20 de Abril

Tan lejos, tan cerca: La palabra - David García Casado

Warbler.jpgMe gusta ocultar mis sentimientos a los ojos de mis congéneres, sin que, no obstante, me esfuerce aprensivamente en hacerlo, lo que consideraría un gran defecto y una gran tontería.

Robert Walser. El paseo.

Mi convicción es la de que el artista, siendo el enemigo de la sociedad, por su propio bien debe de permanecer tan invisible como sea posible y ciertamente indistinguible del resto de la multitud.

Paul Bowles. Without Stopping.

Qué poco dicen a veces los hombres, que apenas dejan entrever restos de experiencias en sus cuerpos o en sus ropas. En especial los escritores, casi siempre camuflados, vestidos de un modo neutro, “indistinguibles del resto de la multitud”, y a los que solo un tipo de presencia singular nos hace reconocer que están ahí, en un cierto abismo existencial, colgados de la experiencia de los hombres.

Pero también hay individuos capaces de decir tanto en su forma de mirar, de vestir, de moverse… No necesitan escribir una palabra pero están haciendo literatura viva, quizá pidiendo a gritos entrar en el imaginario colectivo, que alguien los inmortalice en alguna historia, que los retrate de un modo más o menos perfecto. En cualquier caso ellos son los verdaderos autores de su ficción, del modo en que hacen la experiencia algo visible, y leíble (aunque no necesariamente legible).

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13 de Abril

La furia de la materia (Una lectura de Catálogo de formas*) - J.S. De Montfort

gorman_casa_02.jpgEn una plaquette publicada en 2009, dejaba dicho el escritor y crítico, además de editor de la revista mexicana La tempestad, Nicolás Cabral (Córdoba, Argentina, 1975), que un ejercicio de vanguardia “rastrea, en el hiato entre el rostro y la máscara, el momento de verdad” [1]. Y es precisamente en esta disyuntiva donde se ha de buscar la significación última del propio título de su primera novela, Catálogo de formas, que acaba de publicar la editorial Periférica.

Son esas formas variaciones posibles de lo evidente y sabido; esto es, visiones normalmente vedadas o, mejor dicho, que no suelen estar presentes (razón por la cual no son aprehendidas por lo sentidos). Para que se entienda mejor la cosa hemos de pensar en el cubismo sintético. Y en su descomposición de planos: en su despliegue hacia el frente y hacia los lados de todos los planos posibles de una figura. Aquí, claro está, esta simultaneidad en la que se nos presentan planos auto-excluyentes, se habrá de referir a las visiones lingüísticas de un mismo asunto (o sea: puntos de vista, pero también en lo que respecta al estilo literario), y a la incorporación de símbolos (que funcionan al modo inverso de la inscripción en la pintura; esto es, aquí tienen una función icónica o figurativa). Y es que alienta a esta nouvelle de Cabral una idea neovanguardista: la de ser reanimación del cubismo. Y digo bien: no plasmación o nostalgia primitivista, sino intento de tonificar un proceder de avanzadilla que, a lo que parece (y aunque hayan pasado más de cien años [2]), no ha dicho todavía su última palabra.

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5 de Abril

Arte, política exterior y la Marca España desde 1950 - Ernesto Castro

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¿QUÉ HARÍA FRANCO EN SU LUGAR?

La Fundación Francisco Franco (FFF en adelante) lleva a un segundo round judicial a Eugenio Merino, un artista cuyas provocaciones escultóricas deberían resultar indiferentes para cualquier mandatario de una monarquía constitucional como la nuestra, siendo esta forma de Estado la reina y señora del laissez faire en términos culturales, confiando desde comienzos del siglo XIX en la inocuidad del compromiso artístico, él mismo muchas veces enfrentado con la genuina participación ciudadana, y cuyo epítome serían los románticos franceses convertidos -chaqueta aquí, chaqueta allá- en perritos falderos de Luis Felipe I, el delfín de los liberales; pero parece que la sociedad borbónica española tolera menos que otras el recuerdo de su pasado, pues basta con hablar en alto de la herencia fascista recibida (eso sí resulta inquietante, y no lo de ZP) para que la peña se santigüe y saque el DNI: «A mi no me vengas con ponencias de geriátrico, socio, que yo nací después de 1975.» Para la desmemoriada generación de los millenials (y para los franquistas que amanecieron demócratas en 1978) la dictadura debe estar entre Abell 1835 y A1689-zD1, galaxias primitivas a millones de años luz de distancia desde la Tierra, situada en un pasado atávico -junto con las Guerras Carlistas y el material de los ensayos de Fernando Sánchez Dragó- que nada tiene que ver con nosotros.

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30 de Marzo

Escribir en otro mundo: una revolución literaria* - Carlos Vidal

lisp.jpgMARIA GABRIELA LLANSOL y CLARICE LISPECTOR

Las obras de Clarice Lispector y de Maria Gabriela Llansol se sitúan más allá de los sentidos, del mero “sensismo” y del correspondiente “fluxismo” sensorial (de Deleuze, por ejemplo). Proponen un meta-arte, o un arte sin arte como se decía de Caravaggio (Bellori). El “pintor realista”, y Llansol y Lispector, hacen un arte sin arte, Llansol y Lispector hacen una literatura sin literatura, sin cánones ni mercancía noble y de lujo, un arte sin interpretación, sin narrativa. Extrañamente (sobre todo porque no se trata de un “arte visual”), el sentido de la vista (que es el sentido de la razón) es el que las autoras proyectan más lejos de sí, apartándolo definitivamente. Desarrollemos esta idea.

De Descartes a la Ilustración la vista es, obviamente, el sentido más valorado; ésta sentó las bases o ha servido de base a todas las formas humanas de producción de saberes y de conocimiento (se decía que el hombre de conocimiento era como un pintor equipado con una cámara oscura). Sin embargo, nunca ha dejado de haber en nosotros y en nuestra historia un resquicio de sospecha ocular. A pesar de los tiempos en los que ver era saber, o saber era percibir con claridad, nuestra fidelidad a la vista nunca ha sido incondicional.

Todavía hoy, sobre todo hoy, tras el siglo XX en el que gran parte de la filosofía (de Bergson a Sartre y Derrida) levantó un muro de dudas alrededor de esta cuestión, la sospecha ocular puede, algunas veces, adoptar la forma de una necesidad de interacción de los sentidos; otras veces, es otro sentido el que se superpone a la vista. En el Romanticismo, por ejemplo, podemos considerar que esta superposición se dio a través de la primacía de la audición (de modo explícito en Herder) y de la música. En cierto modo, las escrituras de Lispector y de Gabriela Llansol son inicialmente escrituras de la sospecha que luego reinventan la propia escritura y se sitúan fuera de esa sospecha (aun reconociendo su razón de ser). En estos términos iniciales, igual que Heidegger pretendía reescribir la historia de la metafísica volviendo a su inicio (levantando ese velo que oculta el “ser para la muerte”), volviendo al principio del olvido de la facticidad, Llansol y Lispector pretenden regresar a una especie de tiempo anterior a la literatura y al pensamiento.

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23 de Marzo

Speech! Speech! ¿Quién habla? – Carlos Bueno Vera

piper_68.gifEl caso de Inquieto* en la obra de Kenneth Goldsmith

[...] you don’t feel your mouth any more, no need of a mouth, the words are everywhere, inside me, outside me, well well, a minute ago I had no thickness, I hear them, no need to hear them, no need of a head, impossible to stop them, impossible to stop, I’m in words, made of words, others’ words, what others, the place too, the air, the walls, the floor, the ceiling, all words, the whole world is here with me [...]# Samuel Beckett, The Unnamable

I used to be an artist; then I became a poet; then a writer. Now asked, I simply refer to myself as a word processor. Kenneth Goldsmith, “Postlude: I Love Speech” en The Sound of Poetry/The Poetry of Sound

Que hable.

En una reciente entrevista en el suplemento cultural de El País (Babelia, 15 de febrero) con motivo de la publicación en castellano de Inquieto, Kenneth Goldsmith señalaba que “hoy no escribiría nada así. Inquieto responde a una idea de literatura que aún cree en valores como la originalidad. Es un libro muy original y muy poético” en oposición a la literatura que el autor ha venido desarrollando después, escrita bajo el cuño de lo que él denomina escritura “no-creativa”. Tal vez, lo que no señala esta entrevista, es que Inquieto (Fidget, 2000) es algo más que una pieza fundacional de la obra de Goldsmith [1], es una pieza fundamental en la obra del autor tanto por su proceder como por el lugar desde el que trabaja ese proceder.

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16 de Marzo

Las herramientas del maestro - Sarah Raymundo

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(Notas sobre cinismo, fuerza de trabajo, capital financiero y la industria del arte)

La actual crisis del capitalismo global se agrava a tal velocidad que hasta sus más astutos y falaces gestores económicos son incapaces de ponerle freno. No obstante, sus gestores culturales, diseminados por instituciones clave, todavía se refieren al sistema existente como el resultado de una ordenación divina. Para ellos, el presente solo puede juzgarse como la consumación de una progresión histórica que ha alcanzado su cénit. De este modo, cualquier visión alternativa sólo puede constituir una amenaza para la civilización.

De gurús progresistas

Hoy en día, el pseudo-progresista se erige como aquella figura crítica con el dolor y la humillación a la que están sometidos quienes viven en la pobreza. ¿Y la culpa de esta miseria? Los actuales mecanismos de exclusión que exponen a los pobres a todo tipo de riesgos a los que sólo se pueden adaptar o ajustar. En la mente del pseudo-progresista, no existe nada esencialmente erróneo en el sistema capitalista. El problema es de naturaleza administrativa y, por lo tanto, la cuestión se reduce a gestionar las sensibilidades de aquellos que “no están situados al mismo nivel”, tan sencillo como eso. Los gurús culturales arremeten contra el sistema capitalista, no a causa de la explotación que perpetúa sino por la exclusión que provoca, como si se hubiese producido una ruptura con la apropiación de la plusvalía en algún momento desconocido tanto para capitalistas como para trabajadores.

Admiten que el sistema capitalista genera riesgos y propicia una fuerza de trabajo vulnerable a todo tipo de abusos. Pero nunca dirán que éste es un sistema basado en riesgos y erigido sobre la explotación, que aquellos económicamente vulnerables están siendo en realidad explotados; y que conforman una clase que aún lucha por un sistema económico diferente. Nunca retratan a los pobres como a una clase combativa; y, sospechosamente, suelen referirse a los beneficiarios de este sistema explotador como a los no pobres (the non-poor).

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9 de Marzo

EL TABURETE DE LEOPOLDO - Armando Montesinos

madrid_bp.jpgMadre, esos besos que en la tumba
aún me das
son despertar, son nuevo frío;
estuve vivo, ya lo supe

ahora

déjame olvidar.(*)

Agosto se ensañaba con Madrid. Salí del horno tórrido del metro, donde los poros de los viajeros generaban ese vapor pringoso que se pega a la piel húmeda. El asfalto hervía sin metáforas y el aire pesaba, sucio, inmóvil. Tenía que andar diez minutos hasta mi destino bajo un sol demoledor a la hora de mayor asfixia. Ni un alma en las calles. Cualquier atisbo de sombra no podía ser sino un espejismo, y a mitad de mi camino fui a refugiarme, deshidratado, en el único bar abierto de la zona. Aunque ya sabía que no tenía aire acondicionado, se ofrecía como el único respiro momentáneo al agobiante exterior.

El local ocupaba un estrecho rectángulo en una esquina, con una puerta a cada calle. Entré en el mismo momento en el que un hombre se levantaba de una banqueta y se dirigía hacia la otra salida, dejando una lata de refresco de té en la barra. Era Leopoldo María Panero, a quien algún otro día había visto saliendo del hospital cercano, seguramente de recoger sus medicinas.

Me acerqué a la banqueta que había dejado libre con la prevención inconsciente de quien espera el calor recocido del plástico negro del asiento. Sentí ese vértigo de caída súbita que a veces precede al dormir: el taburete estaba completamente frío; allí Nadie había estado sentado.


(*) Leopoldo María PANERO (1948-2014), El que no ve. Las Ediciones de la Banda de Moebius, S.A., Madrid, 1980, pág. 39.


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2 de Marzo

Maldiciones del artista moderno - David García Casado

main168.jpgEn los acordes mudos, los silencios de ese soniquete repetitivo de origen africano de la canción de Robert Petway, "Catfish blues", se cuelan la resonancias ancestrales de una maldición.

What if I were a catfish? Swimmin’ deep down in, deep blue sea Have these gals Settin’ out hooks for me
Y si yo fuera un siluro? Nadando en un mar azul y profundo Y tuviera a todas estas mujeres tratando de echarme el gancho

La maldición del músico que canta su canción con la mirada enfocada al infinito. Solo allí encuentra paz, en el desenfoque perpetuo, una ceguera auto provocada para escapar del conjuro de todas las amantes que no han podido olvidarlo y sus pensamientos que lo acechan día y noche a través de imágenes, signos y sueños.

Un texto sobre maldiciones. Sí, lo reconozco, la idea me la dio True detective, la historia televisiva de un detective maldito, vaciado de cualquier esperanza de redención lo que lo hace capaz de llegar hasta el fin, no tiene nada que perder. Su compañero policía lo menciona en un momento determinado: “La maldición del detective es tener la evidencia en frente de sus propias narices y pasarla por alto”.

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23 de Febrero

¿ALTERNATIVAS A ARCO? - Ernesto Castro

large.jpg No las busquen en ARTMAD; el salón de los rechazados que parecía apuntar maneras hace años y figuraba en todas las porras como eterno opositor a la corona feriante y mercantil se ha vuelto en esta edición pasto de las excursiones de instituto que van a confirmar a los chavales los prejuicios asentados sobre el arte actual, que según dicen murió con Antoni Tàpies o se sobrevivió a si mismo y sigue zombi como Miquel Barceló. ¿Algún pintor fuera de la edad de jubilación, por favor? Haberlos haylos, pero son tan malos que merecen sufrir el formato expositivo de moda en ARTMAD, que consiste en acumular movidas hasta la claraboya, no menos de cinco piezas por metro cuadrado, como si aquello fuera una Wunderkammer y sus clientes, nobles que compran obra al peso.

En algo aciertan los expositores, algunos de los cuales tienen la cortesía de colaborar con Intermon Oxfam; en general todos los ONE PROYECT, que simplifican trayendo un solo artista, o bien aciertan con nuevas apuestas (no es mi rollo, pero hay que reconocer la solvencia de Anna Taratiel y sus trabajo abstracto-espacial; entrar en el espacio CiS Art es como hallar un oasis de seriedad galerística en mitad de aquello), o bien arman una sala del terror para niños a mitad de camino entre L’Oceanogràfic y una disco cuando encienden las luces (peores bichos he visto yo nell mezzo del cammin di nostra vita, pero nunca peor escultura que la que tienen montada en Fontanar: Océano Plástico, una reflexión sobre los desechos marinos donde Javier Ayarza aspira a Ben Clark del circuito escultórico y se queda en Charles Bukowski, poeta de lo patético).

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16 de Febrero

El arte contemporáneo “degoyado” por el propio IAC - María Virginia Jaua

arte degoyado.jpg Hay una anécdota del mundo de la literatura que quizás tenga algún sentido recordar estos días. Cuando Edgar Allan Poe dirigía una de las varias revistas que editó, un señor le envió unos poemas desafortunados para que los publicara. Poe los rechazó amablemente, pero el señor se enfadó e insistió en la validez de sus textos. Poe dijo entonces: “fulano de tal nos ha enviado unos versos, los cuales hemos declinado publicar por su propio bien, pero si sigue insistiendo los vamos a publicar.”

Esta pequeña anécdota editorial ilustra a la perfección el hecho de que a veces es mejor no empeñarse en el desatino: por el propio bien de uno, pero aún más por el del colectivo, cuando se es el representante de uno. El problema no es errar, sino insistir en ello no una sino mil veces hasta consumar el desastre y arrastrar a los otros.

La insistencia y tozudez del presidente del IAC, puede a la larga ser mucho más costosa que la propia gala deslucida y sin sentido, que se llevó a cabo el pasado 14 de febrero: copia mala de la copia mala de la copia mala…

Para empezar ese empeño de poner al arte en el escaparate y bajo los reflectores o como les gusta decir: en el photocall -que ya no sabemos si hay una confusión en la vocación- no solo no conseguirá la supuesta y anheladísima “visibilidad” del arte contemporáneo español en donde es y debe ser “visible”, sino que tampoco conseguirá realmente nada de las cosas importantes para el arte, e incluso, diría, que por su vulgaridad lo aleja cada vez más de conseguir aquello de lo que realmente está urgido: la legitimidad que solo da el trabajo serio.

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