|
30 de Agosto
POP POLÍTICO: The Durutti Column & Vini Reilly, artista - Peio Aguirre
Originalmente en Crítica y metacomentario
Si Theodor Adorno (el filósofo y musicólogo) hubiera vivido lo sufiente como para ver con sus ojos el nacimiento del fenómeno punk sin duda no se hubiera cortado en nada ni habría callado. Intransigencia ordena. Sin embargo, quizás hubiera encontrado en el post-punk y en la new wave algo positivo que rescatar y dentro de esas tendencias quizás hubiera entronizado a Vini Reilly como su mesias salvador. El fetichismo de la música pop, rock, punk y demás está en su condición de producto. Adorno abogaba por una audición regresiva como solución a este fetichismo. Vini Reilly merece un hueco en toda esta historia. The Durutti Column emergió como grupo pionero de la mano de Tony Wilson, alma mater de Factory Records, en 1978. Y lo hizo simultáneamente al fenómeno de Joy Division.
Continuar leyendo " POP POLÍTICO: The Durutti Column & Vini Reilly, artista - Peio Aguirre"
Enviado el 30 de Agosto
| Comentarios (1)
|
Tocar el cuerpo de la palabra | SOBRE LA OBRA DE AHMED MATER - Marcela Quiroz Luna
I remember I remember the sound Of ringing like the athan of prayer In narrow road of village It was the sign of clear sky Like predicted rain without cloud I leaf the door prevaricator I remember All deferred things are NOW (1)
Ahmed Mater (Abha, Arabia Saudita, 1979) ha declarado que sus piezas hablan sobre la confusión imperante en el sentir del individuo contemporáneo. Sus manos, manos médicas, saben tratar el cuerpo tanto como saben hacer discurrir entre elegantes —y a veces políticamente irónicas— composiciones visuales multimediáticas el decir sobre el cuerpo.
Por el conocimiento que le ha permitido el desarrollo de su profesión, Mater no sólo entiende sino que vive en y entre la distancia que sobre las palabras inventan la corporeidad y sus sustancias; palabras y sentencias ante las que el cuerpo hace por defenderse y en ocasiones, logra incluso rebelarse.
Mucho se ha escrito —especialmente a partir de la década de los 90 del siglo XX— sobre las distancias y estados de relación que habitan entre el cuerpo y sus discursos. La escritura de la historia y la teoría del arte contemporáneo ha encontrado evidencias para seguir los rastros corporales en la expresión estética desde los estudios literarios, la teoría crítica, los estudios culturales, la antropología, la sociología, los estudios de género, las ciencias biomédicas… Este listado de bifurcaciones interdisciplinares podría seguir y seguir si bien por una sola razón: somos incapaces de escapar a nuestro cuerpo.
Enviado el 30 de Agosto
| Comentarios (0)
|
28 de Agosto
Comunidad y emancipación / Pensamientos sueltos - María Virginia Jaua
El primer pensamiento es el de que la emancipación es un impulso hacia la existencia, un acto casi obligado, tras recibir la nalgada inaugural.
*
Resulta una curiosa coincidencia que dicha nalgada sea propinada con la palma de una mano. Así -y muy desde el comienzo- el poder simbólico de la mano se revela doble: otorga lo que en principio deberá conservar y reclamar como suyo.
*
Principio de negatividad: no deja de sorprender la relación intrínseca entre la emancipación y la mano: lo que da y lo que escatima, lo que guarda, lo que oculta... existen un gran número de refranes y dichos populares que sería redundante repetir.
*
La emancipación se muestra como una condición inmanente al ser. Como un primer gesto de lo que se ha dado en llamar biopolítica, o que con otras palabras podría constituirse como una fuerza arcaica (quizás anterior a la existencia) por medio de la cual, una vez se ha elegido el ser por encima de la nada, el saber es puesto en función de un bien individual y colectivo.
Continuar leyendo "Comunidad y emancipación / Pensamientos sueltos - María Virginia Jaua"
Enviado el 28 de Agosto
| Comentarios (2)
|
26 de Agosto
Las cosas no son lo que aparentan: pasado, presente o futuro desde las artes visuales cubanas - Magaly Espinosa
"Esta Isla te arropa, te domestica o te expulsa".
Conversando casualmente con el artista Lázaro Saavedra sobre el contenido de este seminario: Cuba y sus futuros* con su habitual sentido del humor me decía: para hablar del futuro de Cuba hay que consultar a un Babalao. (1)
Comentar sobre este tema en el campo de las artes visuales comporta un análisis muy particular, dadas las características presentadas por la plástica cubana desde las dos últimas décadas del siglo pasado. Devenido en movimiento, se destaca en el contexto artístico cubano, entre otras cosas, por su carácter reflexivo y su autoconciencia crítica. Esa “mala hierba” de la que hablara el crítico y curador Gerardo Mosquera hace algunos años, se ha ido desplazando gradualmente de temas de contenido social a otros más íntimos, apropiándose de la capacidad camaleónica de lo cotidiano en sus formas de ser, tan ingeniosas, que ni los habitantes de la Isla sabemos muchas veces descifrar.
El movimiento renovador de la plástica cubana iniciado en los años 80, ha pasado por altas y bajas, con elementos que indican una continuidad y otros que apuntan hacia rupturas. No obstante, un factor a destacar en este batallar por la legitimación de esa visión reflexiva, han sido las diversas vías emprendidas para interactuar con los espacios oficiales o circular por los alternativos. Desde esta interacción entre unos y otros espacios, sobresalen las acciones promovidas en los últimos años por la galería Aglutinador, que ya tiene más de una década, y el proyecto de la Cátedra Arte de Conducta, dirigido por la artista Tania Bruguera, que si bien formó parte del Instituto Superior de Arte, debe su éxito al talento y esfuerzo de su directora, a los artistas que se desplazaron a su alrededor y que han dado un gran impulso a experiencias artísticas que se inspiran en el contexto social, en los valores y contenidos de la cultura y la vida cotidiana, creando toda una variedad de formas de arte público, performance, video documentación y arte de inserción social en su conjunto.
Enviado el 26 de Agosto
| Comentarios (0)
|
24 de Agosto
LA OBRA DETRAS DEL AUTOR - David G. Casado
Originalmente en Art on the Tracks
"A veces resulta que la actividad suponía hacer algo, y en ocasiones esa actividad es la obra."
Bruce Nauman
En la música popular se encuentran multitud de obras que relegan la idea de autor a un segundo plano en favor de la de performer o simple cantante, teniendo en muy numerosas ocasiones más éxito comercial las interpretaciones que las versiones originales. Para la industria musical las figuras del autor y cantante están en ocasiones tan separadas que ni siquiera el propio autor llega a grabar nunca las canciones que compone puesto que ese no es a menudo su trabajo. Si un cantante quiere grabar un hit ¿por qué componer una canción cuando puede tirar de readymade hits, situarlos en otro contexto -como Elvis con los grandes éxitos de la tradición negra- e imprimirles así un nuevo carácter?
Algo que Duchamp ya puso de manifiesto en el mundo del arte visual de principios de siglo con la idea de los Readymades ¿por qué modelar una escultura cuando se puede coger un objeto ya fabricado, situarlo en otro contexto -el museo- y darle así una nueva función? La diferencia aquí es que un botellero, por ejemplo (según el famoso readymade de 1914), carece de derechos de autor al tratarse de una obra industrial de reproducción, o mejor dicho, posee un derecho de patente por el que se carga una pequeña cantidad cuya fabricación a gran escala hace que sea rentable.
Continuar leyendo "LA OBRA DETRAS DEL AUTOR - David G. Casado"
Enviado el 24 de Agosto
| Comentarios (0)
|
22 de Agosto
Quid pro quo. (A vueltas con el fetichismo) - Fernando Castro Flórez
El fetiche ciertamente es tanto un símbolo cuanto un síntoma neurótico, algo que favorece el despliegue de la perversión. Ya se trate de una parte del cuerpo o de un objeto inorgánico, el fetiche es, simultáneamente, la presencia de aquella nada que es el pene materno y signo de su ausencia: símbolo de algo y de su negación, proceso mental que puede mantenerse sólo al precio de una laceración esencial, produciéndose una fractura del Yo. El fetichismo implica tanto el gusto por no-acabado cuanto el proceso de la sustitución metonímica, que, por otro lado, es característico del arte del index. “En cuanto presencia –advierte Giorgio Agamben-, el objeto-fetiche es en efecto algo concreto y hasta tangible; pero en cuanto presencia de una ausencia, es al mismo tiempo inmaterial e intangible, porque remite continuamente más allá de sí mismo hacia algo que no puede nunca poseerse realmente”. El fetiche es, en muchos sentidos, la revelación de una carencia, detrás de él está el horror de lo informe: la libido viscosa del freudiano análisis interminable o la “gelatina del trabajo humano indiferenciado” de la que hablaba Marx. En el fetichismo se introduce el enigma o bien un proceso de perversión: no hay una metáfora que sea sustitución de una palabra original. Estamos en la demora, en el aplazamiento absoluto. “A primera vista, diríamos –escriben Lacan y Granoff- que él ya no sabe lo que hace. Estamos ahora en una dimensión donde el sentido parece haberse perdido”. El fetichismo habría nacido, según el psicoanálisis, en la línea divisoria entre la angustia y la culpabilidad, es la oscilación crítica que niega y afirma la castración. La conciencia de la falta que lleva al fetichista a preocuparse no tanto por la posesión del objeto cuanto por la organización ritual a instalar alrededor de él. Freud advirtió que se conserva como fetiche, “la última impresión percibida antes de la que tuvo carácter siniestro o traumático”.
Continuar leyendo "Quid pro quo. (A vueltas con el fetichismo) - Fernando Castro Flórez"
Enviado el 22 de Agosto
| Comentarios (0)
|
21 de Agosto
El arte fuera de sí - Néstor García Canclini
Originalmente en lanacion.com
¿Qué está pasando con el arte, cuya muerte se anunció tantas veces, para que en pocas décadas se haya convertido en una alternativa para inversores decepcionados, laboratorio de experimentación intelectual en la sociología, la antropología, la filosofía y el psicoanálisis, surtidor de la moda, del diseño y de otras tácticas de distinción? [...]
Desde principios del siglo XX la sociología mostró la necesidad de entender los movimientos artísticos en conexión con los procesos sociales. Ahora, esa implicación "externa" del arte es más visible debido al creciente valor económico y mediático alcanzado por numerosas obras. Para explicar el fenómeno no alcanzan las hipótesis que postulaban -al igual que se dijo respecto de la religión- que las artes ofrecen escenas imaginarias donde se compensan las frustraciones reales , ya sea como evasión que lleva a resignarse o como creación de utopías que realimentan esperanzas: "una especie de religión alternativa para ateos", según la frase de Sarah Thornton.
Continuar leyendo "El arte fuera de sí - Néstor García Canclini"
Enviado el 21 de Agosto
| Comentarios (0)
|
Hacia otros modelos de bienal* - DAVID BARRO
Originalmente en El Cultural
Estructurada a partir de exposiciones temáticas, la XXXI Bienal de Pontevedra pone en relación las regiones de Centroamérica y el Caribe enfatizando su condición de contexto, más allá de las individualidades que en los últimos años asoman por el panorama internacional. Se huye así del habitual catálogo de novedades artísticas para profundizar en estudios ya realizados y dotar de mayor visibilidad a una escena eclipsada por la sombra de unos pocos. No esperen encontrar, por tanto, un tipo de obra de esas específicas para bienales, pensadas para el ocio turístico y que buscan su razón de ser en la espectacularidad, la fotogenia o la novedad. Si en los últimos años se ha generado una tipología de artista-bienal, en esta Bienal de Pontevedra se busca más la reflexión, el conocimiento antropológico e historiográfico y, sobre todo, el diálogo cultural entre contextos más o menos afines. Por ello, aún conformándose a partir de artistas conocidos, no encontramos grandes nombres que actúan como reclamo y sí fragmentos de una proyección utópica que singulariza a estas comunidades y que aquí se ha bautizado con un título sugerente: Utrópicos.
Continuar leyendo "Hacia otros modelos de bienal* - DAVID BARRO"
Enviado el 21 de Agosto
| Comentarios (0)
|
Antagonismo y estética relacional - Claire Bishop*
Originalmente en Esferapública
El juicio estético. A quien conozca el ensayo de Althusser Ideología y aparatos ideológicos de Estado, de 1969, le resultará familiar la idea de que las formaciones sociales producen relaciones humanas. La defensa que hace Nicolas Bourriaud de la estética relacional le debe bastante a la idea althusseriana de que la cultura –en tanto “aparato ideológico de Estado”– no refleja sino que produce la sociedad. Tal como fue leído en los setenta por artistas feministas y críticos de cine, el ensayo de Althusser hizo posible una expresión más matizada de lo político en el arte.
Como ha señalado Lucy Lippard, buena parte del arte de fines de los sesenta aspiró a democratizar sus alcances, más a través de la forma que del contenido; el agudo ensayo de Althusser sentó las bases para el reconocimiento de la necesidad de refinar una crítica de las instituciones que hasta entonces sólo las burlaba. No bastaba con mostrar que el sentido de una obra está subordinado al marco (sea en un museo o en una revista) sino que era igualmente importante considerar la identificación del propio espectador con la imagen. Rosalyn Deutsche resume bien este cambio de perspectiva en Evictions: Art and Spatial Politics [Desalojos: arte y políticas del espacio] (1966), cuando compara a Hans Haacke con la generación siguiente de artistas que incluye a Cindy Sherman, Barbara Kruger y Sherrie Levine. La obra de Haacke, escribe Deutsche, “invitaba a los espectadores a descifrar relaciones y a hallar contenidos ya inscriptos en las imágenes, pero no les pedía que examinaran su propio papel y participación en la producción de las imágenes”. En cambio, la generación siguiente de artistas “consideraba la imagen misma como una relación social y al espectador como un sujeto construido por el objeto del que hasta entonces alegaba estar separado”.
Continuar leyendo "Antagonismo y estética relacional - Claire Bishop*"
Enviado el 21 de Agosto
| Comentarios (1)
|
14 de Agosto
La Conservera: La broma infinita - Jesús Andrés
Originalmente en Ceci n'est pas un cahier
Kristoffer Ardeña
"Homage", la pieza de Kristoffer Ardeña es una videoinstalación. La proyección se realiza en la pared frontal de una gran sala rectangular, el Espacio 1. Para verla se ofrecen multitud de sillas todas ellas diferentes. Butacas, sillas de enea, de bar, playa o campo, sillas plegables, de plástico, metálicas, de madera, mecedoras, balancines o sillitas de niño. En la pantalla transcurre en un bucle sin fin la interpretación del himno nacional filipino a cargo de bandas de rock, cantautores, orfeones y hombres orquesta, con improvisaciones más o menos elaboradas, realizadas a solicitud del artista.
Las sillas aluden a un público heterogéneo, a un abanico de posibilidades. La música reconsidera los conceptos de unidad y nacionalidad.
Los asientos han sido cedidos por los residentes en Ceutí, localidad en la que se ubica La Conservera. Los músicos también pertenecen al entorno del Centro de Arte.
Continuar leyendo "La Conservera: La broma infinita - Jesús Andrés"
Enviado el 14 de Agosto
| Comentarios (0)
|
11 de Agosto
Cita con Duchamp: espejo y negativo en la apropiación de Carlos Leppe - Francisco Godoy V.
Carlos Leppe (Santiago, 1952) ingresa a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile en 1971, durante el corto gobierno de Salvador Allende: contexto explosivo de un arte íntimamente ligado a la política a través del muralismo y el informalismo abstracto. Dos años después, el país vive el quiebre radical del Golpe de Estado de Augusto Pinochet: el Palacio de La Moneda se enciende en llamas, y con él, gran parte de esa visualidad se va al exilio, o llanamente desaparece. Las estrategias que desarrollará Leppe luego de esta lesión sufrida por lo existente (en cierta concordancia con un movimiento menor de artistas, como Virginia Errázuriz y Francisco Brugnoli, ligados a lo conceptual en los años 60’s) será la dislocación de las hegemonías pictóricas del arte que embellecían el fin de un tiempo y el comienzo de otro, somatizando en su propio cuerpo, el cuerpo social y político fracturado.
Nelly Richard, teórica francesa llegada a Chile en los años de Allende, publica en 1980 “Cuerpo Correccional” [i], libro dedicado a la obra de Carlos Leppe entre 1974 y 1980; de forma conjunta se presenta este libro junto a “Del espacio de acá. Señales para una mirada americana” [ii] del alemán Ronald Kay, sobre teoría fotográfica y la obra de Eugenio Dittborn, en la Galería Sur de Santiago (Chile). Dicho acontecimiento, que inauguraba una exposición de ambos aristas, fue también un momento de consolidación de la escena artística desarrollada en dictadura, que Nelly Richard denominará “Escena de Avanzada”[iii].
Enviado el 11 de Agosto
| Comentarios (0)
|
5 de Agosto
EL ARTE SIMULACRAL DEL “FETICHE CRÍTICO”
Reseña de la exposición en CA2M, Madrid, curada por el colectivo Espectro Rojo
Originalmente en Comité invisible Jaltenco
La exposición “Fetiches Críticos” elude el discurso “anti-capitalista” que ha predominado en el arte contemporáneo que lo concibe como “máquina deseante” en un sistema infinitamente abierto, en crisis constante y que consecuentemente ha anulado la criticalidad. “Fetiches críticos” reclama los lazos entre deseo y capitalismo apoyándose en el deseo por el Otro no Occidental, intentando des-domesticarlo y re-primitivizarlo dentro del campo epistemológico del exceso y del gaste (dépense) según Georges Bataille. La noción de gaste implica un gasto improductivo enfatizando lo radicalmente Otro – que es lo que se encuentra el campo epistemológico del exceso y que se sacrifica, marginaliza, excluye o gasta en un ritual a favor del establecimiento de una epistemología coherente (por ejemplo: las perversiones sexuales europeas, los sacrificios rituales en las culturas primitivas, el potlach). El concepto de gaste se refiere a los momentos en los que la sociedad re-asigna al exceso, la otredad y lo marginal a una economía política racional basada en los valores de producción, utilidad y regulación. En otras palabras, el gaste son los momentos en los que se procesa la mierda, la materia heterogénea o amorfa, al material de base, lo que no tiene forma para transformarla en algo productivo y racional. Mostrando obras que funcionarían como antídotos a los efectos de la crisis del capitalismo, “Fetiches críticos” hace un llamado a momentos de anti-producción, a desactivar los mitos del (sub)desarrollo y a poner en operación al objeto artístico como objeto de deseo y subversión.
Continuar leyendo "EL ARTE SIMULACRAL DEL “FETICHE CRÍTICO”"
Enviado el 5 de Agosto
| Comentarios (1)
|
2 de Agosto
Una fuerza que subyuga sin violencia - Charles Fried
Originalmente en lanacion.com
Viajeros, diplomáticos y emperadores que visitaron Venecia comentan su asombro no sólo por su riqueza y magnificencia, sino en particular por su belleza. Los visitantes oficiales pueden apearse en la Piazzetta, entre las altas columnas de San Jorge y el león de San Marcos, y ser llevados por entre el Palacio Ducal y el Campanile de cien metros de alto hasta la extensa Plaza de San Marcos que, según la descripción de un visitante francés anterior, es la más hermosa del mundo. John Julius Norwich describe que en 1574, cuando el rey Enrique III de Valois hizo su entrada oficial en la ciudad a bordo de una pomposa barca incrustada de oro, en los palacios situados a cada lado del Gran Canal pendían tapices de oro y seda bordados con su figura heráldica, y que durante su visita hubo banquetes, desfiles y funciones de gala. Enrique posó para Tintoretto y visitó a Tiziano, que contaba con 97 años; después de escoger a su gusto entre un despliegue de miniaturas expuestas en el palacio de la Señoría, se le concedió un interludio con Verónica Franco, la cortesana más celebrada de Venecia. Norwich también relata que los venecianos tenían otra cosa para demostrar: una mañana, el rey visitó el Arsenal para observar cómo instalaban la quilla de un buque, y esa tarde vio la botadura del mismo buque (arbolado, armado y listo para la guerra).
Continuar leyendo "Una fuerza que subyuga sin violencia - Charles Fried"
Enviado el 2 de Agosto
| Comentarios (0)
|
suscribe ::sk::
RSS 2.0.