad y la malformación física son una constante en el Universo Arbus. Pero aquí los enanos, jorobados u hombres sin cabeza son reales, como los que pueblan Freaks de Browning. Porque de todos aquellos, la bella Cleopatra era la única criatura no deforme, pero sí la verdaderamente monstruosa, de la misma manera que para Arbus esos ricos y aristócratas jugando al brigde o tomando pastas son los auténticos engendros de la sociedad.

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Febrero 25, 2006

El proceso va por dentro - Javier Montes

Sobre Madrid-proceso-redes. Varios artistas. Originalmente en abc.es

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Casi han coincidido en Madrid dos proyectos centrados en el arte actual como proceso y work in progress, más que como creación de obra «acabada». El espacio alternativo Liquidación Total montó a principios de febrero su Exposición Falada con material de artistas muy diferentes (de Bleda y Rosa a Nacho Criado o Bárbara Fluxá) para mostrar el proceso que daba lugar a sus trabajos.

Y otros dos colectivos independientes, AVAM y RMS, presentan ahora con más medios -patrocina la Comunidad- el resultado de Madrid-Procesos-Redes, con participantes interesados por la investigación en equipo y el trabajo de campo en y sobre Madrid. Tanto o más que la exposición, en este caso conviene visitar la página web (www.madridprocesos.org) donde los artistas dan cuenta pormenorizada de sus intenciones, medios y coartadas intelectuales. Si Liquidación Total ofrecía más bien pistas del proceso personal que lleva a la obra, Procesos-Redes pone el énfasis en el proceso como obra.

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Colección Herbert: Maneras de pensar - Anna Maria Guasch

Originalmente en abc.es

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El matrimonio de Gante (Bélgica) compuesto por Annick y Anton Herbert nunca supuso que una colección constituyese, como así pensaba Walter Benjamin, un particular modo de entrar en relación con el pasado, ni un modo de «cita» del objeto fuera de su contexto, lo cual habría acabado por destruir el orden en que este objeto encuentra valor y sentido. Los Herbert han conformado su colección en contacto directo con su época y en sintonía con los acontecimientos revolucionarios y cuestionadores del sistema ocurridos a partir de mayo de 1968, que les dejaron vivamente impresionados y que están en el origen de sus decisiones en su largo viaje como coleccionistas, el cual se inicia en el año 1973 y que, con interrupciones en los pictoricistas y neoexpresionistas años ochenta, sigue hasta la actualidad.

En realidad, la Colección Herbert que se muestra por primera vez de un modo exhaustivo en el MACBA barcelonés (tras dos más reducidas presentaciones en Eindhoven, en 1984, y en Luxemburgo, en 2000) está llena de decisiones personales, de parti-pris, que, más allá de los gestos subjetivos del matrimonio, nos remiten ?y ello es lo que creemos verdaderamentete destacable? a un determinado espíritu de época, aquél que recorre los episodios «anti-formalistas» de la modernidad: el minimalismo «contestatario» (y su defensa de la alusión, la teatralidad y una sensibilidad pervertida por el teatro), siguiendo con los distintos deslizamientos procesuales que culminaron con el conceptual, el povera, así como los diversos capítulos de crítica institucional (desde Buren a Broodthaers).

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Febrero 05, 2006

Julia Montilla, otros escenarios - Javier HONTORIA

Originalmente en EL CULTURAL

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Buena parte del trabajo que Julia Montilla viene realizando en los últimos años tiene que ver con cómo hemos claudicado definitivamente ante las herramientas de seducción de las grandes potencias de la cultura del entretenimiento. En sus últimas series, la artista barcelonesa (1970) ha tratado el tema de las telenovelas, los fenómenos paranormales, el género del musical hollywoodiense o la música pop para subrayar no ya sólo –lo hace subterráneamente– el asombroso poder de este sector sino también la condición globalizada de sus triunfos, el modo en que ha conseguido conquistar y dominar hasta el rincón más desangelado del planeta. Pero no es la suya la típica reflexión crítica hacia el lastimoso destino de las masas. Su trabajo alude también al encuentro entre las diferentes entidades culturales y a las relaciones humanas que éstas propician, siempre en el contexto de este fenómeno universal que es la industria del ocio. En este sentido, en su último proyecto, Too much heaven, con el que inaugura el nuevo espacio de la galería Trama en Madrid –ciudad en la que nunca había expuesto de forma individual–, se condensan muchas de sus inquietudes estéticas.

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Febrero 01, 2006

Sergio Prego: El truco está al descubierto - ROCÍO DE LA VILLA

Originalmente en CULTURA | S

Aunque Sergio Prego (Fuenterrabía, 1969) se dio a conocer y ha sido incluido en numerosas colectivas de vídeo (Luces, cámara, acción, IVAM, 1997; Monitor: Volume I, Gagosian Gallery, 2001; Bad Boys, Biennale di Venezia, 2003, entre otras), detesta el monocanal. Su investigación, centrada en el espacio, está enraizada en la evolución de la tradición escultórica vasca (Oteiza, Badiola), con la incorporación de las reflexiones minimalistas y performativas acerca de los límites de su experimentación corporal y visual. Los conceptos de Bruce Naumann de observación de manipulaciones y manipulación de observaciones, así como los de amplificación y privación, como estrategias para poner en marcha los mecanismos psicofisiológicos de defensa ante la confusión gestáltica, continúan siendo útiles para entender su trabajo, caracterizado por la utilización de medios electrónicos lowtech al servicio de una rara habilidad ingeniera, con resultados muy impactantes.

A lo largo de la última década, Prego ha intentado demostrar que la "música es figurativa, un signo del mismo espacio en que se encuentra" en la instalación sonora de la pasarela que une el viejo y el nuevo edificio del Museo de Bellas Artes de Bilbao, donde se pretendía redefinir los límites del espacio por la percepción del sonido de quienes lo transitaban. Y ha ensayado a organizar situaciones colectivas, como la fiesta de Absolut, donde el dispositivo de flashes fotográficos al atravesar los torniquetes de control de acceso generaba a la vez que documentaba el evento. La reja modular de acero que entonces separaba las dos zonas se ha reinstalado en la galería, formando un rectángulo de treinta metros cuadrados vacío, al que se accede por una angosta apertura lateral, y cuyo resultado final dista mucho del inquietante, óscuro y sórdido lugar, abandonado y postindustrial, del evento original. Transtodo (2003) aísla, además, las instalaciones de dos importantes piezas producidas en 2005 y que ahora se muestran en la segunda individual del artista en Soledad Lorenzo.

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Enero 28, 2006

Carrusel de identidades - ALBERTO MARTÍN

Originalmente en ELPAIS.es

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Hay determinadas prácticas de la fotografía cuyo desarrollo y difusión han estado ligadas durante décadas a un cierto modelo de festival. De hecho, en la etapa en que la cultura fotográfica luchaba aún por su plena aceptación y normalización, especialmente en el ámbito del arte, los festivales fotográficos cumplieron un papel de agitación y llamada de atención sobre la madurez e importancia del medio. Lógicamente, la aceptación de la fotografía por las instituciones y circuitos artísticos, así como su progresiva disolución en múltiples prácticas, hasta el punto de que desde determinadas posiciones se cuestiona si realmente se trata de algo identificable como fotografía, terminó por poner en crisis muchos festivales o al menos dejó sin justificación a algunos de ellos, haciendo necesaria una reformulación de los mismos. En este contexto, sorprende la aparición y progresivo afianzamiento de Fotoencuentros. La razón de su éxito y continuidad probablemente haya que buscarla en el hecho de haberse centrado con nitidez en un territorio que podríamos definir como de difusión y reconocimiento de la cultura fotográfica. A este principio responden algunas de las señas de identidad de este festival.

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Jan de Cock de módulos, estructuras y programas - Rocío DE LA VILLA

Jan de Cock de módulos, estructuras y programas:

Port Arte
La trayectoria fulgurante de Jan de Cock hace palidecer la acepción habitual del término “emergente”: en cinco años ha intervenido algunos de los espacios más interesantes de la escena internacional y todavía no ha cumplido los treinta. Esta primera individual en España presenta parte de los últimos módulos de lo producido en 2004. A falta del encargo de alguna institución de nuestro país -el rasero del conservadurismo y de la precariedad presupuestaria afecta a todas por igual, pese a la disparidad de tendencias–, hay que agradecer una vez más que lo reciente llegue de la mano del riesgo asumido por el sector galerístico.

El trabajo de este joven artista belga demuestra la vitalidad del “arte en contexto” como un género bien asentado en la tradición postmoderna. De Cock interviene espacios públicos, extrayendo resultados de la fricción en su uso privado. En la primera fase, se traslada al lugar, estudia la arquitectura y los modos de habitarla. De vuelta a su estudio, investiga la historia del edificio y comienza a desarrollar, a partir de módulos, la estructura que recubrirá las zonas externas y/o internas de la edificación y que, posteriormente, terminará de ser adaptada, en un lento proceso de ensamblaje de carpintería. Después, una vez que se ha devuelto el espacio intervenido al uso de particulares y público, dirige a un fotógrafo “operador”, quien toma las escenas que finalmente serán presentadas en cajas de luz, en forma de trípticos, dípticos o imágenes singulares, como últimos módulos de este método sistemático, a menudo en aquellos mismos espacios. Asemejando el efecto especular de las muñecas rusas. En definitiva, este es el producto restante (y comercializable) tras el desmantelamiento o fin del proceso que lleva en sí toda construcción que se refiera al ensamblaje o a una construcción progresiva. En una entrevista reciente, De Cock aseguraba que un ayudante revisa con un programa informático las proporciones de los módulos realizados a fin de que las estructuras no sean repetidas.

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Ojo viajero, ojo reflejado - Iván de la Torre Amerighi.

Originalmente en abc.es

¡Ah! Ya lo entiendo, ahora, sí: es una provocación, una conmoción. ¿Cómo dice? Digo que el vídeo es una provocación y ni siquiera habría que verlo entero para comprender el juego al que nos somete. No entiendo nada. Pues yo, sí. Al principio me incomodó, llegué incluso a aburrirme. ¿Pero si sólo dura siete minutos? Como si durase setenta. Eso no es lo importante, ahora lo entiendo.

En el caso de Chema Alvargonzález (Jerez de la Frontera, 1960) el viaje no puede ser considerado como un objetivo, una finalidad, tal y como frecuentemente es asimilado a la hora de analizar de modo crítico su discurso narrativo. Como acto debe ser entendido en cuanto que herramienta de búsqueda dentro de una doble dirección. El viaje no es más que una ecuación entre espacio y tiempo, cociente que entre ambos factores se mensura por medio de la velocidad. A mayor espacio recorrido en el menor lapso temporal, mayor será la velocidad. Pero la matemática, y eso lo sabe bien el artista, es incapaz de calcular ni el impacto ni el sentido de sus ecuaciones. Toda periégesis comporta, además del descubrimiento ?por lo demás, un efecto inevitable?, una voluntad de huida. Emprendemos camino dejando siempre algo tras de nosotros; lo importante es trasladarse. Permanencia es sinónimo de estancamiento: es el signo de los tiempos. Ninguna de las imágenes de Alvargonzález escapa a esa mezcla de nostalgia, alivio y dinámica extrañeza, siempre presente en la mayor parte de sus fotografías, instalaciones, piezas escultóricas y vídeo-creaciones.

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Enero 21, 2006

Rosemarie Trockel: Subversivamente femenina - HELENA TATAY

Originalmente en CULTURA | S

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Es sorprendente ver Post menopausia en grandes letras, dada la invisibilidad social que el tema suele tener. Este es el título que Rosemarie Trockel le ha dado a su exposición retrospectiva en el Museo Ludwig de Colonia, su ciudad natal. El título alude al final de un ciclo creativo, porque esta exposición es una mirada atrás a 30 años de trabajo, pero lo hace desde una perspectiva femenina, y a la vez juega a nombrar públicamente lo que se suele mencionar en privado, resucitando en el espectador los sentimientos contradictorios y las ansiedades que los clichés de genero suelen provocar.

Desde el principio, su trabajo se ha caracterizado por tomar en cuenta las condiciones sociopolíticas en las que se da (y se ha dado) la producción artística, y por mantener un perspicaz, irónico y subversivo punto de vista femenino.

Trockel pertenece a lo que podríamos llamar la tercera generación de los artistas alemanes que se dieron a conocer internacionalmente en los años 80. Sus compañeros de generación eran casi todos hombres y pintores. Ella fue prácticamente la única que se interesó por temas como el cuerpo o la construcción social del sujeto que tan relevantes son ahora. En estos 30 años, ha empleado casi todos los medios conocidos del dibujo al vídeo, para elaborar un trabajo que abarca un amplio espectro de temas e intereses tan diversos como: Los animales y su función como espejo de nuestro inconsciente (recordemos que su participación en Documenta X fue una casa para cerdos); la belleza, su relación con los iconos sociales femeninos; el fenómeno de la moda; la historia del arte; la antropología; la cultura popular y un largo etcétera.

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Enero 14, 2006

Li Wei: El ejemplo del acróbata - Fernando Castro Florez

abc.es | ABCD las artes y las letras | Toda la actualidad cultural :

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En una libro de conversaciones con Sylvere Lotringer titulado Amanecer crepuscular, Paul Virilio habla en términos bastante apocalípticos del body art, llegando a ponerlo en relación con la ingeniería genética e, incluso, nombrando a Stelarc y Orlan, lo hace en preocupante vecindad con los sueños siniestros de Mengele. «El otro día vi ?dice el famoso teórico de La estética de la desaparición? a un profesor de Historia del arte contemporáneo que enseña en colegios que me dijo: "Cuando llego a la automutilación, eso ya no sé cómo enseñarlo"». La interlocutora intenta proyectar al visionario pensador hacia un tiempo remoto y le sugiere que acaso hay alguna conexión con las huellas de las manos mutiladas sobre las paredes de las cavernas prehistóricas, comentario que Virilio apostilla a la carrera: «Sí, pero yo no podría ir y decirles a los chicos: "Agarren la navaja y denle duro"». Parece sensato evitar que los niños, después de la magia de los Reyes Magos, se coman cebollas a bocados como si fueran manzanas, se peguen tiros en el brazo o, para colmo del furor fetichista, se líen a tatuar líneas en la espalda de sus amigos más íntimos. Y, por supuesto, hay que esconder los cuchillos, no vaya a ser que algún insensato tome la drástica decisión de cortarse en rodajas el miembro viril. Pero tampoco podemos pensar ?así, sin más? que el arte surgido tras la gran demolición es meramente el «suicidio simbólico» de una cuadrilla de cretinos o la manifestación de unas provocaciones pactadas por una serie de snobs. En una época, literalmente anestesiada, sometida al tratamiento «Ludovico», acostumbrada a la sobredosis del horror, acaso tengan que generarse otro tipo de acontecimientos, performances que sean capaces de activarnos, demostraciones drásticas que den qué pensar.

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Miguel Ángel Gaüeca: Raro, raro, raro - Alicia Fernández.

Originalmente en abc.es

Rarities and Curiosities son las consignas que presiden esta esperada exposición de Miguel Angel Gaüeca. Curiosidades y rarezas sueltas aquí reunidas, que bien sirven para definir el escenario particular donde se desarrolla su trabajo en torno al individuo contemporáneo, o bien se constituyen en sugerentes metáforas sobre el papel del artista en la sociedad, sobre los diferentes roles y prototipos que aparenta, sobre sus querencias y aspiraciones personales. Desde hace años, Gaüeca está inmerso en estas cuestiones, prestando especial atención tanto a los comportamientos que configuran la figura del artista (y, en particular, su propia identidad) como a las presiones ajenas que a menudo intervienen en su camino. La fama y el éxito unidos al egocentrismo; la vanagloria, el poder, la autocomplacencia, el talento; el mito del arte joven y demás artificios presentes en el entramado artístico y social actual degeneran la función del creador hasta convertirlo en una marioneta del mercado, edulcorada además por una supuesta modernidad estética.

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Sergio Prego: En una era de belleza asequible , la fealdad tenía algo de heráldico - Javier Montes

Originalmente en abc.es

En 1998, Sergio Prego presentó en la antigua fábrica de Consonni en Bilbao la pieza que le dio a conocer y que al cabo de los años sigue siendo emblemática: marcaba ciertas pautas a las que se ha atenido ?en líneas generales? en su coherente trayectoria posterior. Tetsuo Bound to Fail representaba imágenes del propio artista por medio de un dispositivo que incluía cuarenta cámaras fotográficas que se disparaban simultáneamente. Mediante un laboriosísimo montaje videográfico posterior, un sólo instante ?el segundo que tardaba en derramarse, por ejemplo, una taza de líquido? era representado desde múltiples puntos de vista, creando una brecha inquietante entre tiempo y espacio reales y representados. Era una aproximación pionera y en cierta forma artesana a la técnica del bullet time (que congela la acción mientras la cámara parece seguir moviéndose alrededor de la escena) que un año más tarde ?no antes? popularizó en todo el mundo Matrix y que ahora puede verse en cualquier vídeo pop o anuncio de televisión, en cuanto uno hace algo de zapping. El resultado ofrecía imágenes que se proponían cortocircuitar nuestra percepción habitual del tiempo y del espacio a partir de un trabajo a medio camino entre el bricolaje y la alta tecnología, entre lo extremadamente manual ?artesanal, casi?, el aura fría y la pátina despersonalizada que daba el uso de la videografía digital y los sonidos sintetizados electrónicamente.

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Enrique Marty hasta que la muerte no separe - David BARRO

Originalmente en EL CULTURAL

Marty
Comienzo con el típico ejemplo de una escuela de periodismo: si un perro muerde a un cartero no es noticia, pero si un cartero muerde a un perro sí lo es. Así de simple y así de complejo entiendo el trabajo de un Enrique Marty que acaba de diseñar en el MUSAC su particular Flaschengeist. Marty nos presenta una especie de Blade Runner, en un tiempo irrepresentable y siniestro donde el pasado y el futuro semejan extrañarse, o mejor, confundirse, ya que no es posible distinguir la realidad, del ejercicio de su propia construcción. Tal vez, podamos transportar las palabras del escritor Claudio Magris acerca del eclecticismo de Budapest: “su mezcla de estilos evoca, como cualquier Babel actual, un evento bullicioso de supervivientes de alguna catástrofe”. Aquí, en esta “parada de los monstruos” de Enrique Marty, esos supervivientes son personajes de feria que, por si fuera poco, nos miran de modo impertinente hasta coartar nuestra condición de tranquilos espectadores.

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Entre la máquina y el vídeo, Sergio Prego - José MARIN-MEDINA

ORIGINALMENTE en EL CULTURAL

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Máquinas como cuerpos, video-performances y escultura mobiliar de realización técnica entre manufacturada e industrial: ésos son los dominios en que se desarrolla esta segunda presencia de Sergio Prego en la galería de Madrid –Soledad Lorenzo–, que lo representa desde 2002. Se trata de una muestra que testimonia un avance firme en sus trabajos con nuevas tecnologías, centrándose en la exploración de los procesos de cuerpo-espacio, en analizar las transformaciones que la actividad física violenta ocasiona en la apariencia externa del cuerpo humano, en integrar en la obra la totalidad del espacio de su localización, en hacer que se confundan los roles del arte y de la técnica, en incluir el sonido entre los elementos plásticos, en producir en el espectador efectos de extrañamiento sensorial (visual, acústico y espacial), y en investigar sobre las posibilidades dialécticas de la ciencia-ficción. Una exposición, pues, muy viva, imprescindible para los interesados en cuestiones referidas a la nueva materialidad de la obra de arte, y cuestionable para quienes sostienen –como Paul Virilio en El cibermundo, la política de lo peor– que “el uso –o abuso– de las tecnologías punta puede incrementar la alienación del ser humano y del lugar, alterando la magnitud espacio-temporal histórica”.

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Enero 07, 2006

Martí Anson o la estética de la frustración - Jaume VIDAL OLIVERAS

Originalmente en EL CULTURAL

Anson

La galería Toni Tàpies presenta la exposición Mataró/Barcelona, de Martí Anson, que comprende, por un lado, una serie de fotografías de su estudio de Mataró tomadas en 2005, y, por otro, un vídeo sobre un trabajo para el CASM de Barcelona titulado Fitzcarraldo. 55 días trabajando en la construcción de un velero Stela 34 que se inició a finales de 2004. Este último consistía efectivamente en la construcción de un barco en el espacio del centro de arte, que el artista adoptó como lugar de trabajo. Anson explicaba que el interés no estaba en el barco, destinado a no navegar jamás, ya que una vez construido no salía por la puerta, sino en el trabajo. Los 55 días que duró la construcción fueron grabados íntegramente en el vídeo, del cual se exhibe ahora una selección. En la galería Toni Tàpies se establece, pues, una confrontación entre dos espacios, el estudio y el lugar donde se construyó el velero.

¿Qué sentido tiene la construcción en una institución pública de un barco inútil destinado al desguace? Pues creo que no tiene ninguno. En mi opinión se trata de un monumento al absurdo. Martí Anson (Mataró, 1967) proviene de la tradición conceptual y uno de sus intereses es la percepción. Como él mismo ha explicado en alguna ocasión, su obra plantea expectativas que después nunca se realizan. El público se sitúa ante una paradoja, espera que se produzca algo y no pasa nada. Espera descubrir un “no sé qué” y al final todo resulta abstruso y autista. La estética de Martí Anson es la de la frustración, el aburrimiento, el silencio.

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En la comunidad de Sharon Lockhart - Ramón ESPARZA

Originalmente en EL CULTURAL

Lockhart

Resulta difícil encontrarla incluso en el último juguete de Google. Con el nombre de Pine Flat, en el servicio de mapas del buscador de internet aparecen farmacias, lugares, pero nada que pueda parecerse a lo que en Europa se considera una localidad. Pine Flat es el entorno en que la norteamericana Sharon Lockhart ha desarrollado su último trabajo, que se exhibe en la Sala Rekalde de Bilbao. Una comunidad rural, situada al norte de California que tiene para la artista el valor de poder ser cualquier sitio. Sin características peculiares, sin una estructura económica que determine el modo de ganarse la vida de la comunidad, sin unas características en su arquitectura o en los modos de vida de sus convecinos, la “comunidad rural” podría estar en cualquier otra parte de la inmensa superficie de los Estados Unidos.

La elección de un lugar así es ya un aviso de las intenciones de la autora. En sus trabajos fotográficos y cinematográficos, Lockhart desarrolla una mirada que busca apartarse de la tradición etnográfica del documentalismo convencional. En lo que podríamos llamar el estilo Nacional Geographic, el modelo tradicional, el relato documental implica la existencia de un observador (occidental, blanco) que mira, que ejerce el poder de contemplar y de registrar con su cámara aquello que, desde sus planteamientos etnocentristas, le resulta exótico y, al tiempo, la de un observado que no puede evitar serlo. No es que el trabajo de Sharon Lockhart busque enmarcarse en el ámbito del documentalismo, ni tan siquiera como una alternativa, pero sí se puede afirmar que el planteamiento de su obra es justamente el contrario. De ahí el choque y la sensación de disforia que sufre quien se enfrenta por primera vez a sus proyectos, donde, para empezar, no hay intención narrativa, ni disección de una diferencia. Hasta que aprende que lo importante es justamente eso, lo que no se ve.

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Enero 06, 2006

Joan Morey.... (title for show missing)**** -- Esther Planas

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Cuando en el mundo del arte...( o comedia dell' arte?? )

todos parecemos alborotarnos(les artistes)..y salir y hacer ruido y provocar los sueños, (bueno, sueños.....), las siestas
perezosas de los que suelen rodear ese mundo y a sus cercanos....

les provocamos, pues la necesidad urge..o muerde

tambien provocamos a otros artistes......

En el momento en el que el artiste se pone a ACTUAR...y su pràctica se vuelve (escultura viva, ruido insoportable, tajo
en la cintura,sexo a pelo,sangre, orina, semen.......)exhibiciòn provocante sinsentido......es que.....

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Diciembre 26, 2005

Hiroshi Sugimoto: criar luciérnagas - ÁNGELA MOLINA

Originalmente en Babelia

Todo lo que en Hiroshi Sugimoto parece descriptivo es realmente un engaño, pero un engaño que emana de una gran finura de espíritu. En su trabajo, cualquier paisaje, cualquier estado de cosas, se convierte inmediata y obstinadamente en una esencia de sutil aparición, el pequeño pliegue donde se ha pellizcado la vida, un arañazo de verdad, que es a la vez acontecimiento, espejo en el que nos miramos, no para vernos, sino para descubrir el silencio simbólico de la noche de los tiempos, la forma vacía del goce. "Ceder es conservarse íntegro / doblarse es enderezarse / estar vacío es llenarse", dice un maestro zen. Es difícil imaginar caminos más elocuentes que los que nos conducen al punto de partida, si es que existiera, de Historia de la Historia, en esta tapicería mineral que es la Japan Society, en Nueva York. Encuadrada en el vacío espiritual de la Gran Manzana, la Japan es ese espacio sustraído y desplazado, tan auténticamente moderno que aun sacrificado a la verosimilitud del progreso que la rodea es capaz de superarlo, simplemente, por la envoltura de su eficacia: su reversibilidad.

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Navegando con Pipilotti Rist - Rocío DE LA VILLA

Originalmente en EL CULTURAL

Obsesionada con el círculo, las videoinstalaciones de Rist envuelven en un giro ingrávido y psicodélico, en espiral. Este formato, subrayado ya hace tiempo en el estudio clásico de Rudolf Arnheim El poder del centro como el más apto para el placer sinestésico, domina el movimiento de la cámara fluida de Pipilotti, el remolino de elementos suspendidos y la disposición de las colchonetas interconectadas por tuberías de gomaespuma desde las que formar comunidad, mientras se disfruta de los loop audiovisuales, si es que no se está con amigos. “El museo –me dice la artista mientras se ultima el montaje– es un lugar de relación, de reunión, de confluencia de energías”.

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Madera de guasón (sobre Stephan Balkenhol) - Fernando Castro Flórez

abc.es | ABCD las artes y las letras | Toda la actualidad cultural

Balkenhol
En la aspereza o lisura de la madera, el material anti-clásico, encontramos lo artesano, lo gótico, pero también lo real y lo profundo, aquello que está presto al sonido y, en última instancia, la apelación a la trascendencia mística. Bachelard hablaba en La poética del espacio de la experiencia de hundirnos en el bosque, en un mundo sin límites, en el que llegamos a perdernos, mientras que María Zambrano habló de la belleza como un centro o claro del bosque que nos abisma cuando se querría encontrar la culminación de la «vida de la visión». No siempre es posible entrar en el claro del bosque. A veces hay que contemplarlo desde la espesura, desde ese linde en el que no hay nada determinado, prefigurado, consabido: un lugar analógico con el templo, aunque vacío. El bosque está asociado tanto con la experiencia del acecho (aquel deseo que desencadena la metamorfosis de Acteón) cuanto con el terror, algo que, según Jung, en los cuentos infantiles simboliza el aspecto peligroso del inconsciente, su naturaleza devoradora y ocultante. En el corazón del bosque, ese lugar mágico, todo es presentimiento. Lejos de estas tonalidades místicas, Stephan Balkenhol utiliza la madera sin apelar a un simbolismo trascendente, como un material que le permite actuar de forma directa, manteniéndolo como algo muy rudo que él somete a la policromía. Este artista alemán, que ha realizado importantes exposiciones en espacios como The Irish Museum of Art, la National Galerie de Berlín o el Centro Gallego de Arte Contemporáneo, presenta en la galería Pepe Cobo una magnífica serie de obras que revelan su talante de escultor irónico e incluso burlón.

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Diciembre 18, 2005

El sedentario y los nómadas - Óscar Alonso Molina

Sobre Daniel Chust Peters-. Originalmente en abc.es

Recuerdo haber escuchado hace mucho a una folclórica de raza toda su cosmovisión encerrada en una sola frase de apariencia casual: «Mi casa es mi vida, crece y muere conmigo», dijo; ahí es nada. A buen seguro que Daniel Chust Peters (São Paulo, 1965), en caso de no sonarle demasiado trascendente, bien podría transformarla en «mi estudio es mi vida, cambia y muere conmigo». Y es que, desde hace quince años, este artista brasileño emplea como única herramienta de trabajo su propio taller, al tiempo que lo ha convertido en su obsesivo proyecto y en el resultado exclusivo de todas sus especulaciones. Reformándolo, reproduciéndolo, interviniéndolo... Su espacio de creación privado deviene aquí, tautológicamente, inacabable obra en proceso, infinito work in progress. Paradójicamente estático, sedentario radical que necesita este centro fijo como punto de cualquier arranque, el artista en alguna ocasión ha presentado su método de trabajo bajo tres premisas, tan simples y faltas de imaginación que mejor suponerlas irónicas. A saber: 1) tengo una idea: reproduzco mi taller; 2) no tengo ninguna idea: reproduzco mi taller; 3) tengo otra idea: reproduzco mi taller.

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«el arte te obliga a mojarte mucho más como persona» - Javier Díaz -Guardiola.

Entrevista a Ruth Gómez. Originalmente publicada en abc.es

Ruth Gómez (Valladolid, 1976) realiza su primera individual en un espacio privado y Oliva Arauna se apunta el tanto. Su obra, un magma que se nutre de la tecnología digital, del dibujo y del vídeo, ya se dio a conocer «a gran escala» gracias a una beca del MUSAC, contacto que le permitió incluso realizar un vídeo para el grupo Fangoria. Esta chica sabe moverse bien en las distancias cortas y así lo demuestra en Animales de compañía, su carta de presentación en Madrid. El mundo de la publicidad y la televisión ha perdido una pieza clave, pero el arte ha ganado a una creadora que tiene mucho qué contar.

Primera exposición en una galería, y vaya galería. ¿Cómo ha afrontado el reto?
La verdad es que he tenido muy poco tiempo para prepararla. He estado trabajando sin parar durante los últimos siete meses. Los vídeos están conformados por muchísimos dibujos, unos 24 fotogramas por segundo. Si multiplicas el número de obras por segundo de cada vídeo y las que se presentan «colgadas», la muestra la conforman más de dos mil. Hasta anoche mismo estaba haciendo las carátulas de los dvd y unos pequeños «monigotes» que quise esconder en el espacio de la galería el día de la inauguración. Ha sido duro: le he dedicado 14 o 16 horas al día, fines de semana, noches sin dormir... Pero me he apoyado, sobre todo, en mi ilusión. Inaugurar esta muestra ha sido como ver llegar uno de esos pocos días que se esperan y se recuerdan toda la vida.

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« Made in Taiwan » - Fernando Castro Flórez

Sobre Chen chien-Jen, originalmente publicado en abc.es

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Pocas obras vienen, como dijera Said, de la primera línea del frente, allí donde se producen los conflictos, las fricciones y las mayores desigualdades. Casi siempre nos encontramos con un arte cínico, de completa retaguardia o ejecutado por los sarcásticos encargados del abastecimiento, cómplices de esos otros que reciclan más que nada su mediocridad. La fábrica está atestada de trileros, aunque afortunadamente aparece casi por sorpresa una mirada antropológica y cargada de una poesía corrosiva, capaz de ofrecer una «descripción cartográfica y arqueológica», por emplear los términos de Culture and Imperialism, de lo que, sin saber casi lo que decimos, llamamos «globalización».

Chen Chien-jen está empeñado en mostrar las dimensiones históricas y políticas de la imagen, abordando la cuestión de la situación económica de Taiwán, que ha visto cómo sus industrias -que habían experimentado un desarrollo impresionante desde los sesenta- se desmantelaban en beneficio de países como China, con una mano de obra abundante y baratísima. La fantástica muestra que ahora se presenta en La Fábrica, una de las mejores del año que concluye, nos permite volver a ver Factory (2003), que incluyera recientemente María Corral en La experiencia de arte, su propuesta en la pasada Bienal de Venecia, y enfrentarnos a Bade Arena (2005). Son dos trabajos excepcionales realizados en 16 mm y transferidos a dvd de larga duración, que, como he indicado, retratan la globalización como un proceso de precariedad vertiginoso, cuando la Fábrica del Imperio se desmantela aquí para reaparecer allí dejando a su paso ruinas babélicas.

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Diciembre 15, 2005

Ignasi Aballí, la obra abierta - Jaume VIDAL OLIVERAS

Originalmente en El CULTURAL

El MACBA dedica una exposición a Ignasi Aballí (Barcelona, 1958), artista que se presenta como relevo y continuación de la tradición conceptual en España. Su obra, se ha dicho, gira en torno al “inframince” (infraleve), noción duchampiana que expresa aquello que no se puede medir, ni pesar, ni descomponer químicamente. Éste es el territorio de lo indecible, lo inasible, lo extremadamente sutil y que, sin embargo, existe, aunque a menudo pase desapercibido. El calor de un asiento que se acaba de dejar, el sonido del roce de los pantalones al caminar, un dibujo al vapor de agua… Éste es el universo del “inframince” para Duchamp. En este mismo sentido, Aballí cita a Georges Perec, escritor fascinado por “el ruido de fondo, el murmullo de la cotidianidad, eso que no percibimos nunca”, y dice atender a los entresijos de lo cotidiano, a las situaciones apenas inadvertidas por su cercanía e inmediatez. En definitiva, su investigación se centra en la percepción y en los problemas derivados de ella, como la presentación y el contexto de la obra, la noción de artista, la naturaleza del arte, la dicotomía entre arte y no arte…

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El discurso excedido de Thomas Hirschhorn - David BARRO

Originalmente en El CULTURAL


Hace cinco años Thomas Hirschhorn se definía así: “Soy un artista, un trabajador, un soldado”, alegando tener una misión imposible y una herramienta: el arte. Hirschhorn apelaba a la energía y a la resistencia para continuar libre. De ahí que aclare que su intención no es hacer arte político sino hacer arte políticamente. El arte como herramienta para encarar el mundo, como actitud crítica hacia las estructuras de poder dominantes o hacia la tendencia al lucro y la fetichización. Interesante pedagogía para un país como España, donde la indiscutible normalización de museos y centros convierte el arte en manejable instrumento de la clase política, haciendo necesario reivindicar el centro de arte como espacio de libertad, y en el buen sentido del término, como lugar político irrenunciable. En España, pocos son los artistas que han tomado verdaderamente una posición de crítica real. Naturalmente que hay artistas-soldado como Muntadas, López Cuenca o Daniel G. Andújar, entre otros, capaces de contradecir las respectivas políticas de dominación que nos son impuestas, de legar un arte público y participativo capaz de generar un espacio político que pueda proyectar formas múltiples de relación y comunicación. La propuesta es evitar evangelizar el arte para provocar el diálogo, trocar los maquiavélicos efectos de toda transmisión por la simple discusión. Esta ausencia de discurso y/o urgencia de determinadas políticas artísticas de resistencia, es algo perfectamente extrapolable a Portugal que es donde tiene lugar esta extraordinaria exposición de Thomas Hirschhorn, en la que, una vez más, el artista suizo (Berna, 1957) trata de modelar el caos; aunque sea a partir de un desbordamiento, de excederlo.

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Diciembre 07, 2005

Huellas y tiempo (sobre Ignasi Aballi)MARÍA DOLORES JIMÉNEZ-BLANCO

originalmente publicado en LA VANGUARDIA DIGITAL

Si toda la obra de Ignasi Aballí (1958) es una reflexión sobre los límites de lo artístico, también lo es sobre el mundo contemporáneo y nuestra relación con él. En este sentido, no parece casual que esta exposición coincida con el décimo aniversario del Macba, cuya trayectoria ilustra y resume de algún modo. Es una exposición que tiene mucho que ver con las imágenes, pero su reflexión no se centra tanto en ellas como en sus huellas. Unas huellas silenciosas que, en una era de ruidoso abuso de la información, invitan al espectador a una contemplación activa que en muchos casos sirve para completar la obra. Como ocurre con todas las huellas, estas definen su presencia precisamente en cuanto ausencia, lo que nos lleva a otro gran eje de la propuesta de Ignasi Aballí: los límites, los contrarios, las contraposiciones. Presencia-ausencia, pero también imagen-palabra, control-azar, autor-asepsia, ficción-realidad, banalidad-transcendencia, fugacidad-permanencia.

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Diciembre 03, 2005

Ojos que no ven... - JOSE MANUEL COSTA

abc.es | ABCD las artes y las letras | Toda la actualidad cultural

Paredes blancas. Números (del 1 al 30) y nombres de treinta artistas inscritos en negro a dos palmos del suelo. Esta es la descripción visual. No hay más. Karin Sander tiene tras de sí un trabajo que básicamente consiste en distorsionar los contextos donde opera, públicos o privados. Ha extendido un retal de hierba artificial en un parque (y la gente lo utilizaba, que la natural estaba húmeda) y ha pintado de blanco un único balcón en un complejo habitacional polaco más gris que el gris. En estos y otros casos, el espectador es aleatorio; las expectativas previas, casi nulas; la obra, prácticamente anónima, y en esa medida, la efectividad del trabajo es aparente. El espacio público cotidiano se ve transformado y, aunque sólo sea eso, la mera incongruencia de la intervención pone de manifiesto cualidades o circunstancias que damos por sentadas, que ni siquiera percibimos.

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Memoria y devastación - ALBERTO MARTÍN

Originalmente en Babelia


Hay un buen número de artistas que han tomado como referencia el enfrentamiento que durante décadas ha tenido lugar en Irlanda del Norte. Entre ellos, fotógrafos bien conocidos como Paul Graham, Paul Seawright o John Duncan, pero sobre todo Willie Doherty, que a lo largo de su trayectoria ha conseguido sintetizar las claves y las consecuencias de aquel conflicto para acabar construyendo una importante reflexión global sobre la violencia y el enfrentamiento entre comunidades, extrapolable a cualquier territorio.

Doherty presenta ahora en Madrid, por primera vez, sus más recientes trabajos: una serie de cuarenta fotografías tomadas en la ciudad de Belfast y una instalación de vídeo. La serie fotográfica, titulada Apparatus, aparece estructurada como un gran mosaico en el que vemos tomas de un espacio urbano deteriorado y devastado: edificios vallados, casas abandonadas o semidestruidas, ventanas y puertas tapiadas, muros y alambradas. La sensación es la de una ciudad desierta, convertida en tierra de nadie, donde reina una estética de la ausencia.

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Karin Sander y la gozosa densidad del vacío - Mariano NAVARRO

Originalmente en EL CULTURAL

La exposición más vacía de la temporada es, sin duda, una de las más densas que puede visitar el aficionado al arte. Digo aficionado como podría decir amante, estudioso o coleccionista; vale cualquiera de los términos que sirven para definirlo o describirle salvo uno, el más habitual y corriente, el de espectador, porque aquí no hay nada, absolutamente nada que ver. Lo que no quiere decir que no haya nada de lo que disfrutar, sino todo lo contrario, aquí todo es inteligencia gozosa.

Entramos en la galería y nos reciben las paredes desnudas, el cubo blanco en su esencia, el anfitrión convertido en huésped. Amablemente nos proporcionan un aparato de audio-guía, hermano de los que pueblan museos e instituciones. Algo por encima del suelo, unos cincuenta centímetros quizás, y tan separados como si sobre cada uno existiese de verdad una obra o pieza colgada, aparecen escritos nombres de artistas acompañados por unos números que nos indican que pulsándolos en la audio-guía algo se nos dirá. Cabe hacerlo en orden o al azar, pero en cada ocasión hablará el propio artista o alguien en su nombre, oiremos música, o los rítmicos pasos de una mujer calzada con zapatos de tacón sobre un Carl André, en ocasiones ruidos difícilmente discernibles. Número a número, intervención a intervención, artistas cuyo denominador común es el estar incluidos en la Colección Helga de Alvear –y a medio plazo en la Fundación que llevará su nombre en Badajoz– exponen sus proyectos personales, su ideario o fantasiosos sueños contagiosos en una sucesión que, curiosamente, desde la ausencia viene a hacernos presentes los elementos integrantes no sólo de la obra artística, sino del universo del arte y de nuestro lugar en esa inmensa galaxia vacante y a la vez poblada de estrellas.

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Noviembre 27, 2005

Entra por los ojos (Joana Vasconcelos) - Javier Montes

Originalmente en abc.es

Estaban «los de la tele» el jueves pasado en Elba Benítez, filmando. Claro: Joana Vasconcelos es una escultora brillante que crea obras con muchísimo gancho visual, perfectas para el último minuto del telediario. Por eso roban la función allá donde se exponen. En la Bienal de Venecia de este año, por ejemplo, La novia ?una inmensa lámpara hecha con tampones sin usar? se llevó todas las fotos y se acompañó del indispensable atrezzo de algún que otro ministro berlusconiano enfadado. Y su Burka fue la estrella de la inauguración del MUSAC de León; su director contaba a la Prensa que la mismísima princesa Letizia reconoció la pieza y se interesó por ella.

Vasconcelos trabaja con materiales que todo el mundo entiende y usa a diario: aspirinas, desatascadores, tapetes de ganchillo. Cosas muy vistas, sí, pero no como ella las presenta. Los tampones secretos cuelgan del techo; los valium forman una cama; las aspirinas, un sofá. Destilan, de pronto, un significado nuevo y alumbran objetos contundentes. La artista estudió diseño y joyería ?dos disciplinas que entran por los ojos? y se dice interesada por la «estética del supermercado»: las estrategias de inducción al consumo que lo apuestan todo al primer vistazo. Sabe que el espectador está sometido a una sobrecarga de estímulos, que anda cada vez más escaso de atención y concentración. Y lanza sus obras al corazón de la batalla por conseguir un poco de ellas. Por eso la tele la quiere tanto: es un buen antídoto contra el zapping.

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Günther Förg, lugares de intensidad - José MARIN-MEDINA

Originalmente publicado en EL CULTURAL de El Mundo

Hace siete años se presentó en Madrid (Palacio de Velázquez, 1998) la primera gran retrospectiva de Günther Förg (Füssen, 1952), dándolo a conocer entre nosotros como fotógrafo, pintor y escultor. Desde entonces viene exponiendo en Heinrich Ehrhardt, su galería madrileña, regularmente, cada dos años, y se ha producido aquí una empatía muy grande, una especie de natural e inconsciente proyección afectiva del público y del coleccionismo español por su obra. Ahora bien, esa participación emotiva está orientada en especial a su fotografía, cuyos temas arquitectónicos pertenecen a la estética de la Bauhaus, del constructivismo ruso, del racionalismo y del minimal, mientras sus “entretejidos” pictóricos y sus verticales bloques escultóricos vienen a ser reflexiones acerca del arte, y quedan más fríos y más lejanos a nuestros espectadores.

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Chen Chieh-jen, nuevos náufragos - Elena VOZMEDIANO

Originalmente en EL CULTURAL de El Mundo

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Chen Chieh-jen, junto a otros intelectuales y artistas, ha contribuido a rescatar, a través de la performance, la fotografía y el vídeo, la memoria histórica de su país, sacando a la luz distintos procesos de violencia, sometimiento y alienación. Desde 1996 produjo varias series de fotografías digitales en las que aislaba y recomponía viejas imágenes de tortura y muerte. Eran trabajos delirantes, en los que adaptaba a diseños geométricos, incluso caleidoscópicos, figuras desnudas de torturados y víctimas de la guerra. En Madrid vimos algunas de esas obras en la colectiva de PHotoEspaña 2000 The Mind on the Edge, en el Círculo de Bellas Artes. También para PHotoEspaña, pero el año pasado y en el edificio de Tabacalera, vimos el primero de los trabajos videográficos del artista, Lingchi; Echoes of a Historical Photograph, en la muestra Párpados y labios. Su instalación, en tres pantallas y en una gigantesca sala en penumbra, era impactante; tanto como las imágenes del vídeo, en que un hombre era sometido a una de las más sangrientas “torturas chinas”. La carga de historia cultural (incluido su eco en Occidente) incidía en el interés de la obra, con la que Chen se abría a una nueva etapa. En esta primera individual en España, comprobamos cuál ha sido el desarrollo de la misma. Se pueden ver en ella los dos vídeos que ha producido tras esa primera incursión en el medio: Factory, de 2003, proyectado en Venecia, y Bade Area, de este año, presentado en la Trienal de Fukuoka, Japón. Además, algunas fotografías relacionadas con el primero de estos vídeos, que no se corresponden siempre exactamente con lo filmado.

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El Perro, vigilar y patinar - Mariano NAVARRO

Originalmente en EL CULTURAL de El Mundo

perro.jpgNo es éste de Salvador Díaz el único reto expositivo de El Perro en esta temporada. María de Corral ha seleccionado al colectivo para 17 x 17 que se celebrará en ARCO y en enero viajan con Security on site a Helsinki, a uno de los principales eventos artísticos del norte de Europa: ARS 06 en el Museo Kiasma. Como comisarios, preparan una exposición que veremos a partir del 20 de diciembre en la sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid.

El colectivo El Perro, formado por los artistas Ramón Mateos (1968), Iván López (1970) y Pablo España (1970), ha cumplido, por más que pueda parecer mentira, dieciséis años. Un cumpleaños y plazo que, pese a tan prolongado lapso de tiempo y al paso individual de la juventud a la madurez, no ha degradado el cariz político-civil de sus propuestas, ni ha depreciado siquiera un ápice el valor que suponen en una imprescindible alerta a las conciencias. Cabe decir, además, que si se han caracterizado siempre por la apropiada factura de sus producciones, en esta ocasión, segunda de sus exposiciones individuales en la galería Salvador Díaz, han alcanzado un nivel de calidad que sólo puedo calificar de excelente. Como imprescindible resulta el catálogo ahora editado, que recoge trabajos de los últimos siete años y textos de Daniel Villegas, Ulrich Schötker y Juan Antonio Álvarez Reyes.

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Noviembre 13, 2005

Obreros atrapados - CARLOS JIMÉNEZ

Reseña de la exposición de Liam Gillick en La Casa Encendida, Madrid. Originalmente publicada en ELPAIS.es - Babelia

La obra de Liam Gillick en La Casa Encendida puede resultar decepcionante. O no. Todo depende de si podemos dejar de calificarla como un acto fallido y pasamos a considerarla una intervención espacial que evoca y problematiza asuntos que conciernen radicalmente al estado actual de Europa. Y a su futuro, si es que Europa no se americaniza definitivamente. El veredicto en contra de "acto fallido" puede resultar perfectamente de la comparación entre el cierto desmayo formal y hasta constructivo de las dos partes de esta instalación y la insólita claridad de las arquitecturas efímeras que Gillick ha sabido construir en las ciudades y los lugares donde antes le han llamado, incluida Madrid, donde es la segunda vez que comparece.

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Con un tres y un cuatro - J.D.-Guardiola

Originalmente en abc.es

Resulta curioso que todavía tenga vigencia -será porque es verdad- aquello de que la cara es el espejo del alma. Sobre todo porque, esta exposición que el MUSAC organiza en buena parte con los fondos de su co- lección, titulada Sujeto, se lo toma a pies juntillas y termina por identificar la identidad del individuo con su efigie o rostro. Bien es cierto que nuestra imagen mucho tiene que ver con esta carta de presentación tan de primera mano -que nos cuesta hacernos una idea de la imagen de Dios, dado que no podemos «ponerle cara»; que los musulmanes tienen absolutamente prohibido representar icónicamente el rostro de Alá; que los antiguos indios norteamericanos se negaron a ser fotografiados por miedo a perder su alma...-, pero, en última instancia, también es la mejor arma para engañar, para ofrecer una faz de nosotros mismos que no es más que la que queremos ser, que es fácilmente manipulable e intercambiable...

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Pa(I)saje a la India - Francisco Carpio

Reseña de la exposición Vastu, de Manuel Bouzo. Originalmente publicada en abc.es

«Karma», «dharma», «yoga», «gurú», «mantra», «reencarnación», «nirvana»... Conceptos religiosos y filosóficos prácticamente desconocidos en la cultura occidental hasta hace poco más de un siglo, y que, sin embargo, ahora forman parte de nuestro imaginario conceptual. Vocablos ?casi siempre de origen sanscrito? que nos traen los olores, colores y sabores de la espiritualidad de la India. Un mundo en el que lo místico, esotérico, misterioso ?y, no lo olvidemos, también lo pragmático y material? constituyen las bases de la existencia, escribiendo con fuerza una sintaxis singular que, pese a la pegajosa tela de araña del materialismo-tarántula, cada vez contamina más el texto de nuestras sufridas vidas occidentales.

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Entusiasmo colectivo - Anna María Guasch

Originalmente en abc.es

Que nadie se lleve a engaño. La actual exposición de la Fundación Tàpies no es una muestra más de lo que últimamente se conoce como «cine de exposición», ni tampoco es una incursión documental en el cine polaco de la Guerra Fría. Bajo el eufemístico y ambiguo título de Entusiasmo, la pareja formada por el británico Neil Cummings y la polaca M. Lewandowska nos desgranan uno a uno cuáles son sus objetivos y prioridades a la hora de realizar una exposición, sea ésta de la Tàpies (que forma parte de una itinerancia por Londres y Berlín) o citas anteriores como la realizada en Varsovia. Y en todos estos casos pensamos que es más importante el método o el procedimiento de trabajo, la actitud en relación al fenómeno «arte», que propiamente el contenido expositivo: un archivo sobre el filme polaco amateur en la era socialista.

De entrada, lo que destacaríamos de este proyecto es su cierta voluntad de ofrecer un modelo más ético que estético de arte y artista. Un artista que renuncia al privilegio de la autoría en aras de un trabajo colaborativo; un artista que se siente casi en la «obligación histórica» (en el convencimiento de que después de Auschwitz y el Holocausto nada volverá a ser igual) de recuperar una parte de la memoria histórica y contarla desde una experiencia fragmentaria y discontinua como es la del archivo.

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Hubbard & Birchler, una poética circular - David BARRO

Reseña de Hubbard & Birchler: Pequeñas imágenes en la casa de la Señora Owen, CGAC. Santiago de Compostela. Originalmente en El Cultural

Contrariando los irónicos pensamientos de un buen amigo crítico, me gustaría comenzar por señalar que muchos de los vídeos que ofrecen los museos sí son vistos con detenimiento por el público. Sirva el ejemplo que aquí nos ocupa, el trabajo de la pareja de artistas Teresa Hubbard (Dublín, Irlanda, 1965) y Alexander Birchler (Baden, Suiza, 1962), para confiar, todavía, en ese lugar inevitable de la imagen en movimiento. Tal vez, efectivamente, necesitemos repensar el sentido actual de la temporalidad o duración de la experiencia artística, sabiendo que la imagen es el eje desde el que circula la cultura moderna y posmoderna. También, el paulatino alejamiento del estatismo tradicional a partir de los cruces de influencias que desembocan en el último impulso de la cada vez mayor presencia cultural de la imagen en movimiento producido por los avances de la tecnología digital. El artista construye su obra atendiendo al tiempo de ésta y pensando en que la recepción del espectador también dependerá de ese tiempo. Ese proceso compositivo es producto del avance en la puesta en escena, de las realidades congeladas y de gestos que funcionan como artificios escénicos.

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Noviembre 05, 2005

A la mesa con Andres Serrano - J.Montes

Originalmente en abc.es

serrano.jpg«No conozco al señor Andrés Serrano, y espero no encontrármelo nunca. Porque no es un artista, es un gilipollas». En 1989, el senador republicano Jesse Helms, con santa ira milimetrada, regaló así varios millones en publicidad al fotógrafo Andrés Serrano. Y todavía hoy es imposible hablar de él sin acordarse de su Piss Christ, aquel crucifijo sumergido en orina que fue el casus belli de una tremebunda batalla cultural sobre la conveniencia de recortar aún más las ya exiguas subvenciones concedidas en Estados Unidos al desarrollo de las artes. Y se armó el cristo: críticos de la talla de Lucy Lippard asumieron su defensa con textos como su famoso artículo en Art in America; otros senadores conservadores ?como recién salidos de El padrino? se sumaron a la carrera para probar a sus votantes la fuerza de sus convicciones, y el republicano Alphonse D?Amato rompió en el Congreso una foto de la obra en cuestión diciendo que era «basura». El calado o la coherencia de la trayectoria de Serrano ?que los tenía? pasaron, claro, a un segundo plano. Todo el mundo tuvo que tomar postura a favor o en contra de la obra, porque en realidad se discutía acerca de la sociedad ideal que tiene en mente cada uno ?como pasa al fin y al cabo con todas las batallas culturales, desde el estreno de Hernani a la primera proyección de Un perro andaluz.

Al final, las subvenciones se recortaron; el Piss Christ se convirtió en un icono; el propio Serrano adquirió un aura mítica y su obra alcanzó precios astronómicos; los congresistas se aseguraron su voto cautivo; los medios sacaron su tajada; y, pelillos a la mar, en 2001 nuestro artista exponía en la catedral deSan Juan el Divino, en Nueva York.

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Entre mis recuerdos - Jose Manuel Costa

Originalmente en abc.es

Esta es una exposición extraña. Así, al pronto, no parece existir mayor relación entre las obras presentes, pero tampoco se introduce esa sensación tantas veces repetida de una mera acumulación, cuya excusa puede ser generacional, nacional o de cualquier otro tipo. Es una exposición donde las obras respiran y, aunque hablen muchos lenguajes, la esperanza es que, dejándolas conversar, acabarán entendiéndose en una armonía que, ojalá, pueda llegar al espectador.

La sala de exposiciones de Caja Burgos, abalconada sobre la ciudad vieja, no es un lugar imponente, sino un contenedor agradecido cuyos espacios se han aprovechado como si hubieran sido diseñados para esta exposición. Esto, claro, dice bastante de quien la ha confeccionado y montado, Armando Montesinos, pero también de los arquitectos que la idearon.

Dicho lo dicho, no queda más remedio que pasar a las obras, escuchar lo que tienen que contarnos, conmovernos, interesarnos, fascinarnos? Esas cosas que provoca el arte.

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Bienal de Estambul, Autenticidad falsa - RENATA SALECL

Originalmente en CULTURA|S

La bienal de Estambul forma parte de la serie de multitudinarios encuentros artísticos que suscitan una atención cada vez mayor en el mundo del arte internacional. No es difícil imaginar la razón. Turquía es un país percibido con frecuencia como la esencia de la frontera entre Oriente y Occidente. Y los recientes debates políticos sobre su ingreso en la UE añaden un sabor especial. Los dos comisarios de la última bienal de Estambul, Charles Esche y Vasif Kortun, reflejan también esta confluencia entre Oriente y Occidente: uno procede de Europa occidental, y el otro, de Turquía.

Esche y Kortun decidieron sugerir a los participantes que centraran sus obras en la propia ciudad de Estambul. Los artistas tuvieron la oportunidad de pasar cierto tiempo allí antes de la bienal para elegir luego entre sus obras alguna que reflexionara sobre los dilemas de la ciudad o desarrollar un proyecto nuevo relacionado con el lugar. Con el fin de situar las obras en un emplazamiento más auténtico, los comisarios han elegido por toda la ciudad diversos lugares reales y los han convertido en galerías para la ocasión. Una parte de la bienal está emplazada en un viejo depósito portuario junto al Bósforo, otro de los lugares es un destartalado edificio de apartamentos en el centro, un tercero es un viejo almacén de tabaco, otro es un desocupado edificio de hormigón cuya función real es difícil de imaginar y otro más es una recóndita sala de teatro en un viejo edificio italiano. Así, visitar la bienal significa que hay que andar mucho y buscar unos lugares desconocidos para la mayoría de habitantes de Estambul. Tomar un taxi de un emplazamiento a otro puede convertirse en una experiencia intimidante.

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La otra carrera de Tobias Rehberger - Mariano NAVARRO

Originalmente en El Cultural



Entre las preferencias de intervención de Tobias Rehberger están las que ha realizado en parques y jardines públicos de lugares tan distanciados entre sí como Chicago o Tokio. Ahora, “después de tres años de gestiones, investigación y muchos esfuerzos” ha podido hacerlo en uno de los espacios artísticos emblemáticos de Madrid, el Palacio de Cristal. Para realizarlo se ha servido de los instrumentos característicos de su trabajo: una conjunción de arquitecturas, modos del diseño industrial y concepción de objetos de utilidad tan singular como posiblemente anómala, en los que el color, la transparencia y la luz conforman, a su vez, la piel externa ofrecida a la mirada y la médula de su voluntad estética.

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Octubre 30, 2005

Actuar sin actuar: Miriam Bäckstrom - CARLOS JIMÉNEZ

Originalmente en ELPAIS.es - Babelia

Si hay algo fascinante en la obra de Miriam Bäckstrom es la forma como interroga y trastoca las relaciones entre el anonimato y la puesta en escena. Una teatralidad excéntrica, desaforada, que ya no se limita a las formas fijas de la tragedia, el drama o la comedia y que ha desertado alegremente de los auditorios y las salas de teatro para hacerse televisiva y por televisiva ubicua, profusa, difusa. El paradigma de esa teatralidad es evidentemente el Gran Hermano, donde el anonimato y la puesta en escena se juntan para fundirse, mejor, para confundirse en lo que más que una ilusión es una paradoja. La paradoja de los actores que no son actores, los anónimos que no lo son y la escena que se oculta como escena.

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Octubre 28, 2005

Lugares marcados - 'Origen' de Bleda y Rosa - XAVIER ANTICH

LA VANGUARDIA DIGITAL - Lugares marcados

Vila-Matas, en su última novela, Doctor Pasavento, acaba de esbozar un particular bosquejo para una teoría de la desaparición. Casi al principio del relato, el protagonista nos cuenta: "Mientras subía por la estrecha y empinada escalera de caracol que conducía al estudio y biblioteca de Montaigne, /… / pensé en el misterio de la desaparición de los hombres. Montaigne, sin ir más lejos, había estado allí una multitud de veces, aquélla era su casa y en lo alto de la torre había inventado el ensayo, y sin embargo no parecía que quedara ni su más remota sombra en los lugares por los que había pasado". Ni la sombra, apenas un trazo fantasmal, pero que todavía es legible en cada rincón de la casa. Se fue de allí, donde estuvo y, aunque no queda ni la sombra, algo de él se pasea todavía por ahí.

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Octubre 22, 2005

El vuelo sin motor del arte conceptual español - Fernando Castro Florez

Originalmente publicada en | ABCD las artes y las letras |

Esperaba con enorme interés la muestra que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía tenía programada sobre arte conceptual en España. He seguido durante muchos años la obra de artistas como Nacho Criado, Juan Hidalgo o Valcárcel Medina, y, en numerosas ocasiones, he señalado que una de las ausencias más vergonzosas en la colección de este museo es precisamente la que afecta a los planteamientos conceptuales completamente ignorados. Se pueden dedicar salas y más salas a Tàpies, pero tan sólo ZAJ merece un mínimo espacio en un recorrido historiográfico polvoriento y mistificador. A pesar del desinterés tradicionalista del museo patrio hacia el conceptualismo, lo que no podía esperar de ningún modo es que la exposición, que finalmente ha comisariado Rosa Queralt, fuera un desastre total. Cuando se entra en la sala de ampliación de Nouvel, la sensación es profundamente desazonante. Lo primero y más obvio es que, como ya pudo comprobarse con la exposición de Oteiza, que entró literalmente a capón, no puede utilizarse más que para proyectos de formato medio, sin que pueda, ni mucho menos, desplegarse ni una retrospectiva seria, ni una visión temática.

Desorden y desconcierto.
A pesar de los críticos «palmeros» de este museo-tuneado, comienza a revelarse a las claras que la superficie expositiva es insuficiente, el diseño torpe y los acabados arquitectónicos pésimos. Contemplar los materiales de artistas como Francesc Abad, Eugenia Balcells, Jordi Benito, Carles Pujol, Eva Lootz o, entre otros, Walter Marchetti, en ese desorden y apelotonamiento vertiginoso produce sobre todo lástima. Resulta que el montaje que ha realizado Ángel Bados (un escultor muy fino y, además, con piezas como 15-4-79, una instalación que presentó en la Ciudadela de Pamplona, que podrían haber sido incluidas con más propiedad que algunas otras en una selección rigurosa de conceptualismo español) funciona fatal, aunque, como digo, tampoco puede hacer maravillas en una sala como ésta. Un panel en el fondo de la sala al que se le ven las traseras es ya el remate, dejando una sensación de precariedad generalizada.

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El concepto del concepto - ROCÍO DE LA VILLA

Originalmente publicada en LA VANGUARDIA DIGITAL

Con optimismo cosmológico, pensábamos que, quizás, esta vez, sí. Porque hasta ahora - bromas aparte- el Museo Nacional Centro de Arte ¿moderno? ¿contemporáneo? nunca había dedicado una retrospectiva al conceptual en España. Y el momento parecía propicio: ¿por qué no la versión oficial: una suerte de contestación a los polémicos Desacuerdos? Otra opción: también podía ser mínima justicia poética,después de 30 años, cuando papeles y plásticos han quedado irremisiblemente cubiertos de polvo, y aquí ya nada ni nadie va a cambiar de sitio.

Pequeña, amable y peculiar. A muchos espectadores les interesará conocer en directo y funcionando algunas obras que desde hace tiempo sólo habían podido verse aquí reproducidas en libros, pues la última revisión exhibida en el Centro Cultural de la Villa de Madrid, Fuera de formato,se celebró en 1983. Pero el Reina Sofía - si pretende mantener su estatus- no puede presentar una exposición que está concebida a escala municipal. Decir que es otra oportunidad perdida,se queda corto. Porque el arte conceptual en España ha sido una tendencia marginada. Primero, fue la necesidad de olvido de la Transición conciliadora: cualquier manifestación que oliera a político - incluso sin bandera- fue sustituida en las instituciones por la alfabetización en el inexistente arte internacional del siglo XX en nuestro país. A los continuistas les convenía, pero esta política artística se inflamó cuando llegó el cambio.La mayoría de galerías no podían asumirlo: su justificación, la carencia de coleccionistas en España. De nuevo, el argumento fue la educación estética, también para los distinguidos. Y desde luego, no se iban a mojar con artistas de una tendencia que explícitamente planteaban, entre sus actitudes estéticas, la confrontación con el Sistema del Arte moderno y la condición mercantil de la obra.

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Octubre 15, 2005

Azucena Vieites, El dibujo como línea - PEIO AGUIRRE

Originalmente publicado en LA VANGUARDIA DIGITAL

El sugerente título Oye lo que traigo flota como una resonancia magnética en la exposición de Azucena Vieites (Hernani, Guipúzcoa, 1967). Esta muestra supone una mirada atrás a más de una década de laboriosa actividad ahora recontextualizada, reactualizada y reprocesada en tiempo real. No obstante no podemos hablar aquí de retrospectiva en el sentido estricto del término, sino más bien de monográfico (en el sentido musical) y que, sumado al premio Gure Artea conseguido el año pasado, concedería a la artista de un merecido reconocimiento.

Una primera reflexión aquí estaría en la fusión teórico-práctica que inunda una trayectoria caracterizada de forma paralela por el compromiso feminista del activismo político (a través del colectivo Erreakzioa-Reacción) y, por otro lado, el desarrollo de una línea personal centrada en el dibujo.

Estos dos impulsos, aún diferenciados, conformarían una sola unidad llamada Azucena Vieites. Sin embargo, en esta exposición sólo esta segunda forma de expresión está representada, otorgando al medio (dibujo) un valor significante en sí mismo.

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Octubre 09, 2005

El video tambien tiene una historia - ANNA MARIA GUASCH

Originalmente publicada en | ABCD las artes y las letras |

Han pasado ya quince años desde que la Fundación «la Caixa» presentara, también en cooperación con el Centre Georges Pompidou, de París, la que fue una de las exposiciones más apreciadas del momento, la pionera Passages de l?image, que a través de obras en vídeo e instalaciones multimedia de una serie de artistas europeos y americanos buscó hacer visibles los tránsitos que se producían entre fotografía, cine, vídeo y «nuevas imágenes». Pero si Passages era sólo una muestra fragmental y abarcaba únicamente la década de los ochenta, la que ahora se presenta con el título Tiempos de Vídeo. 1965-2005 es mucho más ambiciosa, ya que pretende ilustrar la historia del vídeo y sus desencadenantes desde los años sesenta hasta la actualidad incorporando los recientes desarrollos tecnológicos que han favorecido no sólo la aparición de nuevos medios artísticos (arte por ordenador, Internet...), sino la expansión de la tecnología digital.

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Tras el telón del barroco - Laura Revuelta y Óscar Alonso Molina

Enviamos 2 artículos, de Laura Revuelta y Óscar Alonso Molina sobre el "neobarroco" en el arte actual, a propósito de la exposición presentada en Domus Artium de Salamanca. Originalmente publicados ambos en ABCD las artes y las letras |

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Tras el telón del barroco - Laura Revuelta

barroco.jpgTiene valor quien se atreve a argumentar que nuestro tiempo artístico se puede mirar bajo el prisma de lo barroco, de lo que algunos han dado en llamar «el infierno de lo bello», como rescata el título de esta exposición de un ensayo de Karlz Rosenkraz (1853) ?cuando parece que el concepto, venga de donde venga, intelectualiza buena parte de nuestra sensibilidad?. La palabra belleza no es un argumento bienvenido, casi podemos afirmar que desde tiempos inmemoriales. Hartos de la estética nos hemos ido a la ética o a la dietética visual. De hecho, éste ha sido el problema para muchos detractores públicos, y del público, de la cosa contemporánea: confundir belleza con lo que se ha dado en llamar arte o, en su caso, no renunciar a los fulgores sensoriales del pasado. A la degradación del término ya le puso su apostilla Harald Szeemann en uno de sus últimos montajes expositivos (2004) antes de su fallecimiento: El fracaso de la belleza. La belleza del fracaso. Si el fracaso de la belleza es, al cabo, el que ha argumentado Arthur C. Danto («Bello pasó a ser una mera expresión de aprobación generalizada, tan vacía de contenido descriptivo como el silbido que alguien emite en presencia de algo que le despierta especial entusiasmo. Lo mismo hubiera dado decir ¡Ooh!!!! o poner los ojos en blanco y señalarlo con el dedo»), la belleza del fracaso es lo que el Barroco mismo ?con todos los siglos que ya tiene a sus espaldas y secretos entre pliegues? esconde en su exuberante esencia esteticista.

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Cor duplex - Juan-Ramón Barbancho

Sobre la exposición Cor duplex de Fernando Sinaga en el Museo Pablo Serrano, Zaragoza.

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Muchas veces se ha hablado de la adecuación de la materia del arte a la intención del creador, a la intención estética y a la intención comunicativa. Una adecuación, además, como explica Hospers, que no consiste tanto en el domino de la forma, sino en dotarla de contenido. Si a esta adecuación, a este dotar de contenido y sentido a la obra, a este buscar las relaciones últimas e íntimas entre espacio, luz y materia, se suma una manera de presentar la obra que continúa con el discurso, que lo presenta de una forma plástica y lo hace accesible al público, tenemos como resultado una exposición magistral, donde nada queda al azar y donde cada pieza y cada centímetro de exposición contribuye, como la parte al todo, a la perfecta armonía de la muestra y que nos permite una experiencia teórica y estética ciertamente satisfactoria. Una exposición así no es una muestra de obras más o menos coherente, sino un constructo teórico y plástico de altura.

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Octubre 06, 2005

La dualidad de Bäckström - José MARIN-MEDINA

Reseña de la exposición "El Observador", en Galería Elba Benítez. Madrid. Originalmente aparecida en ·EL CULTURAL


La fotógrafa Miriam Bäckström, que hasta hace poco tenía centrado su trabajo artístico en la construcción de hábitats arquitectónicos y en la recreación de solitarios escenarios de interiores, para fotografiarlos cuestionando la verdad de la imagen inmediata, se embarca ahora en una operación de ampliación de su camino y del horizonte de su práctica. Para ello recurre al cine (Rebecka, 2004) y a la producción de piezas de sonido (Amplified Pavilion, montada en el Pabellón Nórdico de la Bienal de Venecia de 2005), incorporando a su obra la figura humana y la comunicación del sonido ambiente. Este año ha realizado su segunda película, Betraktaren/El observador, que se proyecta ahora en la galería Elba Benítez, su marchante en Madrid. Se trata de un filme sobre la dualidad, en el que verdad y ficción (vida y representación) se siguen entrecruzando a través de los diálogos y las acciones diversificadas de sus dos antagonistas, Tomas y Rebecka, situados en el ámbito muy luminoso de una habitación casi despojada de mobiliario y de enseres, habitación que determina los movimientos de los personajes, que se entienden a sí mismos como “un material” y al propio tiempo como seres que surgen del texto que van recitando, un texto que –como ellos nos hacen observar– “tiene rasgos y cualidades humanas”; “no tengo texto; te tengo a ti”. A la vez, el sonido –incluido el silencio; “sólo hay silencio”– se entiende como la base de la experiencia; así, “el sonido del zapato puede ser más importante que su realidad de objeto”.

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Octubre 01, 2005

Vender humo - Alberto Ruiz de Samaniego

Originalmente en | ABCD las artes y las letras |

zillaleutenegger.jpg
Hay quien ve «cierto estremecimiento a flor de piel» en los vídeos de dibujos de la suiza Zilla Leutenegger (1968) y también hay incluso quien aprecia en sus monótonas imágenes un «aire fantasmagórico» que cuestiona nuestras categorías de espacio y tiempo. Ya son ganas de ver, porque lo cierto es que no hay tal, sino más bien nada. La entronización de la banalidad y la idiocia ha llegado a unos límites verdaderamente insuperables en los circuitos de arte contemporáneo, en medio de un patetismo hermenéutico sin precedentes que, teñido de un antielitismo paternalista y ridículo, y de un miedo cerval a todo lo que ellos entienden por «metafísico», tiende a confundir el encefalograma plano con el gusto mayoritario y un cierto aire de época.

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Bleda y Rosa, vacío y memoria - Jaume VIDAL OLIVERAS

Reseña de la exposición en la Galería Estrany - De la Motad, Barcelona. Originalmente publicada en EL CULTURAL

El trabajo de María Bleda y José Mª. Rosa ha girado en torno a la memoria y la ausencia. Una de sus primeras series –que sorprendió a todos– fue la de los Campos de fútbol. Los estadios, que habitualmente asociamos a la masa, se observaban deshabitados y solitarios, en un extraño vacío. Más aún, eran imágenes dramáticas. Aquí y allá aparecían signos de destrucción, del paso de tiempo, de heridas… que convertían esta serie en una especie de ruina contemporánea. Siguieron luego otros trabajos, entre otros Campos de batalla. Esta serie consistía en fotografías de lugares donde habían acontecido enfrentamientos bélicos y de los que el presente no guardaba ninguna memoria. La intención que sobrevolaba Campos de batalla era la de expresar la ausencia de memoria, la tensión entre el pasado y el presente, entre lo que sabemos o imaginamos y lo visible. Pero se trataba de una serie muy diferente a la anteriormente citada. Bleda y Rosa habían enfriado su obra, es decir, habían eliminado cualquier dimensión romántica.

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Richard Billingham, La versión popular del paisajismo - ROCÍO DE LA VILLA

Originalmente publicado en LA VANGUARDIA DIGITAL

La autobiografía sigue alimentando la obra de Richard Billingham (1970), quien hace una década dejó estupefacto al medio artístico al dar a conocer su baja extracción social con una serie de fotografías en donde retrataba a su familia: a su padre Raymond, un alcohólico en paro, a su oronda madre Elizabeth, su hermano Jason y los perros y gatos que vivían en el desorden doméstico de humildes habitaciones agobiantes, lo bastante como para desear huir y convertirse en artista. La crítica no tardó en identificar en aquellas imágenes la actualización de las escenas de interiores siniestros de Sickert.

Y el mercado rápidamente vio la oportunidad de aquellos retratos que, a modo de radiografía de la sensibilidad del momento traducían al lenguaje del arte tanto la atmósfera del nuevo cine británico, con Kean Loach a la cabeza, como el olor grasiento que comenzaban a desprender los reality shows de la televisión. Era el ingrediente social de los Young British Artists coleccionados por Saatchi, cuya difusión no dejó de crecer a partir de la exposición Sensation en 1997. Cuatro años después, Richard Billingham fue incluido entre los finalistas del prestigioso premio Turner y llevó a la Bienal de Venecia el vídeo Playstation, en el que una vez más su hermano se prestó como modelo de la actitud frenética de esos adolescentes que consumen sus horas jugando ante la pantalla y han olvidado las correrías callejeras. Todavía en su última serie, Billingham sigue contestando a esa generación posterior al rememorar las sensaciones de su propia infancia a través de paisajes urbanos.

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Septiembre 25, 2005

El viaje a ninguna parte de Robert Whitman - Anna Maria Guasch

Reseña de la expo de Whitman en MACBA. Originalmente publicada en | ABCD las artes y las letras |

Tiene razón Lynne Cooke, comisaria de la exposición Playback de Robert Whitman (Nueva York, 1935), al presentar al artista en esta su primera retrospectiva en España como un personaje más unido a un proyecto autocrítico de la vanguardia, en concreto, a la dadaísta, que al proyecto recuperativo neodadá que dominó el arte norteamericano de los años cincuenta, con el fin de cuestionar las estéticas hegemónicas del expresionismo abstracto. Hay, en efecto, un cierto eco dadaísta en este personaje difícilmente encasillable que es Whitman, que insiste en mantener una actitud autocrítica con la institución arte para devolver el arte al ámbito de la praxis vital.

A Whitman, para ser claros, el mundo del arte le interesaba y le sigue interesando bien poco: de ahí su reticencia a denominar a sus acciones happenings por considerar que el happening implica un concepto de lo único, efímero e incluso aurático que lo separa del mundo del teatro. De ahí también un cierto desinterés en archivar y guardar su obra, e, incluso, exhibirla o insertarla en la ley de la oferta y la demanda del mercado (lo que vemos en el MACBA ?que apenas ocupa una planta del mismo? sólo son algunas reconstrucciones de obras que en su momento apenas fueron consideradas «arte»). Whitman estudió Historia del Arte junto a Meyer Shapiro en la Universidad de Columbia, y Literatura en la Universidad de Rutgers. Sin duda esta formación «humanista» condicionó su manera interdisciplinar y heterodoxa de entender el arte más allá del propio arte.

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Septiembre 24, 2005

Saludando a Gillick desde el duro banco - Iván de la Torre Amerighi

Sobre la exposición de Gillick en Málaga ... Originalmente publicado en | ABCD las artes y las letras |

gillick.jpgDijo, hace ya algunos años, un entrenador de primera división que en el fútbol todo es mentira. Perdonen la inmodestia de la apropiación y la pedantería del conocimiento deportivo pero quien suscribe se ha permitido reconducir -reescribir, como apuntaría el autor que traemos a estas páginas- la apreciación hasta sus posiciones: en el arte también todo es mentira. Y cuando no lo es ?cuando no deriva hacia la insinceridad, la irrealidad o la velocidad?, tiende deliberadamente a serlo: básicamente porque todo se muestra y se vende como verdadero, lo cual crea verdaderas dificultades a la hora de escindir y diferenciar una cosa de la otra. Esta cuestión no atañe únicamente a quienes producen objetos artísticos y/o de mercado. Ni tan siquiera a quienes comercian con la mercancía. Abarca e influye sobre todos los agentes de la cultura de mercado.

Liam Gillick (Aylesbury, Reino Unido, 1964) ha hecho de su carácter polifacético un recurso para poder moverse con soltura en los intersticios libres de las rótulas que engranan los distintos géneros y campos que se unen y yuxtaponen, como en un pachtwork casero, y crear el mapa del mundo artístico. Quedando siempre en esa zona gris, en ese «entre», en el cual se siente cómodo.

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El color de la memoria - Francisco Carpio

Sobre Richard Billingham. Originalmente publicado en | ABCD las artes y las letras |

memoria.jpgEl paisaje borroso y gris-sepia de la memoria constituye uno de los campos de cultivo (a veces de batalla) más recurrentes de la fotografía. La imagen fotográfica convertida -como tantas veces señalara Roland Barthes- en metáfora y alegoría de la muerte, vale decir del tiempo. Parecidos mimbres son los que utiliza Richard Billingham (Inglaterra, 1970) para construir el cesto-inventario de su propia memoria, un buceo en picado hacia el fondo de las aguas abisales del recuerdo. Con estas fotos se interna y deambula por el territorio de la experiencia, dibujando no tanto el mapa físico de un espacio real y concreto, sino más bien el mapa recobrado de ciertos pasajes y paisajes de su propia vida. Una cartografía barthesiana y emocional, acotada por las curvas de nivel del recuerdo y el pasado.

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Tomates ardiendo y duchas frias - Javier Montes

A propósito de la expo de Robert Whitman en MACBA. | ABCD las artes y las letras |

tomate.jpgNadie discute a Robert Whitman su lugar como definitivo impulsor del happening como forma artística en el Nueva York de los años sesenta, junto con el grupo de artistas congregado en torno a la galería Reuben por Allan Kaprow: Jim Dine, Claes Oldenburg, Lucas Samaras y el propio Whitman. Todos ellos bebían de los espectáculos organizados por los dadaístas en el Cabaret Voltaire de Zúrich durante la Gran Guerra y del revulsivo proyecto ideado por el tándem Cage/Cunningham para el Black Mountain College en 1952.

Pero casi se han olvidado sus trabajos audiovisuales. La retrospectiva organizada por la Fundación DIA llega a Barcelona con la intención declarada de desfacer un supuesto entuerto y pone el acento en sus imágenes filmadas para reivindicar su papel precursor en este medio. Lynne Cooke se queja en el catálogo de la «amnesia histórica» que parece aquejar a quienes a día de hoy olvidan a Whitman al debatir acerca de la relación entre arte actual y reproducción mecánica de imágenes. Y para combatir la amnesia han pagado la reconstrucción de obras perdidas y se han pasado a DVD sus películas: hay que tener en cuenta que el celuloide o el vídeo se deterioran con el tiempo y no dejan de perder valor en el mercado. A medida que la tecnología avanza y que la «fecha de caducidad» de estos trabajos se acerca, cada artista reacciona a su manera: algunos aceptan la desintegración de la cinta como parte del sentido de la obra; otros las transfieren a nuevos soportes cuando pueden. Así que ?en lo material tanto como en lo teórico? DIA está haciendo un muy loable esfuerzo por rescatar del olvido la obra audiovisual de Whitman. Sin embargo, hasta cierto punto cabe preguntarse cuánta justicia hay en ese olvido relativo.

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Colomer construye el espacio social - Mariano NAVARRO

Reseña de la exposición "Arabian Stars" de Jordi Colomer en Espacio uno. Mncars, Madrid. Originalmente aparecida en El CULTURAL de El Mundo

Asistía a la proyección del vídeo Arabian Stars –que es la pieza principal de la muestra del mismo título en el Espacio Uno del MNCARS– cuando, para mi sorpresa, Jordi Colomer (Barcelona, 1962), su autor, ya que la sala no estaba del todo ocupada, me señaló una de las sillas a mis espaldas y amablemente me dijo, “quizás lo veas mejor desde algo más lejos”. Al extender la mirada por las varias docenas de éstas, cada una distinta de otra, me vi empujado no sólo a buscar un lugar determinado de la habitación desde el que mirar, sino, también, a elegir entre aquellas cuál me resultaría más cómoda o al menos más adecuada a mi estatura. Este doble ejercicio, de sentirte de pronto que estás implicado en el suceso que otro narra y tú contemplas, es uno de los instrumentos más habituales en la obra del artista catalán. De esa voluntad nos informa él mismo cuando dice a Willam Jeffet, su interlocutor en la entrevista publicada en el catálogo, “tienes que encontrar tu propia silla en la sala”. Y, lo que es más importante, describe el lugar, la instalación que ha concebido –las paredes pintadas de un verde más agua que esmeralda, en las que cuelgan los carteles o pancartas utilizados en el rodaje, las sillas encontradas, la omnipresencia gigante de la pantalla– como “una arquitectura efímera, un tipo de escenario pensado para que los visitantes lo compartan como un espacio social, pero también como actores que habitan durante un tiempo un decorado”.

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Septiembre 17, 2005

En el corazón de Dora García - Ana FERNÁNDEZ

Reseña de "Vibraciones", presentada en el MUSAC, León. Originalmente aparecida en El CULTURAL de El Mundo

Con el título de Vibraciones Dora García (1965), artista castellano-leonesa radicada en Bélgica, resume los diez últimos años de una investigación artística orientada hacia el análisis de los comportamientos humanos ante diferentes emisiones sonoras. Sonidos que tienen capacidad narrativa, que secuencian tiempos y que posibilitan un ágil diálogo perceptivo y conceptual con los espectadores. Sin duda los diferentes escenarios visuales/auditivos dirigidos por la artista con la elegancia y limpieza de medios que le caracteriza no dejarán indiferente a nadie, ni a sus admiradores, ni a aquellos que por primera vez descubran sus propuestas de interacción artística.

El recorrido comienza con Quarry Jeans (2005), performance producida para la muestra, en la que un joven, a modo de feriante o charlatán publicitario, expone el contenido de la exposición, guiando al público por los diferentes espacios. Espacios en los que se incluye La lección respiratoria (2001), de la colección del MUSAC; una nueva y definitiva versión de Los muertos (presentada en Manifesta 2, en Luxemburgo, 1998), con mezclas sonoras ejecutadas por DJ Madel, y Lifetime soundtrack (1997).

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Septiembre 11, 2005

Barney 'in love' - ÁNGELA MOLINA

A propósitio de la exposición "Matthew Barney. Drawing Restraint. 21st Century Museum of Contemporary Art de Kanazawa (Japón)". Originalmente publicada en BABELIA

Si uno se enfrenta al trabajo de Matthew Barney (San Francisco, 1967) con la mirada del crítico no puede llegar muy lejos. Porque el artista californiano, con toda su fuerza barroca y su debilidad argumentativa, no hace más que amarse a sí mismo como cualquier pintor que adora su paleta. Ejercicio estéril para el que escribe, pues, si ese amor no ha alcanzado a las musas de primer orden, aunque en medio de ese solipsismo el amante sea capaz de arriesgarse a la incomprensión o al desprecio con tal de mantener viva la llama de su ideal.

Matthew Barney, Ahab contemporáneo, el perfecto americano a la búsqueda de la justicia moral, fue en sus inicios un ser obsesionado y monomaniaco que navegaba a la conquista del mundo absorto en su simbolismo cósmico y para quien la venganza contra cualquier ortodoxia lo era todo. Pero, ay, Barney ha cambiado, ha transmutado su personaje de capitán cuáquero en el objeto de su obsesión, la ballena. De manera que para sus admiradores y la larga legión de personas que detestan sus trabajos ya no desea ser más un sátiro celta, ni siquiera el reconocido asesino Gary Gilmore, personaje que él mismo interpretó en su épico Cremaster cycle, donde el nombre del músculo que sostiene los testículos y hace que éstos se muevan de acuerdo con los cambios de temperatura, la estimulación o el miedo, le sirvió de metáfora para componer cinco interminables filmes sobre el polimorfismo de la sexualidad y las mascaradas masculinas. En la serie Cremaster, la lista de frikis es amplia: Norman Mailer, disfrazado del mago Houdini; la atleta y modelo paralímpica Aimée Mulins, transformada en un leopardo, o el escultor Richard Serra, que en su papel de jefe de una secta masónica lanza pegotes de vaselina caliente sobre las rampas del Guggenheim neoyorquino. Las localizaciones también son extremas: Cremaster 1 transcurre en Boise, el pueblo de la infancia de Barney, en Idaho; Cremaster 2, en las montañas rocosas; la última película, Cremaster 3, en el rascacielos Chrysler de Manhattan, mientras que las dos restantes se sitúan respectivamente en el circuito de carreras de la isla de Man y en unos baños públicos de Budapest. Además, la secuencia de rodaje de las películas que componen el ciclo recuerda al orden de entregas de Star Wars, empieza con Cremaster 4 en 1994 y se cierra con Cremaster 3 en 2002.

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Retrato del artista « adolescente » - Anna Maria Guasch

Reenviamos reseña de la exposición que en el Centro Sta Monica de Barcelona reune trabajos de carles congost, silvia prada, françois curlet y cabelo. Originalmente publicada en | ABCD las artes y las letras |

congost2.jpgComo ya viene siendo habitual, cada tres meses, el Centro de Arte Santa Mónica crea un muy particular «teatro de acciones» que, aunque con puntos en común con ciertos espacios de arte contemporáneo europeos (Grenoble, Burdeos, París), cuenta con muy pocos ejemplos en nuestro país, a excepción del MUSAC leonés, con el que comparte, si no ideología, sí un «parecido ambiente de época» y un mismo deseo de conectar con la esfera de las relaciones humanas en las que el espectador, de contemplador, pasa a convertirse en vecino o interlocutor. Acercarse a Santa Mónica es como abrir las puertas a una generación de artistas y a un diccionario de teorías cuya sustentación teórica radica precisamente en la ausencia de discurso, todo muy a tono con una «política de bajo registro e intensidad». Aquí se imponen son propuestas que cabalgan entre la realidad, la ficción, la metáfora y el humor, en una versión actualizada de lo que en los sesenta y setenta fue la cultura pop y la psicodelia.

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Septiembre 09, 2005

«INSITE´05»Desparrame en la frontera - Alberto López Cuenca

Reenviamos reseña del Festival festival Insite'05, en la frontera Mexico - EEUU. Originalmente publicado en | ABCD las artes y las letras |

frontera.jpgEn el imaginario artístico, desde Octavio Paz a Camarón de la Isla, la frontera es habitualmente entendida como metáfora de hibridación e intercambio. En su acepción geográfica y política, las fronteras son menos benévolas, tornándose ejes divisorios, de exclusión y jerarquización social. Cierto que son más porosas de lo que se cree y muchos quisieran, pero no por ello menos inflexibles. En uno de los pasos fronterizos más transitados del mundo, el de Tijuana y San Diego, con más de sesenta millones de desplazamientos legales anuales, las ciudades de uno y otro lado de la línea se requieren en una dependencia desigual, una, emitiendo seductores destellos del imaginario capitalista y, otra, acumulando las sombrías urgencias vitales de Latinoamérica. De un lado, en Tijuana, las casas se apiñan ansiosas junto a la valla metálica y el alambre de púas; del otro, las colinas cuarteadas y trenzadas de sendas sólo permiten imaginar el desierto letal y el ir y venir de la border patrol. A pesar de la contundente separación impuesta por la barda, como escribe el imprescindible Mike Davis, «la frontera es un sistema de relaciones sociales».

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Septiembre 01, 2005

La medida de la locura - Jaume VIDAL OLIVERAS

Reenviamos reseña de la exposición de Stanley Brouwn en el MACBA, Barcelona. Originalmente publicada en EL CULTURAL de El Mundo

brouwn.jpgEl proyecto de Stanley Brouwn consiste, a grandes rasgos, en contar sus pasos –con la precisión más rigurosa posible–y establecer medidas entre su cuerpo, sus desplazamientos y el lugar. Consciente o inconscientemente, en Brouwn hay implícita una idea muy hermosa: el hombre –o la imaginación del hombre– como medición de todas las cosas. Brouwn utiliza antiguas unidades de longitud (pies, codos, varas) fundamentadas en la mayor parte de los casos en referencias corporales. Los sistemas variaban de un lugar a otro, pero esta diversidad desapareció con la implantación del sistema métrico decimal y la uniformidad que trajeron los tiempos modernos. En otros casos, emplea medidas de longitud estrictamente subjetivas…

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(Est) ética bulímica - JOANA HURTADO MATHEU

Reenviamos reseña de la exposición "Martin Parr Photographic works 1971-2000" presentada em MAISON EUROPÉENNE DE LA PHOTOGRAPHIE, PARÍS. Originalmente publicada en Culturas de La Vanguardia

Imágenes nítidas de los detalles más absurdos, colores estridentes ayudados por un flash despiadado y todo en brillantes copias láser. Es la serie Common sense de Martin Parr, un tipo de fotografía que le ha convertido en el paradigma del kitsch, esa estética que se lo come todo para después vomitarlo en una sala de estar. Un fotógrafo que roza lo anónimo porque lo invade todo, y al mismo tiempo es una firma que hoy reconocemos a la legua.

Pero la retrospectiva que presenta la Maison Européenne de la Photographie de París nos sorprende con otro Martin Parr. El principiante curioso, el que empezó en los años setenta con un blanco y negro de rugoso pixelado, con encuadres distantes y austeros, incluso armónicos. El más amargo, el de series como The last resort,las vacaciones de la prole en un balneario que las grúas están derribando, o One day trip,que retrata la avalancha de ingleses que viajan a Francia sólo para comprar la birra más barata, agotando existencias y peleándose por ello. Una exposición que revela la gestación y evolución de un estilo hoy demasiado encasillado y, por encima de todo, un monumento a la coherencia - esa rara avis del arte contemporáneo- de un artista que a pesar de los cambios siempre ha buscado divertirse.

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Agosto 14, 2005

Deseo de ser piel roja - Alberto Ruiz de Samaniego

Reenviamos esta reseña a propósito de la exposición de ANN-SOFI SIDÉN "3MPH (Horse to Rocket)" presentada en el CGAC de Santiago de Compostela. Originalmente publicada en | ABCD las artes y las letras |

La historia es suficientemente conocida: el 7 de julio de 2002, la sueca Ann-Sofi Sidén salió de viaje desde ArtPace, centro dedicado al arte contemporáneo en San Antonio (Texas), en dirección al Centro Espacial de la NASA de Houston. En 25 días y a 4,8 Km. por hora, cubrió a lomos de un caballo indio un trayecto de 440 kilómetros, atravesando la América rural.

El objeto de esta peculiar deriva era, según señala una hoja informativa del CGAC, «investigar a fondo un viaje a caballo, modo de transporte obsoleto, visto desde nuestro mundo altamente sofisticado en el que se da una gran importancia a la velocidad, y llevar a cabo un peregrinaje a un centro y una institución donde el futuro de los viajes tiene el potencial de evolucionar más allá de los confines de la atmósfera terrestre. Una yuxtaposición que permite llevar a cabo un análisis sobre el tiempo y la velocidad».

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jeff Wall, la luz de la fotografía - Laura Revuelta

A propósito de la exposición JEFF WALL - Fotografías (1978-2004), en Shaulager, Basilea. Originalmente publicada en | ABCD las artes y las letras |

No cabe duda de que el discurso de la fotografía es interminable, que podemos escribir sobre ella y sus asuntos una semana tras otra sin descansar: bien porque últimamente nos aburre hasta la saciedad, bien porque descubrimos nuevos discursos, nuevos planteamientos en el oscuro devenir contemporáneo. Y en este punto nos vamos a detener: entre esa oscuridad a la que le llega un foco de luz y lo contemporáneo que se localiza en zona de sombra. Pese a que habrá a quien le duelan prendas a estas alturas de la historia, proclamamos a los cuatro vientos que la pintura no ha muerto, pero que no sólo se reinventa desde sus propios pigmentos, sino que también lo hace desde las técnicas revisitadas de la fotografía -la que fuera su gran enemiga- o del vídeo -al que también se han visto como gran enemigo de ambas- o de cualquier otro de los soportes vigentes, culpable de querer matar a alguien, o no. Enunciada así toda la trama, casi parece una comedia de enredo, y de tanto repetirla, hasta da risa. Si hay que proclamar una vez más el fin de las fronteras entre disciplinas artísticas, el enriquecimiento entre unas y otras -y de unas y otras- éste es un buen momento, justo frente a las fotografías que integran la exposición de Jeff Wall en el Schaulager de Basilea.

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Agosto 10, 2005

Carles Congost - Yo no tengo miedo - BEA ESPEJO

Reenviamos reseña de la exposición de Carles Congost "Memorias de Arkaran" en el CENTRE D´ART SANTA MÒNICA de BARCELONA. Originalmente publicada en CULTURA|S de LA VANGUARDIA

Tampoco lo tiene Lucy, la adolescente fan de Kiss en Tonight´s the night (2003), aunque a sus padres, esas escapadas nocturnas que hace con su novio, les lleve al pánico profundo. Ni lo tienen los chicos de A. M. E. R. I. C. A. (2003) que matan tranquilamente su tiempo ante una escena de inminente peligro ambiental. Ni tan siquiera el joven deportista que, de repente, siente un Mystique determinado (2003) sobre él, que amenaza quedarse en su vida "por absolutamente un tiempo largo". Pasado el susto inicial, todos ellos se enfrentan a su destino. El miedo a todo lo que desestabiliza su entorno más inmediato: al control ambiguo entre el amor y el poder de los padres de Lucy, lo siniestro de algunas situaciones sobrecargadas de intensidad o el hecho de que se acaben los goles y la novia para asumir la condición de artista y las desconfianzas que ésta le presupone en el reducido círculo del arte. Historias sencillas pero que describen muy bien el tiempo que nos toca vivir en el que, como estos personajes, todos andamos un poco así, perdidos junto a alguna calamidad personal.

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Agosto 06, 2005

Dentro de la máquina de significados - José Manuel Costa

Reenviamos reseña de OPEN SYSTEMS. RETHINKING ART C. 1970, Tate Modern, Londres. Originalmente publicada en | ABCD las artes y las letras |

open.jpg
¿Cómo interpretar esta exposición: como el testimonio de una victoria pírrica o como una gloriosa derrota? En todo caso, se trata de recapitular los primeros años de la década de los setenta en las artes plásticas, uno de esos raros momentos en los que se produce un cambio sísmico en lo cultural, lo científico, lo técnico...

El programa declarado de los veinticinco artistas reunidos en la Tate Modern consistía en provocar ese cambio de paradigma retomando -bien de forma directa, bien a través de Robert Rauschenberg o John Cage- las ideas expuestas por Marcel Duchamp a principios de siglo. Se trataba de superar cuestiones tales como el formalismo, lo autorreferencial (sustituido por lo auto-reflexivo), cualquier consideración estética o expresión subjetiva. También se negaban categorías como gran y pequeño arte, o los mecanismos institucionales de validación cultural, y se propugnaba la desmaterialización de la obra artística. En su versión más extrema y discutida, el conceptual de Robert Kosuth (no presente aquí): «Arte como Idea».

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Agosto 05, 2005

Conflictos y Emergencias - ROCÍO DE LA VILLA

Reenviamos reseña de la exposicion Emergencias en MUSAC, LEÓN. Originalmente publicada en CULTURAS de LA VANGUARDIA

La inauguración de un nuevo museo siempre despierta expectación. En los últimos años, en nuestro país se ha convertido en la expresión de un trauma que retorna y no cura sino bajo el imperativo de "cada ciudad, un museo de arte contemporáneo". La herida proviene de una generación que creció en el desierto del "tiempo perdido", lo que explica la obsesiva frustración al intentar rellenar colecciones de esas imágenes a las que no se tenía acceso sino por raras revistas importadas, o que, producidas en España, fueron ninguneadas o olvidadas. La solución política de, siguiendo el modelo del Guggenhem bilbaíno, poner en el mapa de la red de servicios cada ciudad periférica, alienta el orgullo de sus ciudadanos, no sólo fascinados por "lo igual en el mundo", sino que experimentan la anhelada sensación de que en su ciudad, por fin, el reloj se ha puesto en hora.

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Julio 30, 2005

El largo camino de la mente a la mano - Ramón ESPARZA

Reseña de la exposición "Huérfanos del vacío, Comisariada por Chus Martínez y presentada en Sala Rekalde. Bilbao. Originalmente publicada en El CULTURAL


garaigorta.jpg
Cuenta Plinio el Viejo en uno de los pasajes de su Historia Natural que la hija de Butades, un alfarero corintio, desconsolada al ver partir a la guerra a su amado, quiso guardar, al menos, algo que se lo recordara. Para ello, trazó con un carboncillo el contorno de su sombra proyectada sobre la pared. El relato de Plinio está considerado como uno de los dos orígenes míticos (el otro es la leyenda de Narciso) de la pintura, pero nos deja los elementos básicos del dibujo: la mano impulsada por el sentimiento, y la pared sobre la que se expresan las ideas. También, junto a la otra leyenda, nos señala las dos formas básicas de la imagen occidental: la sombra y el espejo, el esquema y la mímesis.

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Julio 23, 2005

Efecto reflejo - BEA ESPEJO

Sobre la exposición de Rineke Dijkstra en CAIXAFORUM BARCELONA. Originalmente publicado en LA VANGUARDIA

Habla de amor y por tanto de verdades relativas. Es I wanna be with you, la pista número siete del disco que Backstreet Boys sacó hace ahora unos ocho años, más o menos los que debe haber dejado atrás ya Annemiek. Algo tímida y con el gesto vergonzoso, escucha y canta mirando a cámara su canción favorita, esa que, aunque no lo sepamos, seguramente esconde alguna experiencia importante en su vida. Tal vez, algún hecho crucial en una nueva fase emocional. No hay más detalles de ella que los que de por sí la diferencian del resto de las chicas de su edad, ni sentimiento más genuino que el que para ella debe significar esa canción, aunque su preferencia sea común a millones de jóvenes. Es el retrato de las particularidades de una adolescente, pero al mismo tiempo y más allá de lo específico, la muestra de sentimientos mucho más generales. Casi un símbolo de la imagen que uno tiene de sí mismo aunque no sepa ni quién es, ni qué quiere. Aunque su identidad esté en perpetuo cambio.

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El contrapanóptico de Dionisio González - Pilar RIBAL

Del espacio amurado a la transparencia, Comisaria: Neus Cortés. Casal Solleric. Palma de Mallorca. Originalmente publicada en EL CULTURAL

dioni.jpgEn su proyecto Panópticos. La escritura de lo visible presentado en el año 2002 en la Fundació Pilar i Joan Miró de Mallorca, Dionisio González (Gijón, 1966) reflexionaba sobre una identidad individual y colectiva coercitiva mediante una serie de fotografías de personas uniformadas. A través del concepto de hipervisibilidad y de la reflexión de Foucault sobre los espacios de “vigilancia y castigo” (ejemplificados por el Panóptico de Bentham), el artista creaba una poderosa imagen sobre el encierro, la dificultad de comunicación, el anonimato y la alienación contemporáneas.

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Poéticas del movimiento - José Luis CLEMENTE

Reseña de la expo Terra Infirma. Comisaria: Berta Sichel. EACC. Castellón. Originalmente publicada en EL CULTURAL

infirma.jpg
La aceptación del vídeo sigue siendo en España una de las asignaturas pendientes no sólo en lo que respecta al coleccionismo privado o al interés de las galerías, sino también en las programaciones de museos e instituciones públicas. Es cierto, que en los últimos años se ha producido un proceso de “normalización” y su proyección ha ido admitiéndose como un medio de expresión visual más. Pero también es cierto que no existe una proporción suficiente entre el modo en el que nuestros artistas recurren a este medio y las posibilidades efectivas para su exhibición. Aun cuando es posible que “se vendan gatos por liebre”, y en muchas ocasiones el vídeo no esté justificado como soporte artístico, es de reconocer el poder de influencia que la imagen en movimiento tiene en nuestra sociedad, en la comunicación y en la definición de lo que somos. Desde esa óptica, no es de extrañar que numerosos artistas recurran al vídeo como un medio capaz de condensar, más específicamente, la imagen contemporánea y recrear nuestro mundo.

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Julio 10, 2005

Entrevista con Priscilla Monge

Reenviamos esta entrevista de Javier Díaz-Guardiola con ocasión de su exposición en la Galería Juana de Aizpuru, Madrid. Originalmente publicada en | ABCD las artes y las letras |

Priscilla Monge (San José, 1968) no ha olvidado que la presente edición de PHotoEspaña, en la que se engloba su muestra en Juana de Aizpuru, está dedicada a la ciudad. Por eso, su última serie fotográfica también mira a la urbe, pero desde dentro, desde la intimidad de los hogares. Esa es la razón de que los espejos sean los objetos cotidianos por los que ha optado ahora la artista, nítidas superficies que reflejan lo que somos, lo que tenemos o lo que queremos ver de nosotros mismos. Las piezas se acompañan de algunos de los bodegones en los que lleva trabajando desde hace un par de años, cuyas tazas lanzan también enigmáticos mensajes que inquietan al espectador.

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Los modernos prometeos

Reenviamos reseña de Francisco Carpio sobre la exposición LA TIERRA DESOLLADA en Galería Begoña Malone de Madrid. Originalmente publicada en | ABCD las artes y las letras |

prometeo.jpgJunio de 1816. En los alrededores de Ginebra, en Villa Diodati, todas las noches se produce una singular reunión. Sentados junto al fuego de la chimenea, unos jóvenes tratan de distraer las largas horas de un estío desapacible contándose historias terroríficas de espíritus y aparecidos. No es un grupo de jóvenes cualquiera. Lord Byron, Percy B. Shelley o John William Polidori no son unos jóvenes cualquiera. Junto a ellos, Mary Shelley, por entonces amante del poeta inglés Shelley. De esas veladas nacerá una de las obras angulares -junto al Vampiro de Polidori- de la literatura fantástica, Frankenstein, o El Moderno Prometeo.

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Julio 07, 2005

El teatro mágico de Jeff Wall - Guillermo SOLANA

Reenviamos reseña de Guillermo Solana sobre la exposición "Fotografías, 1978-2004" de Jeff Wall en Schaulager. Münchenstein. Basilea. Originalmente publicada en EL CULTURAL de el Mundo
WALL.jpg
Si tuviera que explicar a alguien lo que ha sucedido en el arte en las últimas décadas, le invitaría simplemente a visitar la espléndida exposición de Jeff Wall (Vancouver, 1946) en el Schaulager de Basilea. La muestra, que irá después a la Tate Modern, es la más ambiciosa que se haya dedicado a este artista canadiense que ya se cuenta entre nuestros clásicos vivos. Son unas setenta piezas del total de ciento veinte que Wall ha producido desde 1978, cuando comenzó a utilizar su soporte habitual, las cajas de luz (diapositivas en color de gran formato montadas en cajas de aluminio e iluminadas desde atrás).

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Julio 02, 2005

La proletarización del espectáculo

Reenviamos artículo de Anna Maria Guasch sobre la exposición de Rogelio López Cuenca "Le sortie des usines" en Caixafórum Barcelona. Originalmente publicada en

abc.es | ABCD las artes y las letras

rogelio.jpg
Son ya muchos los proyectos recientes como As ti-llá-grafo, presentado en la XXV Bienal de São Paulo en 2002, en los que Rogelio López Cuenca escoge el espacio público como «campo» sobre el que infiltrar el lenguaje y la contrainformación. Algo parecido ocurre en su instalación en CaixaFórum, pero, en este caso, López Cuenca abandona su discurso unido a la «poética visual» y a los media publicitarios para recuperar el de «narrador», más cercano al lenguaje cinematográfico que al poético-publicitario. Todo en esta instalación denominada La sortie des usines tiene, en efecto, implicaciones cinematográficas: el título de la misma se corresponde al de la primera película de la historia del cine rodada por los Lumière en 1895.

Pero, en lugar de pantalla, aquí nos encontramos con un friso de tamaño monumental situado fuera de los espacios museísticos (en realidad, en el espacio de acceso al centro), a modo de multi-panel fotográfico que no tiene sentido como pieza individual, sino como fragmento de una narración polifónica con distintos niveles de narración históricos, ficticios y artísticos.

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Obsesión por el tiempo

Reenviamos esta reseña de PEIO AGUIRRE sobre la exposición de Richard Serra eb el Guggenheim de Billbao. Originalmente publicada en LA VANGUARDIA DIGITAL

Dos semanas antes de la inauguración de La materia del tiempo en el Museo Guggenheim, un irlandés me confesaba que sus dos irrepetibles y mágicos momentos ante una obra de arte habían tenido lugar primero frente a un Richard Serra, y más tarde con motivo de una visita al parque Güell de Gaudí. A pesar de las drogas alucinógenas que esta persona pudiera ingerir, la comparación no era baladí, pues ambos artistas han puesto a su manera los regímenes de la ortogonalidad y el equilibrio en peligro.

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Junio 29, 2005

Entrevista con Carlos Amorales

Reenviamos entrevista de Javier Díaz-Guardiola a propósito de la exposición en ARTIUM. Originalmente publicada en ABCD

En el marco del «boom» de exposiciones de plástica mexicana que tuvo lugar en Madrid el pasado mes de febrero ?consecuencia de que México fuera el país invitado en ARCO?, la Casa de América presentó el trabajo último de Carlos Amorales (México, 1970). Su muestra ¿Por qué temerle al futuro?, ahora más rodada y ampliada, recala en el Artium de Vitoria. Con ella descubrimos una nueva faceta del artista, la de dibujante, que desde su archivo de imágenes ?fijas o en movimiento? disiente de la validez de significados cerrados.

Lanza al espectador una pregunta muy directa desde el título de la muestra: «¿Por qué temer al futuro?». ¿De qué forma está implícita la respuesta en el proyecto?

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Junio 24, 2005

Rineke Dijkstra, ser in progress - Jaume VIDAL OLIVERAS

Reenviamos reseña de la exposición "Retratos" de Rineke Dijkstra en Caixaforum, Barcelona. Originalmente publicada en EL CULTURAL de el Mundo

dijkstra.jpgRoland Barthes explicaba que cuando era consciente de que estaba siendo fotografiado, cuando se sentía mirado por la cámara, automáticamente se ponía en situación de “posar”, es decir, de fabricarse o construirse una imagen de sí mismo. Según él, existe siempre una expectativa, un deseo de ofrecer una imagen concreta de uno mismo; de ahí este posar, este intentar comunicar lo que uno quisiera ser. En Rineke Dijkstra (Sittard, Países Bajos, 1959) se trata del proceso contrario: es una fotografía que intenta captar a los retratados sin “pose”. Busca una imagen en que las figuras aparecen sin aquellos “tics” o convenciones que construyen un personaje. De alguna manera, desnuda y coloca al fotografiado en una situación ambigua, sin referentes ni códigos. No es casual, pues, que los primeros trabajos de Dijkstra fueran de niños y adolescentes, ya que estos modelos no se asimilan a un arquetipo, a una idea de belleza o carácter. De ellos, entre otros aspectos, le interesaba su personalidad no formada, su cuerpo desproporcionado. Ellos –explica Dijkstra– todavía no tienen máscara.

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Archivos del presente - PEIO AGUIRRE

Reenviamos esta reseña de la exposición "Folk Archive: Contemporary Popular Art from the UK" presentada eb THE CURVE BARBICAN, LONDRES. Originalmente publicada en LA VANGUARDIA DIGITAL

Acudir a una exposición para descubrir prototipos de pistolas fabricadas a base de cuchillas de afeitar y bolígrafos con las que los presidiarios se tatúan debería cuando menos hablarnos de la naturalezah umana. También contemplar diferentes tipologías de espantapájaros, tartas de nata, cascos de motorista con calaveras pintadas o tradiciones ancestrales como acarrear a cuestas un barril incendiado. El asunto aquí no es que estos objetos nos digan algo de las bondades y el humor de los británicos como que interroguen los mecanismos mentales que llevan a alguien a coleccionarlos, clasificarlos, estudiarlos y hasta filosofar sobre ellos.

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Junio 19, 2005

Venecia, un poco más de romanticismo - David BARRO

Reenviamos esta reseña de David Barro sobre la exposición "Siempre un poco más lejos" presentada en el Arsenal, en la Bienal de Venecia. Originalmente publicada en El Cultural de el Mundo

islam.jpgEn una Bienal donde se han definido irónicamente los pabellones nacionales como un geriátrico capaz de albergar las propuestas de Messager, Gilbert & Georges, Jonas Mekas, Helena Almeida o Ed Ruscha y con una exposición –la encargada a María de Corral– dedicada a ofrecer una visión más histórica o retrospectiva del arte actual, sólo quedaba el Arsenale para esa siempre deseada interpretación más prospectiva. Así, con el visionario título Siempre un poco más lejos, que deriva del romanticismo de Corto Maltés, el personaje de ficción creado por el dibujante Hugo Pratt, Rosa Martínez confiesa intentar superar lo establecido (nos preguntamos por quién) y apela a la fantasía para entender la realidad.

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Junio 18, 2005

"Los Giardini son un 'ready-made" - Angela Molina

Reenviamos esta ENTREVISTA con Antoni Muntadas, originalmente aparecida en Babelia

"Si no tienes un pabellón en la bienal, entonces no eres un país"

muntadas2.jpgEl proyecto que Muntadas muestra en el pabellón español se concreta en un espacio central de 12×12 metros, donde se despliegan fotografías, vídeos y documentos; en las cinco galerías que rodean el ámbito principal se presentan otros doce trabajos, la mayoría desarrollados a lo largo de diez años, que tienen que ver con la traducción. Lo primero que ve el visitante en la fachada del pabellón español es el rótulo "atención, la percepción requiere compromiso", un leitmotiv que se repite en todas las presentaciones de la serie On translation y que sitúa al receptor en destinatario último de las obras. "Mi trabajo es flâneur, I Giardini es flâneur, porque se presenta como un lugar de tránsito y un espacio híbrido. No es una instalación, sino un ambiente, un espacio para ser utilizado y en el que cada visitante sacará sus conclusiones. Con la frase que hay en la entrada les aviso de que no van a entrar en un lugar celebratorio", afirma.

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La ciudad de la gente - Óscar Alonso Molina

Renviamos reseña de Oscar Antonio Molina originalmente publicada en ABCD las artes y las letras

A la hora de abordar el tema genérico en torno al que gira la presente edición de PHotoEspaña, la ciudad, a muchos ha sorprendido el que uno de sus desarrollos más inmediatos y de mayor éxito en el panorama actual de la disciplina, la fotografía de arquitectura, apenas ocupe protagonismo, marcando claras distancias con esa tendencia de nuestro mercado que le ha dedicado su atención de manera muy sustancial, quizá incluso desproporcionada, sobre todo si pensamos en la asunción mimética y poco imaginativa a que hemos asistido por parte de los propios artistas, impulsados a su vez por inercias comerciales, de toda esa estética neo-objetiva característica de la Escuela de Düsseldorf: Gursky, Höfer, Struth y demás.

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Junio 15, 2005

La voz sola de Muñoz - ROCÍO DE LA VILLA

Reenviamos reseña de la exposición La voz sola. Esculturas, dibujos y obras para la radio, prensentada en LA CASA ENCENDIDA de MADRID. Originalmente aparecida en CULTURAS - LA VANGUARDIA DIGITAL

Tan irritante como atractivo. Estábamos persuadidos de que esos personajes tramaban algo. Pero ¿quién podría descifrarlo? El poder narrativo de las instalaciones en la última década de Juan Muñoz se nutría de la exacerbación del misterio. Durante la Modernidad cundió cierta confianza en que el artista era un vidente y sus obras, reveladoras. Durante su estancia en Roma, Muñoz se confrontó con un viejo velo: la definición de la obra de arte como poesía muda. Y entonces empezaron a surgir personajes como The Prompter (1988), el apuntador, cuya función de repetir la entradilla a la narración, subrayaba el silencio en escena. Algunas declaraciones del escultor con ocasión de su última gran exposición en el Palacio de Velázquez de Madrid, en 1996, resultan perturbadoras: "Me gustaría que la persona que entra a una exposición ... se portase a un modo parecido a un actor inmóvil ... La obra dramática se desarrolla lejos de él". Y después vinieron más recursos sonoros: tambores (Many Drums, 1994) y dibujos de bocas y orejas. Y en la quietud del silencio, otros personajes que hablaban entre sí y espiaban en el muro (Conversation Piece, 1991), o aquel rostro tomado de la efigie del orador Cicerón (Shadow and Mouth, 1996-97), cuya boca en perfil, proyectada en sombra sobre la pared, sin duda, se movía y musitaba una letanía. Quizá la obra en la que llegó al borde de la confesión: "Me gustaría introducir un murmullo en una de mis esculturas, que se activara sólo por la noche, cuando se hubiera ido todo el mundo. Tenerlo funcionando toda la noche y que en el momento de abrir la puerta dejara de murmurar".

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El archivo en el banquillo - XAVIER ANTICH

Reenviamos esta reflexión publicada con ocasión de la exposición de Fernando Bryce en la FUNDACIÓ TÀPIES de BARCELONA. Originalmente aparecida en CULTURAS - LA VANGUARDIA DIGITAL

La noción de archivo se está revelando como una de las más fértiles y sugerentes de la cultura contemporánea reciente. No es extraño, por ello, que la Fundació Antoni Tàpies la haya convertido en una de las ideas motrices de la etapa dirigida por Nuria Enguita. La exposición Culturas de archivo (2000) abrió explícitamente el fuego; Ir y venir de Valcárcel Medina (2002) presentó una falsa retrospectiva del artista a partir, precisamente, de un cuestionamiento del papel del archivo y del testimonio; llega ahora la primera exposición individual en España de Fernando Bryce (Lima, 1965), centrada en sus series de los 3 últimos años, y un catálogo magnífico con todos los materiales expuestos; y, para principios de 2006, la Tàpies anuncia una exposición sobre el Archivo FX de Pedro G. Romero. El panorama constituye toda una declaración de principios.

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Junio 01, 2005

Aroma exiguo - Rocío DE LA VILLA

Reseña de la exposición "Desvelar lo invisible. Videocreación contemporánea" presentada en la SALA COMUNIDAD DE MADRID. Originalmente publicada en LA VANGUARDIA DIGITAL

desvelar.jpgEl proceso de consolidación de la videocreación resulta apasionante por lo que tiene de desafío a los usos y convenciones del mundo del arte. Y al margen de su aportación a la historia de la imagen y de la relevancia de piezas de artistas ya considerados clásicos del arte contemporáneo, como Bill Viola. Por su tecnología, ha conducido a un tour de force sobre el modo de asegurar su comercialización bajo los parámetros del galerismo, pero no sin antes entablar una encarnizada polémica sobre los derechos de su reproducción; asunto que resulta muy peligroso, pues es como abrir la caja de pandora de la relación general entre artistas y salas de distribución (públicas y privadas), y volver a cuestionar la propiedad de la obra de arte en unas condiciones de reproductibilidad en la época de Benjamin inasequibles.

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Mayo 28, 2005

Paseando con Monsieur Alys (por México) - Anna María Guasch

Reenviamos reseña de la exposición de Francis Alys en el MACBA, originalmente publicada en abc.es | ABCD las artes y las letras |

alys.jpgProcedente del Kunstmuseum de Wolfsburg y del Museo de Bellas Artes de Nantes, llega ahora a Barcelona una selección de obras de los últimos diez años de trabajo del artista belga afincado en Ciudad de México Francis Alys (Bruselas, 1959). La exposición, la primera que de este artista se hace en Barcelona, lleva por nombre A pie desde el estudio, y el título informa claramente del «leiv motiv» que vincula a la mayoría de las obras presentadas: las relaciones del artista -arquitecto de formación- y la ciudad de México en la que vive, y, más concretamente, todo lo que el artista, cual paseante, puede ver oír, percibir y sentir en un radio de diez manzanas en torno a su estudio (en una relación que reproduce a microescala las relaciones entre lo global y lo local en los ámbitos geopolíticos generados por el nuevo mapa de la globalización). De todos es conocida la vocación, casi pulsión, viajera y nómada de Alys, y cómo se basa en el dibujo, en la pintura, en filmes documentales, en fotografías y en otros medios para infiltrarse y explorar las condiciones sociales y económicas de las distintas ciudades en las que viaja o vive. Sus «paseos» tienen mucho que ver con la idea de flaneur de Baudelaire, pero, sobre todo, recuerdan las prácticas parisinas de los situacionistas conocidas como dérive (deambular).

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Mayo 26, 2005

Ganar el tiempo, perder el espacio - Pedro de Llano

Reseña de "3´ Point of View" presentada en CENTRO GALEGO DE ARTE CONTEMPORÁNEA. Comisarios: Max Hollein, Martina Weinhardt y Hans Ulrich Obrist. Dan Cameron. Originalmente publicado en LA VANGUARDIA DIGITAL

3min.jpgSi hay un fenómeno reciente que ha creado consenso en el panorama de las artes visuales ese es, con seguridad, el vídeo. Casi nadie duda de su éxito y se antoja muy difícil imaginar una exposición importante sin su presencia. Además, el público lo recibe con simpatía seducido por un lenguaje que le resulta extremadamente familiar. 3´ y Point of View son dos iniciativas producidas por la Schirn Kunsthalle de Frankfurt y por el New Museum de Nueva York que surgen de este contexto y analizan de manera complementaria el auge del videoarte.

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Mayo 22, 2005

Carles Congost - Generación huérfana - MARIA DOMENE

Reseña de la exposición "Coming soon...". Originalmente publicada en el suplemento CULTURAS de LA VANGUARDIA DIGITAL

Coming soon... da título de la exposición de Carles Congost (Olot -Girona-, 1970) formada por un conjunto de tres series fotográficas tituladas Backpackers (2004), The Revolutionary y Gloria (2005). Se trata de un proyecto en progreso que dará pie a la próxima exposición del artista en el Centre d´Art Santa Mònica de Barcelona este mismo verano. La característica más visible de esta exposición es el relevante papel que tomanl os elementos fantásticos como pretexto para hacen vivir a los personajes situaciones de carácter épico e imaginario. En anteriores obras de Carles Congost los elementos irreales están presentes, como en Kratter´s (2000) o en Tonight´s the night (2003), aunque no de una manera tan definitiva. En TheRevolutionary el personaje del viejo indigente, que físicamente nos recuerda a Gandalf de la Playstation y comparte menús McDonald´s con los chavales, nos remite inmediatamente a la imagen del sabio, del maestro, del genio independiente, del artista guerrero... que también es partícipe de las multinacionales del ocio, pues la mística también cotiza en bolsa. Como cotizan en bolsa, y mucho, los best-sellers épicos y fantásticos a los cuales se refiere la próxima exposición que va a presentar Carles Congost en el Centre d´Art Santa Mònica. A saber: tres proyecciones simultáneas en tres pantallas, un futuro rey del imaginario reino de Argaman, entrenado desde pequeño para conducir el ejército de su país a la victoria contra el mal capitaneado por la malvada bruja Velor, trasladado a petición de su madre al vecino pequeño país Arkaran habitado solamente por artistas, donde es cultivado en la poesía y el arte. Llega el momento del combate tan esperado contra las fuerzas de las tinieblas, el príncipe prepara la ofensiva en el país de los artistas, pero es derrotado por las tropas de Velor, que es erigida reina por siempre jamás.

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La importancia de abrirse en canal - MERY CUESTA

Reseña sobre la segunda edición de Processos Oberts en Barcelona. Originalmente publicado en CULTURAS de LA VANGUARDIA DIGITAL

¿Lady o Dandi? No elijas: apúntate al juego de la ambigüedad uniendo un Armani ultraentallado con Manolos de inspiración masculina y para el sol un Panamá". Este fragmento extraído de una conocida revista femenina (fa cagar que el nombre genérico de estas publicaciones siga siendo éste) evidencia la dominación de la Marca en el sector industrial del textil. La Marca es el territorio del negocio. Fenómenos aplastantes en Occidente como la deslocalización de la producción textil, suponen la conservación icónica de la marca y el logotipo mientras que la producción tiene lugar en países en vías de desarrollo. El mundo del arte, que siempre se ha mostrado sensiblemente proclive a espejar los vicios de la sociedad contemporánea, va tomando inercias que le asemejan al sistema consumista donde se potencia la fugacidad y lo desechable, lo expeditivo, la obediencia bovina a los dictámenes de la moda, y la creación de marcas (¿o qué fueron los Young British Artists más que eso?). La lógica de la marca se ha introducido en el ámbito del arte contemporáneo.

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Mayo 19, 2005

Bernardí Roig, normas narrativas - Kevin POWER

Reenviamos reseña de la exposición de Bernardí Roig, titulada El baño de Diana en Galería Max Estrella de Madrid. Originalmente publicada en EL CULTURAL

ROIG.jpgEl mundo de arte es inútil y deliberadamente parlanchín. Así, es un alivio entrar en una muestra donde nos encontramos con un orador blanqueado, apoyándose agotado contra la pared, vomitando verborrea, preso y vaciado de los excesos de la retórica. Para los que creemos reconocer al personaje ¡sentimos simpatía más que sorpresa! Quizá debería empezar citando algo que la figura en cuestión no ha hecho aún. Pienso en Dave Eggers, escritor y editor de moda de la revista “McSweeneys”, uno de los espacios donde los artistas con pretensiones literarias se codean con escritores de ritmo trepidante, urbanos e innovadores.

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El objeto precario de Pedro Mora - Elena VOZMEDIANO

Reseña de la exposición Incidentes y fragmentos de Pedro Mora en Galería Soledad Lorenzo. Madrid. Originalmente publicada en EL CULTURAL

mora.jpgEl arte, salvo excepciones, no viene con instrucciones de uso, y cada artista, cada obra, nos llega al entendimiento –nos afecta en el mejor de los casos– según la base de experiencias y de conocimientos que cada uno posee. El artista cuenta, no obstante, con un amplio repertorio de, digamos, “reacciones esperables”, sean intelectuales o emocionales, ante determinados materiales, imágenes o asociaciones. En esta exposición, Pedro Mora (Sevilla, 1961), al que no veíamos en Madrid desde el año 2000, juega con una serie de elementos de fuerte implantación en la memoria y que provocan respuestas instintivas, para enfrentarse a un reto que él mismo formula así: “organizar un proyecto partiendo de un modelo como problema. ¿Cómo se ve la totalidad de unidades en la escultura?”.

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Mayo 07, 2005

Mi nombre es Pane, de dolor - JOANA HURTADO MATHEU

Reseña de la exposición de "Gina Pane, Terre-Artisteciel" en CENTRE GEORGES POMPIDOU PARÍS
Originalmente publicada en LA VANGUARDIA DIGITAL el 04/05/2005

pane.jpg
No existe nombre para el espectador de body art. Su repulsión se mezcla con un goce voyeurístico que le impide saber si comparte o no el placer masoquista del performer; porque pese al asco, sigue mirando. Después de ver la exposición de Gina Pane, es evidente que podemos valorar estéticamente la representación del dolor o incluso, que puede gustarnos. Una muestra que, aunque tardía e incompleta, da a Pane (Biarritz, 1939-París, 1990) el reconocimiento que se merece. Dividida en tres partes, presenta cronológicamente 3 etapas de la artista:

1. Pane descubre la naturaleza y su acción sobre ella, entre ella: Terre-Artiste-Ciel es el subtítulo de la muestra, tomado de una obra donde Pane se erige como conjunción ideal entre el hombre y los elementos naturales. Es la posición central del artista que trae la subjetividad al mundo natural, que explora los límites antes de transgredirlos, anticipando, de modo aún utópico, el punto

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El huevo contra la cáscara - ÁNGELA MOLINA

Reseña de la exposición de "ENRIQUE MARTY" en Galería Llucià Hom, Barcelona.
Originalmente publicada en BABELIA el 07-05-2005

Totalmente neurótica, la exposición que propone Llucià Homs aleja al visitante del reino de la tierra y lo alía con los monstruos de las profundidades, lo que Freud llamó "novela familiar", conjuros y complejos nacidos de la perversión de nuestro entorno. En principio, no es nada agradable entrar en una galería de arte -desde la impasibilidad de la calle- y encontrarse absolutamente ajeno a esa rutina del horror, en medio de una escenografía forzada hasta lo abyecto, con protagonistas que sobreviven o mueren en el límite de lo soportable. Enrique Marty (Salamanca, 1969) provoca con la facilidad del que saca el hígado de un cerdo y observa sus líneas y fisuras. No hay nada malo en ello, si no fuera porque existe un pretencioso engrandecimiento del asco y el miedo de los fantasmas interiores que nos habitan, tan indigestible como un resumen de El exorcista. La infancia y la familia, el dios único o diosecillos de la religión, la desmedida lujuria del fascismo, las confesiones que nadie jamás oyó en un diván... el huevo contra la cáscara. Todo es repugnante, es el doblez o dobladillo de nuestras vidas correctas, hechas jirones sólo en la ficción o en las páginas de sucesos.

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Grabaciones con altibajos - Miguel Cereceda

Reenviamos reseña de "DESVELAR LO INVISIBLE. VIDEOCREACIÓN CONTEMPORÁNEA", presentada en Sala Alcalá 31. Madrid, originalmente publicada en abc.es | ABCD las artes y las letras

altibajos.jpgDesde que a finales de los años sesenta empezó a popularizarse el uso del vídeo, básicamente han aparecido tres formas fundamentales de videocreación, en función de la utilización que se haga del aparato. Una primera utilización posible y reiterada fue la que comenzó a servirse del vídeo como objeto, integrando el reproductor y la imagen como objeto artístico en relación con otros objetos artísticos. Ello dio lugar a formas expresivas tales como la vídeo-instalación o la vídeo-escultura, en la que sobresalieron artistas como Nam June Paik, Wolf Vostell, Bruce Nauman o Fabrizio Plessi. Aunque estos artistas experimentaron con nuevas formas posibles de la imagen, y realizaron prácticas de deformación, geometrización y abstracción de la misma, su interés no se dirigió por lo general a la creación visual con el aparato, sino más bien a la composición de relaciones sorprendentes entre los objetos, sirviéndose de automóviles, instrumentos musicales y otras cosas semejantes, para componer con ellos fascinantes instalaciones en las que la imagen introducía apenas un momento de color o de movimiento, o escenas sociales o políticas, sacadas de la televisión.

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Terror y temblor - Alberto Ruiz de Samaniego

Reeenviamos esta reseña de "SEDUCIDOS POR EL ACCIDENTE", presentada en la Fundación Luis Seoane de La Coruña, originalmente publicada en
ABC
La Fundación Luis Seoane de la Coruña reúne el trabajo de un nutrido grupo de artistas contemporáneos cuyas obras se recrean en la belleza o el horror suscitados por la catástrofe. Esa es la filosofía de «Seducidos por el accidente»

terror220050506.jpgEstos tiempos, en los que se ha generado una cultura sin afectos, enmascaran lo terrible con la cantidad. En este punto, algunas obras de arte resultan ejemplares, fundamentalmente aquellas imágenes indiscriminadas de muerte y accidentes ante las que el artista parece mostrarse imperturbable, sometiéndonos a su exposición estetizada y a su complaciente consumo en serie. Más que preocupar, la catástrofe y la mortalidad parecen ocupar toda la existencia, activarse por la penetración de los modos industriales en todas las esferas de la vida, al tiempo que su capacidad emotiva o sus afectos y efectos semejan diluirse en la pantanosa indiferencia del consumo generalizado. Mística de la muerte del mundo, que dijera Benjamin. Por otro lado, resulta difícil mirar al futuro con fe cuando uno contempla algunas consecuencias de la modernización, como el desastre ecológico, el peligro de devastación nuclear o la malnutrición y desigualdad social. Es este tipo de planteamientos el que ha hecho pensar a los comisarios de Seducidos por el accidente en la conveniencia de reunir algunas obras que inciden en la cuestión. Parece claro que la Historia ya no nos va a dispensar ni la emancipación, ni la igualdad, ni la sabiduría, y ello acaba por cimentar todo tipo de visiones apocalípticas que, o bien anhelan la posesión de un vínculo unificatorio y redentor que se ha de procurar bien que mal (más mal que bien, a decir verdad, tal como insiste la pintura de Manuel Ocampo), o desembocan en un fin de fiesta generalizado que constituye la vertiente más cínica y ramplona de la actualidad. Lo peor del nihilismo contemporáneo ha configurado una ecléctica apología de lo existente o un todo vale hedonista carente de gusto y crítica ?eso que Lyotard caracterizó como grado cero de la cultura? que no hace más que refrendar el funcionamiento amoralmente interesado del capital.

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Abril 15, 2005

Ulrike Ottinger, disparate y provocación - José Luis CLEMENTE

Reseña de la exposición Imagen de archivo, en EACC - Castellón. Comisaria: Catherine David. Originalmente publicada en
EL CULTURAL de El Mundo

ottinger.jpgEl Espai d'Art Contemporani de Castelló, EACC, reabre por fin sus puertas tras permanecer cerrado durante un año. La salida de José Miguel Cortés, bajo cuya dirección el centro se ganó credibilidad y respeto, provocó una situación de incertidumbre que puso en entredicho su tutelaje político. Así, las actividades puestas en marcha en el EACC se vieron bruscamente truncadas, evidenciando el modo en el que el intervencionismo político puede dar al traste con un proyecto de calidad; situación ésta que no deja de ser representativa de cómo entienden los políticos la gestión de las instituciones culturales en España. Es hora ya de que se deje de patrimonializar la cultura y se mire también a Europa para observar cómo la administración de las instituciones culturales y gestión se deja en manos de los profesionales y expertos.

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Juego de espejos de Olga Adelantado - Javier HONTORIA

olga_ad.jpgReenviamos una reseña de la exposición "Models for a future disaster", de Olga Adelantado en Casa de América. Madrid. Originalmente publicada en EL CULTURAL de El Mundo
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Buena parte del trabajo realizado por Olga Adelantado (1970) en los últimos años se apoya en la relación de la propia artista con el exterior, entendido éste como un cuerpo antitético al que se enfrenta, generándose así un diálogo entre cuerpos opuestos. Podríamos decir que se trata de la voluntad de la artista valenciana de confirmar su identidad, como persona o como creadora, frente a ese “otro” con el que inevitablemente ha de convivir.

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Abril 09, 2005

El Reina Sofía desenmascara los mecanismos del maltrato a la mujer en 'Violencia sin cuerpos'  - R. BOSCO / S. CALDANA

Carcel
Reseña originalmente aparecida en ciberpais -07-04-2005

"El hecho de que en Internet podamos prescindir de nuestros cuerpos no deja exenta a la Red de la violencia de género, es más, lo invisible puede ser, si cabe, más inquietante y volver a proponer, disfrazados, viejos esquemas de poder". Lo afirma Remedios Zafra, profesora de la Universidad de Bellas Artes de Sevilla y comisaria de Violencia sin cuerpos, una exposición de arte electrónico integrada en Cárcel de amor: relatos culturales sobre la violencia de género, una iniciativa del departamento de audiovisuales del Museo Reina Sofía de Madrid, que incluye también un programa de cine y vídeo, una performance y una serie de debates.

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Arte, tiempo y realidad - JUAN MARTÍN PRADA

Reseña de Juan Martín Prada sobre la exposición FAST FORWARD. Avance rápido/ Media art en la colección Goetz / en el CENTRO CULTURAL CONDE DUQUE MADRID

Originalmente aparecida en Cultura|s de la Vanguardia el 06/04/2005

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Un tiempo acelerado. Así se ha definido una y otra vez la experiencia de nuestro presente, éste en el que parece que es cada vez más difícil resistirse a la entusiasta lógica publicitaria del "no hay tiempo que perder" o escapar de los efectos de la ansiedad que aquella inevitablemente conlleva.De hecho, hace ya más de treinta años Marshall McLuhan diagnosticó que la velocidad eléctrica propia del mundo de los medios de comunicación y sus tecnologías tendía a abolir el tiempo y el espacio de la conciencia humana al eliminar cualquier demora entre el efecto de un acontecimiento y el siguiente. Ciertamente, vivimos hoy en un permanente traslapamiento perceptivo de acontecimientos, eventos y situaciones que hace difícil pensarlos, que hace imposible valorarlos.

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Jankowski, tiempo de karaokes - David BARRO

Sobre la exposición "Oops!... I did it again", presentada en CGAC. Valle Inclán, s/n. Santiago de Compostela.

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Reseña aparecida en EL CULTURAL DE EL MUNDO

En el CGAC hay un karaoke. También luces de neón y una máquina de refrescos. La protagonista del póster y la invitación de la nueva exposición es Marta Sánchez. Pero esto, no debería sorprender a nadie, máxime cuando la artista coreana Lee Bul fue merecedora de una mención honorífica en la Bienal de Venecia de 1999 por un acolchado karaoke, Young-hae Chang ingenió uno telemático y Alexandre Vogler uno con hélio para alterar la gravedad de las cuerdas vocales. También existen ejemplos discotequeros nacionales que llevaron a Juan Manuel Bonet, en estas mismas páginas, a ironizar sobre la moda “intelectual”, llegada de Norteamérica, de darle gran importancia a fenómenos procedentes de los medios de comunicación de masas: “Queda muy chic reproducir en Artforum una viñeta de los Simpson o un fotograma de una película porno o el retrato de una cantante de moda. Ciertas exposiciones comprometidas tienen el aire de una almoneda, de un zoco o un flea market neoyorquino (…) Que el museo siga siendo considerado como un lugar de silencio y reflexión y no de ruido y confusión”, reclamaba. Hoy semeja que este debate ni preocupa ni es debate.

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Abril 08, 2005

Inauguración de la exposición "Elephant's Heaven" de Mireya Masó

Reenviamos la nota-invitación ofrecida por la Galeria Tomas March sobre la actual exposición de Mireya Masó.

Elefante-ramas-01.jpg

Las fotografías y el video que Mireya Masó (Barcelona, 1963) presenta en esta exposición son el resultado de su residencia en el Elephant Nature Park de Tailandia, gracias a una ayuda de la Fundación Arte y Derecho.El Elephant Nature Park es un centro de protección de elefantes que han sufrido las consecuencias del abuso explotador del hombre, pero también un centro que investiga nuevas formas de relación más respetuosas con estos animales y el entorno en el que viven.

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Marzo 25, 2005

De puertas adentro - BEA ESPEJO

Reenviamos reseña de Bea Espejo sobre la exposición de Thorsten Goldberg en Espai13 de la Fundaión Miró, Barcelona. Originalmente publicado en el CULTURAS de la Vanguardia el 23/03/2005

Smart

Parece una historia inocente pero, de puertas adentro, tiene más de astuta y sagaz que de ingenua.De extremadamente artificiosa.Es la manía personal, aquella que, ni tan siquiera de puertas afuera podemos apartar de la mente y que define nuestras ideas, deseos e inquietudes. Esas cosas que nos hacen diferentes a lo corriente y lo común. Unas obsesiones que nos sitúan en lo subjetivo unilateral: en un espacio de permanente cambio, independiente, parcial e incompleto, en el cual nuestros pensamientos se mueven por entre la espontaneidad de lo flexible.

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Juan Muñoz, no ver, no oír - Elena VOZMEDIANO

Muñoz

Reenviamos reseña de Elena Vozmediano sobre la exposición "Juan Muñoz. La voz sola" presentada en La Casa Encendida, Madrid. Originalmente publicada en El Cultural de el Mundo.

La Casa Encendida recuerda a Juan Muñoz casi cuatro años después de su prematura muerte, con una exposición que, a la vista de sus créditos, podría parecer un homenaje de familia y amigos. Y lo es, pero constituye también una aportación seria a la difusión y evaluación de la obra del escultor a través de un aspecto tal vez no central en su trabajo pero sí importante en conjunción con otros: la relación, o el conflicto, entre lo visual y lo auditivo.

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Pep Agut, visión y lectura/imagen y palabra - José MARIN-MEDINA

Agut

Reenviamos reseña de José MARIN-MEDINA sobre la exposición de pep Agut "¿Es legal tu mirada?" en Helga de Alvear, Madrid. Originalmente publicada en EL CULTURAL de el Mundo.

Las exposiciones de Pep Agut no son las habituales presentaciones y puestas en valor de unas obras, sino obra misma, una obra en sí pero que no constituye una instalación, sino una especie de mecanismo reflexivo o disposición para acometer una acción. Esa acción o experiencia artística se establece y desarrolla siempre en torno a una cuestión medular: los límites del espacio de la representación, para –como Agut dice– “volverlo del revés” y hallar un sitio en el que poder “generar nuevas representaciones del mundo”.

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Marzo 17, 2005

México anda suelto - CARLES GUERRA

orozco.jpgReenviamos este artículo de CARLES GUERRA sobre las exposiciones de artistas mexicanos presentadas en Madrid con ocasión de ARCO 05, en que Mexico ha sido el país invitado.

Originalmente publicado en LA VANGUARDIA DIGITAL - México anda suelto

Entre lo exótico y lo global Las muestras que Madrid dedica a México nos dan las claves del éxito de su arte, pero exponen sus puntos débiles. México trae una larga lista de artistas con la marca de lo local que operan con la fluidez del capitalismo global

En los últimos diez años el mundo del arte ha prestado una atención inusitada a México, un país que fascina por su genuina modernidad, a caballo entre lo exótico y lo global. Tan sólo en el año 2002, Klaus Biesenbach organiza una gran exposición en PS1 (Nueva York) y Cuáuthemoc Medina otra en la South London Gallery (Londres). Ambas mostraron a los artistas más jóvenes de la última generación con un gran impacto de crítica. La primera, Mexico City. An Exhibition on the Exchange Rates of Bodies and Values, daba una imagen sugestiva de México D.F., donde la corrupción, la contaminación y el caos se leían a la vez política y estéticamente. La segunda, 20 million Mexicans can´t be wrong, presentó una nómina más reducida pero no menos polémica, con artistas como Teresa Margolles, Melanie Smith, Carlos Amorales y Santiago Sierra.

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Marzo 03, 2005

Joseph Beuys, un artista en desaparición

trineo.jpg Artículo de EDWARD LUCIE-SMITH - 

Publicado en LA VANGUARDIA DIGITAL el 02/03/2005

Una reflexión sobre el arte contemporáneo a propósito de la más ambiciosa exposición de sus obras, en la Tate Modern.

Muchas personas -entre ellas, la mayoría de quienes se mueven dentro del mundo del arte- consideran que Joseph Beuys fue el artista más importante de la segunda mitad del siglo XX. Beuys fue muchas cosas: un chamán, un embaucador,un carismático activista social y político. Fue la punta de lanza del regreso a la prominencia de la vanguardia alemana tras la Segunda Guerra Mundial; su repercusión en los mundos del arte europeo y estadounidense aún se hace sentir, casi veinte años después de su muerte en enero de 1986. En las grandes panorámicas del arte contemporáneo, sólo dos artistas muertos siguen presentándose como actuales. Uno es Beuys, y el otro es su casi contemporáneo Andy Warhol, que murió un año más tarde, en febrero de 1987.

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Febrero 25, 2005

Jordi Colomer, el teatro de las turbaciones

colomer.jpgReenviamos la reseña de Javier HERNANDO sobre la exposición de Jordi Colomer "El teatro de las turbaciones", en el Patio Herreriano de Valladolid.

Originalmente publicada en El Cultural de El Mundo.


A comienzos de los años noventa –margen cronológico anterior de esta muestra que alcanza 2005– el trabajo de Jordi Colomer (Barcelona, 1962) era plenamente escultórico. Sus volúmenes elaborados con materiales modestos: maderas, telas, escayolas… remitían por una parte a los postminimalistas: cuerpos rotundos extremadamente sobrios, activadores del ámbito espacial donde se situaban, y sobre todo cargados de significado; con frecuencia se concebían como unidades dispersas interrelacionadas. Además ya se hallaban presentes dos de las señas de identidad formales sobre las que se articulará todo su discurso posterior: la maqueta y el mobiliario. Así en Como en casa (1991) seis prismas adquieren la condición de armarios, si bien al mismo tiempo su revestimiento exterior con escayola y el soslayo de detalles parece situarnos ante maquetas de grandes dimensiones.

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Febrero 13, 2005

El fantasma de la identidad mexicana - Alberto López Cuenca

REENVIADO DESDE abc CULTURAL
Originalmente publicado el 5 de Febrero

nuevosricos.jpgMéxico, su arte más contemporáneo, lleva ya varios años rodando y siendo observado como un boom. Ahora se asoma a la frontera de ARCO –a la que este suplemento dedicará en su siguiente número un recorrido crítico– y a otras instituciones madrileñas. He aquí una selección y análisis de estas citas 

Un fantasma recorre el arte mexicano del siglo XX, el fantasma de la identidad nacional. Parafraseando al historiador Jorge Alberto Manrique, el gran tema de la cultura mexicana posrevolucionaria es el nacionalismo.

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Enero 29, 2005

La imagen tiene la última palabra - ÁNGELA MOLINA

Reenviado desde BABELIA - 22-01-2005

muntadas.jpgA la hora de encontrar el origen de la kinesis en la mimesis, debemos remontarnos veinticinco siglos atrás cuando el pintor griego Zeuxis consiguió crear unas uvas de forma tan realista que los pájaros intentaron comérselas. El grupo escultórico del Laocoonte, de Agesandro y Atenodoro, el Éxtasis de Santa Teresa, de Bernini, la invención de la fotografía, que proporcionó a los artistas del XIX nuevas herramientas para conectar el arte con la vida real, o los trabajos ópticos de Duchamp, como Anemic Cinema (1926), Rotative Plaque Verre (1920) y sus series de rotorrelieves circulares de cartón, representan a los auténticos precursores de aquellos reputados cineastas y videoartistas que a partir de los sesenta supieron hacer suyo aquel pensamiento deleuziano según el cual las imágenes subjetivas y objetivas pierden su diferencia e identidad a favor de un nuevo circuito donde son completamente desplazadas, se contaminan unas a otras o se descomponen y recomponen.

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Películas ocultas de Angela Bulloch - Guillermo SOLANA

Reseña de la exposición de Angela Bulloch en Helga de Alvear. Madrid.

Tomado de El Cultural

bulloch.jpgEn las viejas películas de ciencia-ficción, el rostro de las computadoras solía ser un mosaico de luces que parpadeaban o cambiaban de color cuando la máquina inteligente estaba pensando, quiero decir procesando alguna información. Las dos instalaciones de Angela Bulloch (Ontario, 1966) que expone Helga de Alvear tienen algo de eso, de decorado para un film futurista. Ocho cajas apiladas y otras dieciséis alineadas en el suelo, en total veinticuatro cubos iguales con una de sus caras iluminada. Los cubos cambian de color con transiciones suaves, a intervalos regulares, y la fluctuación rítmica provoca en el espectador un efecto sedante, casi hipnótico. Los colores coinciden un segundo y difieren al momento siguiente, formando y deshaciendo unas constelaciones efímeras. A veces, el cambio de los colores parece desordenado, aleatorio, pero de pronto todas las cajas se ponen de color blanco, o rosa o verde, y reconocemos una orquestación en esta música silenciosa, parecida a la que soñó el jesuita Louis Bertrand Castel, inventor del clavicordio cromático, o alguno de sus innumerables sucesores. El título de la exposición alude a la música: The missing 13th se refiere, según Bulloch, a “un tono que no está contenido dentro del sistema armónico de doce tonos”, un tono que “existe pero no se escucha en la tradición musical occidental”.

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Antoni Abad y la chispa de la ilusión - Jaume VIDAL OLIVERAS

Reseña de la exposición de Antoni Abad "Canal Gitano". Comisaria: Gloria Picazo. Centro de Arte La Panera. Lérida. Tomado de
EL CULTURAL

11245_1.jpgEsta exposición resume la trayectoria de Antoni Abad desde 1994, cuando empieza a trabajar con proyecciones y medios electrónicos. La muestra posee dos partes diferenciadas: por un lado, sus vídeo-instalaciones, localizadas en la planta baja del edificio, y por otro, sus últimos trabajos relacionados con internet, en el piso superior.

La planta inferior de La Panera está destinada, decía antes, a sus vídeo-instalaciones. Se trata de un inmenso espacio a oscuras en el que, aquí y allá, van surgiendo, como puntos de luz, las proyecciones de los vídeos. Habíamos visto en alguna ocasión estos trabajos de una manera dispersa, pero no éramos conscientes de su autentica dimensión. Ahora, presentados en conjunto, y con este microclima de luces y sombras se comprende su alcance. Se trata de un mundo estremecedoramente poético: son imágenes elementales o arquetípicas en las que el artista retrata sus deseos, miedos u obsesiones... Pero ante todo son imágenes-símbolo de una particular intensidad.

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No me interesa nada de nada - Fernando Castro Flórez

Reseña de la exposicióon de Jon Mikel Euba en Galeríia Soledad Lorenzo, Madrid.

Tomada de ABC

08_oneminute.jpgNo me interesa nada el trabajo de Jon Mikel Euba. Eso es algo que tengo muy claro. Llevaba apenas dos minutos en la semi-oscuridad del primer espacio de Soledad Lorenzo, intentando tomarme con calma y en serio una vídeo-proyección titulada Neska (2005), cuando me desacoplé del todo y comencé a incubar la sospecha de que, en realidad, no entendía nada de lo que allí se planteaba. El sentimiento de tedio dominó mi recorrido entre una serie de trabajos de una mediocridad alarmante. Este artista ha tenido exposiciones individuales en centros de arte de primer nivel como Artium (Vitoria, 2002) o la Fundación Tàpies (Barcelona, 2003); también me dejaron frío aquellos vídeos de jóvenes combinados con proyecciones de textos (por supuesto, en inglés, para no perder el tono snob) en las que se informaba principalmente de asesinatos y disparos. Ojeando el catálogo de aquella muestra encontré frases casi programáticas: «Me gusta saber lo que “está pegando fuerte” y me entretengo» o «dime lo que has visto y lo que crees que significa». Doy por sentado que son meros flatus vocis que no quieren decir nada de nada, porque en caso contrario serían la manifestación de un carácter cínico o de una mente roma. 

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La pintura que vendrá - Alberto Ruiz de Samaniego

Reseña de Skyshout. La pintura después de la pintura. Auditorio de Galicia. Santiago de Compostela. 
Reenviado desde abc.es

La pintura descubre nuevos campos, abre nuevas vías y horizontes. No muere ni desaparece (como se ha venido preconizando desde hace tiempo), pero se reinventa más allá de los límites que pueda determinar un soporte o su inherente técnica. La exposición titulada Skyshout. La pintura después de la pintura, inaugurada en el Auditorio de Galicia, de Santiago de Compostela, plantea un exhaustivo friso de artistas que apuestan por las nuevas lecturas pictóricas 

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Enero 15, 2005

¡Hágase la luz!... Y por fin se hizo

Reseña de Laura Revuelta de la exposición de JAMES TURRELL EN IVAM
turrell.jpg Publicada originalmente en el ABC cultural el 8 de enero de 1005.

Resulta difícil describir lo que hace James Turrell (Los Ángeles, California, 1943). Algo parecido a la magia; algo que sólo se puede entender cuando se ve; algo que sólo se siente desde la fascinación por un artista que tiene en su haber todos los dones que ansiara para sí un maestro del Renacimiento, lo que hoy llamaríamos un autor total. Turrell no es un pintor, pero pudiera serlo; no es un escultor, pero esculpe con la nada y desde la nada; no es un arquitecto, pero también escenifica arquitecturas; no es tantas cosas, pero a su vez asume tantas otras. Es un artista pleno y también un puro científico, porque sus especulaciones y descubrimientos sólo pueden ser producto de un complicado dominio de materias primas tan inmateriales como la luz. 

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Enero 05, 2005

Casitas de papel-dinero

Reseña de Angela Molina de la exposición de Daniel Chust Peters, Martí Ansón, Filipa César. Centre d'Art Santa Mònica. Barcelona.

peters.jpgReenviado desde BABELIA - 01-01-2005

En el Centre d'Art Santa Mònica (CASM) de Barcelona, un antiguo convento rehabilitado en sala de exposiciones, Daniel Chust Peters, Martí Ansón y Filipa César reflexionan sobre el carácter elusivo de los materiales artísticos y cómo la realidad prepara al autor en la idea de tránsito hacia una metarrealidad que acaba convirtiéndose en ficción.

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Diciembre 19, 2004

Javier Peñafiel o el silencio del artista

Reenviamos la reseña de la exposición de Javier Peñafiel en Joan Prats, Barcelona, escrita por Jaume Vidal Oliveras, publicada en EL CULTURAL

penafiel.jpgEn el catálogo de la penúltima exposición de Javier Peñafiel, presentada en el Museo Pablo Serrano de Zaragoza acontece un hecho muy significativo. Entre los textos introductorios a la obra del artista hay una entrevista de éste con un antiguo profesor de estética de mis años de estudiante, Martí Perán. Sin duda es un texto interesante, pero lo que me sorprendió es que la entrevista no se realizara en los términos clásicos, es decir, lo habitual es que el periodista –este caso el profesor– formule las cuestiones y el entrevistado responda.

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Diciembre 09, 2004

Ignasi Aballí, Lo que queda del día

02.jpgReenviamos esta reseña de Mariano NAVARRO de la exposición de Ignasi Aballí, Lo que queda del día en la Galería Elba Benítez de Madrid.
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Dos de diciembre: cuatrocientas noventa palabras, unos tres mil sesenta y ocho caracteres con espacios, treinta y nueve líneas y cinco párrafos. La medida de las cosas es, en cierto modo, una manera de acotar el tiempo. La extensión de este artículo, que habla de la obra reciente de Ignasi Aballí, delimita un período de ocupación: me invade en la misma dimensión en que me entretengo en ella. Procede de una experiencia fría: una detenida observación del transcurrir inmóvil, del soplo del instante sobre la estabilidad de la superficie fotográfica.

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Diciembre 05, 2004

En el intersticio social

Reenviamos reseña escrita por Anna María Guasch en abc Cultural el 4 DIC sobre la exposición de Botto & Bruno. La ciudad que desaparece, en CaixaForum. Barcelona.

expo3.jpgCuando la pareja integrada por Gianfranco Botto (Turín, 1963) y Roberta Bruno (Turín, 1966) presentaron en la Bienal de Venecia de 2001 la instalación House where Nobody Lives (2001), ya pudimos constatar la originalidad de un trabajo que a la tradición «decorativa» de los wallpapers de Sol LeWitt añadía un nuevo factor de sociabilidad y de considerar el arte como un «intersticio social», un factor generador de relaciones entre la obra, el espectador y el espacio. Pudimos ver cómo detrás de la aparentemente neutra instalación de Botto & Bruno había algo más que un collage de imágenes fotográficas de las periferias de las grandes ciudades y que el leiv motiv de esta instalación eran los residuos de la cultura humanística bajo el impacto de la globalización post-tecnológica, al decir de los artistas, «el último evento desastroso de la historia occidental», aquélla que había hecho gastar tanta tinta (pero sólo eso, tinta) sobre la ciudad ideal y la época del progreso.

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Diciembre 04, 2004

Ocupaciones espaciales  

Buraco Quente_g.jpgReenviamos reseña de las exposiciones de Manel Margalef y Dionisio González en dos galerías de Madrid. Originalmente publicada por Javier Maderuelo en BABELIA - 04-12-2004

Dos artistas. La misma generación, la misma herramienta expresiva y una mirada sobre la arquitectura. Manel Margalef elabora unos assemblages en los que los muebles devienen objetos híbridos. Dionisio González interviene con simulaciones de construcciones vanguardistas el paisaje de las favelas. Ambos en Madrid.

Coinciden en Madrid dos exposiciones que, sin pretenderlo, se complementan. Muestran la obra de artistas de una misma generación, que exponen por primera vez en Madrid, que utilizan la fotografía y que basan su trabajo en un tema intermitentemente recurrente desde hace treinta años, como es lo arquitectónico.

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La salmodia de la desesperación

sierra.jpgReenviamos la reseña de la exposición '120 horas de lectura de una guía de teléfonos' en Galería Helga Alvear (originalmente publicado por Carlos Jiménez en
BABELIA el 04-12-2004
)

Santiago Sierra hace leer durante 120 horas seguidas una guía telefónica en árabe editada en Israel. Una metonimia del régimen de exclusión que viven los árabes en ese país.

Cuando hace muchos años el célebre lingüista ruso Román Jakobson se vio en la tesitura de encontrar cuáles eran los signos lingüísticos cuyo referente era evidente e incuestionable no halló un ejemplo más a mano que el de los nombres agrupados en la guía telefónica. Sólo allí, en ese catálogo desnudo, parecían reinar las certezas unívocas de las que son despojados el resto de los signos por la naturaleza tenazmente metafórica del lenguaje.

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Diciembre 03, 2004

Mucha policía, poca diversión

Reenviamos la reseña de Beste Bat! (en Sala Rekalde, Bilbao) firmada por MERY CUESTA 
REENVIADO DESDE LA VANGUARDIA - CULTURA|S el 01/12/2004

Fanxinoteka.jpgJuré que escribiría algún día un artículo con este título, y la ocasión se ha cruzado por arte de magia en mi camino. La consigna, sacada de un tema emblemático del grupo Eskorbuto, además de ser lema de las fiestas de Bilbao del 83 y manifestaciones varias, rezuma el espíritu de aquello llamado Rock Radical Vasco, un movimiento cultural de no retorno, nacido al calor del punk y de una coyuntura política estigmatizada por la herida sangrante de la identidad del pueblo vasco.

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Diciembre 02, 2004

Tony Oursler: «Pasamos el día mirando pantallas y no sabemos entenderlas culturalmente»

ENTREVISTA de Javier Díaz-Guardiola a Tony Oursler con ocasión de la exposición Blob presentada en Galería Soledad Lorenzo. Madrid.

REENVIADA DESDE ABC cultural, publicado el 20 Nov 2004.

oursler.jpgTony Oursler: «Pasamos el día mirando pantallas y no sabemos entenderlas culturalmente»

El engranaje videográfico en el que Tony Oursler trabaja desde hace años da una vuelta más en Madrid, en la galería Soledad Lorenzo, donde se muestran sus últimas esculturas por primera vez íntimamente ligadas a sus dibujos

Como la memoria suele traicionarnos, conviene recordar que son muchos los años que Tony Oursler (Nueva York, 1957) lleva trabajando con el vídeo. Los últimos, quizás los que le han dado fama internacional, son los que le han servido para ampliar los límites de la vídeo-instalación y profundizar en el lado más psicológico y humano de la tecnología. De forma lógica, su obra ha desembocado en los Blob, seres a medio camino entre lo físico, lo mental y lo inmaterial. Su tercera cita en Madrid, con Soledad Lorenzo, sirve además para que el norteamericano se replantee su forma de entender sus técnicas y de relacionarlas con el espectador. 

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Laboratorio Documenta

Reenviamos esta reseña de Angela Molina, aparecida en Babelia, a propósito de la exposición Maquettes-sans-qualité. travail en grève/ trabajo en huelga presentada en la Fundación Tàpies. Barcelona.

sinvoz_pq.jpgLaboratorio Documenta
ÁNGELA MOLINA
Reenviado desde BABELIA - 27-11-2004

La originalidad de Barcelona tiene menos que ver con su dominio de la retórica urbanística que con su verso supuestamente libre, que ha hecho de ella una ciudad que se alza sobre sus aguas maternales para rechazar los razonamientos rítmicos consensuados. Es ese disentimiento, esa insensatez, la que domina el ensueño que la llevará a la concha de su propia transformación interior. Barcelona es una inmigrante, pero también una aristócrata condenada a sufrir por su altivez y sus remilgos.

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