14 de Diciembre

Las guerras de la cultura de SECCA al Reina Sofía* - Alán José

ficha.jpgLa exposición «Un saber realmente útil» en el MACRS ha desatado una polémica entre quienes se han indignado por algunos de sus contenidos, y los que han hecho frente común para defender la libertad de expresión y el trabajo del director del museo. Una controversia similar en los Estados Unidos desembocó en las «Guerras de la Cultura 1980-1994» que tuvieron graves consecuencias y terminaron por reducir y reestructurar el sistema institucional de la cultura en ese país. ¿Puede suceder lo mismo en España?

El conflicto entre arte provocador y los intentos por contenerlo o penalizarlo no es nuevo. Desde Frínico en el 476 a.C que fue multado por hacer sufrir a su público con Los Fenicios y los juicios a Las flores del mal en el siglo XIX hasta el arte público de Ai Weiwei. En los Estados Unidos, «La fuente» (1917) de Duchamp, «Excremento enlatado» (1961) de Manzoni, «Respirando» (1977) de Abramovic, o «Arco inclinado» (1981) de Serra son ejemplos de libro que usamos para discutir el asunto en las clases de políticas públicas del arte.

En esta nota me propongo mostrar que, aunque los paralelos sean notables, lo que sucedió en Estados Unidos difícilmente pasará en España por diferencias institucionales, de contexto y de estrategia; y porque no existe el mismo punto de inflexión que galvanice el consenso social.

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7 de Diciembre

El último hombre - Pablo Soler Frost

trk.jpgÉl no sabe que es el último. Está rodeado de figuras que pretenden, con acierto ser hombres. Como en la fantasía adolescente de Stendhal, los demás no serían sino el decorado.

"Si no tu, ¿entonces quién? Y, si no ahora, ¿entonces cuándo? decía el proverbio medieval.Él lo siente como si hubiese sido pronunciado hoy, en una grabación molesta. Siendo, aún sin saberlo, quien es, es decir, el último, era inevitable que todo fuera dirigido a él, o contra él.

Todo: desde los libros que no leerá (alguno en coreano), y las revistas que ya no le interesan, a los anuncios de torsos descubiertos y las imágenes de atroces ocurrencias diarias, que recuerdan el derrumbe de la torre de Siloé; de la rotura de un vidrio y la caída de un árbol en un bosque que no escucha, y mi voz que madura, al éxito de James, los cowboys que se aman, el rap que rima lo que no puede cambiar, las películas de Van Sant y de Von Trier, el infierno, los secretos de la Santísima Virgen de Fátima, la encíclica de Benedicto XVI, los incendios en Francia, los aviones cargados con los ataúdes de los caídos y el cortejo de los negros grajos sonre la verde grama...

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30 de Noviembre

La tinta en el ojo, el ruido en la palabra - David García Casado

Screenshot_009 2.jpgLa actualidad está en el centro del ojo y se expande a través de destellos de sentido. Existe una cierta resistencia en el ojo por fijar y definir, una fulgurancia que nos hace creer en nuestra visión, en los efectos de eternidad que ésta promete.

Pero, ¿cómo y por qué creamos imágenes? ¿Cómo y por qué las fijamos, recordamos, valoramos y utilizamos como unidades de comunicación?

En nuestra opinión, todas las imágenes poseen a priori el mismo valor de comunicación, intentan poner en común una experiencia particular -y negamos que deba de existir ningún tipo de jerarquía que regule la calidad de las experiencias. Pero sí que entendemos que existe una valoración de los signos relacionada con la intensidad de transmisión de dichas experiencias cuyo valor es, principalmente, su significado. Los signos poseen calidad no como entidades formales, un significado reconociblemente “bueno”, sino en cuanto su concatenación estilística y al ejercicio de una autoridad que, en su manifestación -en su emisión- se desliga de todo referente para expresarse como posibilidad significante singular.

Para activar las imágenes como unidades significantes es necesario proveerlas de un cierto valor de acuerdo con sus posibilidades de alteración de la consciencia y/o de la identidad, de su temporalidad. El tiempo y espacio de su publicación es crucial al igual que siempre lo ha sido la cuestión del medio; es aquí donde las imágenes ganan su poder de transformación pública puesto que pueden establecer nuevos protocolos y nuevos mecanismos relacionales. Lo que esta activación imaginaria sostiene es, por tanto, un deseo de comunicar la experiencia y de interactuar en la esfera pública, en sus movimientos deseantes, reguladores del sentido.

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23 de Noviembre

En “La Matria*”/ tu historia ¿es tu mejor herencia? - María Virginia Jaua

traje.jpgHace unos días publiqué en una red social un comentario acerca de la recién estrenada película “Matria”, la primera del artista visual mexicano Fernando Llanos. Un amigo a quien admiro y a quien me gusta leer –Leonardo Tarifeño– la reseñó elogiosamente, especialmente debido a un episodio histórico poco conocido, sobre un destacamento de charros que se preparó en el caso de que los nazis invadieran México durante la segunda guerra mundial [1]; sin embargo, yo comenté a su post que a mi la película me había parecido “malísima.” De inmediato me arrepentí de ese primer impulso y ante la sorpresa de ambos por mi comentario, lo correcto tanto para el artista visual como para el reseñista, sería sustentar ese juicio espontáneo con una lectura y una crítica acerca de la obra y compartirla, y es lo que ahora voy a hacer.

Asistí a una de las funciones en las que se proyectó “Matria” en el marco del 12º Festival de cine de Morelia con la presencia del autor. En la sesión de preguntas que siguió a la proyección, se le preguntó al realizador el por qué del título “Matria.” Fernando Llanos contestó que era una restitución de lo femenino en el concepto de patria para recuperar la relación de la nación como ese “lugar materno” que acoge a sus hijos.

Hasta ahí todo parecería bien. Sin embargo, no, de ninguna manera iba bien. A Fernando Llanos se le olvidó citar el origen del término. O lo olvidó o lo ignora. No sé qué es peor en este caso, porque una sencilla operación de consulta nos ofrece una información básica de dónde proviene, qué autores lo han utilizado y con qué finalidad conceptual:

Matria es un neologismo utilizado desde la escritura y la crítica feminista por autores como Virginia Wolf o Miguel de Unamuno o más recientes como Diamela Eltit, pero también por antropólogos que buscan rescatar la idea de ciertas etinas indígenas del concepto femenino de la “patria” precisamente para oponerse a los valores del patriarcado. La ‘matria’ sería aquel espacio en el que prima una ‘política maternal’, es decir, una fuerza que las mujeres adquieren por el hecho de dar a luz. Gran parte de la fuerza política del concepto de ‘matria’ proviene de la potencia asociada a la maternidad. [2].

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16 de Noviembre

Concha Jerez: “Interferencias en los medios” – Luis Francisco Pérez

concha-jerez.jpgLa obra de Concha Jerez es menos conocida que el nombre de su autora, dándose así la extraña paradoja (sería más correcto decir “perversa”) de no saber bien a qué nos referimos cuando se habla y escribe de un trabajo que se inició en las postrimerías de los años sesenta del siglo pasado. Desde entonces su producción artística (junto al ejercicio de la docencia, que ella considera no menos creativo) se ha podido ver, por supuesto, en infinidad de eventos y muestras, individuales y colectivas, pero esto no ha supuesto un reconocimiento (queremos decir: una visibilidad) que realmente hiciera justicia a la singularidad y personalidad de una obra que lo mejor y más apropiado que podemos expresar de ella, y en primera instancia, es que siempre se nos escapa cuando queremos, reduciéndola y en gran medida anulándola, enmarcarla en determinadas zonas estéticas, o épocas artísticas concretas, o movimientos más o menos determinantes o cercanos a su propia poética constructiva.

La de Concha Jerez es indefectiblemente una obra una comprometida, compañera de viaje de las diferentes derivas artísticas (prácticas conceptuales, diríamos, en su aceptación más generosa y menos dogmática, y aun así y todo siempre estaríamos en peligro, como suele suceder con la obra de nuestra artista, de cometer un bienintencionado resbalón) que han surgido en las últimas cuatro décadas en el panorama nacional e internacional, y es muy importante la cercanía de su obra con los artistas de Fluxus, y aún más con el grupo español ZAJ. Expresada esta afirmación nadie, por descontado, nos podría acusar de faltar la verdad, no menos cierto sería que su compromiso artístico, o su misma producción de arte, siempre ha rechazado el gregarismo estilístico propio de quienes jamás cuestionan el "santo y seña", o marca de fácil reconocimiento periodístico, que en muchas ocasiones, y de una manera tan miserable y espuria, definen movimientos, épocas y modas.

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9 de Noviembre

Nuestra necesidad de consuelo es insaciable* - Stig Dagerman

vida-en-los-bosques.jpg
Estoy desprovisto de fe y no puedo, pues, ser dichoso, ya que un hombre dichoso nunca llegará a temer que su vida sea un errar sin sentido hacia una muerte cierta. No me ha sido dado en herencia ni un dios ni un punto firme en la tierra desde el cual poder llamar la atención de dios; ni he heredado tampoco el furor disimulado del escéptico, ni las astucias del racionalista, ni el ardiente candor del ateo. Por eso no me atrevo a tirar la piedra ni a quien cree en cosas que yo dudo, ni a quien idolatra la duda como si ésta no estuviera rodeada de tinieblas. Esta piedra me alcanzaría a mí mismo ya que de una cosa estoy convencido: la necesidad de consuelo que tiene el ser humano es insaciable.

Yo mismo persigo el consuelo como el cazador su presa. Por dondequiera que en el bosque lo vislumbre, disparo. A menudo no alcanzo más que el vacío; pero alguna que otra vez cae a mis pies una presa. Y como sé que el consuelo no dura más que el soplo del viento en la copa del árbol, me apresuro a apoderarme de ella.

¿Y qué tengo entonces entre mi brazos? Puesto que estoy solo: una mujer amada o un desdichado compañero de viaje. Puesto que soy poeta: un arco de palabras que no puedo tensar sin un sentimiento de dicha y de horror. Puesto que soy prisionero: una súbita mirada hacia la libertad. Puesto que estoy amenazado por la muerte: un animal vivo aún caliente, un corazón que palpita sarcásticamente. Puesto que estoy amenazado por el mar: un arrecife de duro granito.

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2 de Noviembre

Estrategias de "exposición" - Roberto Cruz Arzabal

sJqh51u276yno1_1280.jpgEl 26 de septiembre de 2014, un grupo de estudiantes de la Normal rural “Isidro Burgos” de Ayotzinapa, en el estado de Guerrero, fueron atacados por policías municipales; 9 personas, entre estudiantes y transeúntes, fueron asesinados durante el ataque, el cadáver de Julio César Mondragón fue encontrado con el rostro desollado dos días después; 43 estudiantes fueron secuestrados por elementos de la policía y entregados a miembros del cártel del narcotráfico “Guerreros unidos” por órdenes de José Luis Abarca, presidente municipal, y de su esposa María de los Ángeles Pineda, ambos miembros, o líderes, del cártel. El ataque contra los normalistas conjuga dos elementos presentes desde hace años en la vida política y social de México: la violencia y la descomposición social provocada por las redes locales e internacionales de crimen organizado (narcotráfico, trata de personas) y la criminalización de la protesta; ambos son elementos claros de la necropolítica del capitalismo contemporáneo que cuenta, además, con más de 100 000 asesinados y casi 30 000 desaparecidos.

Desde entonces, se desconoce la ubicación y la situación de los estudiantes; desde entonces también sectores de la sociedad mexicana han entrado en una escalada de protestas contra el Estado mexicano y su participación, activa u omisa, en este crimen. Durante las marchas que se han realizado en solidaridad con los familiares, varios contingentes organizados han nombrado, uno a uno, a los estudiantes. Nombres que convocan y que al mismo tiempo otorgan un sentido común a la caminata; no es que se les nombre sólo para invocarlos (hacerlos aparecer en nuestra voz) sino también para inscribirlos en la memoria colectiva. La repetición de las palabras adquiere un valor comunal en la práctica pública de las marchas; “todos somos Ayotzinapa” se repite como consigna no para asimilarnos a ellos, luchadores sociales criminalizados por el orden racial del capitalismo, sino para sumarnos en su exigencia de justicia.

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26 de Octubre

Agujas y surcos de arena - David García Casado

Place-Vendôme-detail2.jpgEs algo en lo que he pensado mucho últimamente. Tengo la sensación de que vivimos en un gran disco que rota y rota sobre un mismo surco. Una canción está sonando pero se trata del mismo acorde repitiéndose una y otra vez. “Los tiempos están cambiando”, es la estrofa que nos tiene fascinados, como si lo que viviéramos en la actualidad fuese la cosa más maravillosa, y como testigos privilegiados contemplásemos el desvelarse continuo de las posibilidades que nos depara el futuro. Esta sensación es como la de ver el trailer de una película o una obra de teatro a la que jamás podremos asistir, que tan sólo quizá dentro de algunos siglos alguien podrá ver y establecer la coherencia y el guión de una época que ahora nos parece determinada por el puro azar - amañado quizá- pero no por eso menos inesperado.

“I didn’t mean "The Times They Are a-Changin'" as a statement... It's a feeling.”

Lo decía Bob Dylan, su canción ‘The Times They Are a-Changin’ no es un statement, una declaración de intenciones, se trata de un sentimiento. Sentir que los tiempos cambian no es lo mismo que decirlo, se trata de estar no en el surco del vinilo sino en la aguja que hace sonar los tiempos. Estar en lo que se adapta a los microsaltos a las derivas a los altibajos del rotar inapelable de los acontecimientos.

Algunos consideramos que las obras de arte más interesantes no son declaraciones de intenciones sino también agujas que amplifican lo que suena y le dan así corpus, una presencia que de otra manera permanecería inadvertida, invisible para una multitud espectadora, que busca desesperadamente el sentido. Una multitud que entiende también el lenguaje como una declaración de intenciones, una proyección de deseos, una idea de futuro que ilumine el presente. La gran adicción de la modernidad.

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19 de Octubre

Poéticas de fin de siglo: vanguardia y academicismo, de la demarcación a la hibridación - Carlos Vidal

Ohkai_Ojeikere-pht-006.jpgEl final del siglo XIX (y ya veremos que el final de un siglo no corresponde forzosamente a un cambio de paradigma, algo que más bien se produce de un modo totalmente imprevisible) incluye un determinado estadio de una fase histórica definida o marcada por un programa conflictual que encuentra en el término “vanguardia” su expresión exacta.

Tomemos una síntesis posible de lo que trataremos en este texto: el periodo de las vanguardias históricas (del impresionismo al futurismo), y décadas más tarde el de las neovanguardias (en los años sesenta y setenta), ha dado lugar en la actualidad a una sucesión de eventos dispuestos en una especie de plan horizontal global en el que han desaparecido tanto la conflictividad estética (de los manifiestos históricos) como la idea de “diferencia” cultural, que todavía estaba presente hasta hace bien poco (década de los ochenta) en la exposición Magiciens de la Terre (exactamente a finales de la década, en 1989) o incluso en algunas reflexiones críticas de The Return of the Real de Hal Foster, un interesante balance de la relación entre las vanguardias históricas y las neovanguardias [1].

Definamos marcos temporales: vanguardias históricas, en la transición del siglo XIX al XX (transición que se produce entre el impresionismo de 1876 y el futurismo de 1909, y no en el “1900”); neovanguardias, años sesenta y años setenta; transición del siglo XX al XXI, largo periodo de madurez que va desde los años ochenta hasta la actualidad, caracterizado por un posmodernismo neoconservador o progresista y posestructuralista, y recientemente por un regreso del mito y de lo sagrado así como por el fin de cualquier tipo de conflictividad. Últimas exposiciones sintomáticas: Traces du Sacré (Centre Pompidou) y Bienal de Venecia de 2013 [2].

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12 de Octubre

El coleccionista como juez y víctima de su propia “Libertad” - Luis Francisco Pérez

soth-t.jpgEn Minima moralia, este ensayo lleva un subtítulo que se cita muy poco y es magnífico: Reflexiones desde la vida dañada, el extraño y seductor responsorio laico que el pensador de Frankfurt se brindó a sí mismo al acabar la guerra, -cuya escritura hubiera sido imposible en un tiempo anterior al horror-, está estructurado en tanto que libro con la aleatoria utilización de versículos sin más razón que la diseminación “aforística” de un pensamiento crítico que debía habituarse a la nueva realidad social y cultural que estaba a punto de iniciarse -muy consciente, por otra parte, que con el deseado fin de la muerte y la destrucción también habían acabado las razones, formas y argumentos, que habían dado sentido a la vida y a la cultura europeas hasta 1936.

Pues bien en este repositorio que es Minima moralia, y como, sibilinamente, corresponde “al lugar donde se guarda algo”, significado real de la palabra latina repositorium, Adorno escribe en una de las entradas/versículos, la titulada “Servicio al Cliente” (discreta etiqueta que ya anuncia el perfume propio de lo que poco tiempo después se traduciría como “El cliente siempre tiene la razón”), lo siguiente:

La industria cultural pretende hipócritamente acomodarse a los consumidores y suministrarles lo que deseen. Pero mientras diligentemente evita toda idea relativa a su autonomía proclamando jueces a sus víctimas, su disimulada soberanía sobrepasa todos los exceso del arte autónomo.

Adorno tiene una escritura que no por compleja renuncia a la elegancia sintáctica de lo expuesto, flecos y reflejos, supongo, de un grand style que su autor no desea finalizar o dar por finalizado. Por supuesto, esa nada oculta “aristocracia de estilo” no está exenta, ni rechaza, la utilización, cual joven turco de la crítica, de una cimitarra de afilada hoja. Así es, convengamos que hay que ser un perverso muy inteligente (lo era) para escribir esta idea tan demoledora: “proclamar jueces a sus víctimas”. No podemos estar más de acuerdo, pues en la inmensa y vanidosa feria de arte en la que ya se ha convertido el propio “Arte”, el comprador (si bien a sí mismo se considera “coleccionista”) siempre cree que es un juez impartiendo la grandeza ética de su justiciero veredicto: “Si lo compro yo es bueno”, sin sospechar, por supuesto, que el mismo poder que se atribuye es el que le sitúa, por desconocimiento, en la patria lamentable e irredenta de las “víctimas”, pues allí donde la creación artística renuncia a su propia autonomía y libertad (o expresado con palabras más entendibles: el derecho a según qué producción artística “a no gustar ni agradar” al mercado) es la que, proporcionalmente, gana el juez que también es víctima (compradores, espectadores y público en general) en cuando a libertad de acción y veredicto: “El cliente siempre tiene la razón”. Pero esa libertad será siempre una pequeña estafa, pues la industria cultural está modelada por la regresión mimética en cuanto a aquello “que desea ser comprado”, y sin sospechar, el juez/víctima, que su elección es, en la mayor parte de la veces, una devastación de perspectivas, una lamentable sinfonía de formas y colores que en la belleza simple de su presencia lo único que consigue es humillar y despreciar a esa triste libertad que, ingenuamente, pretende poseer y dominar.

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